Vaya por delante que tú fuiste gallego antes que fraile. Además de ser hijo de una gallega de pro, pasaste más de veinte años de tu vida en esa tierra, concretamente en ese dédalo de calles que se retuercen sobre sí mismas hasta componer una rosa de piedra, en Compostela, la ciudad de la lluvia infinita, la más hermosa de las aldeas sumergidas. Fue entonces cuando leíste por primera vez la obra de Castelao, cuando pudiste sentir el impacto de sus lúcidas reflexiones animadas, de su manera de pensar el mundo. Y ahora, al volver a detener tu mirada adulta y exiliada sobre aquellas ilustraciones, entiendes de forma más meditada su profundo humanismo. Porque más allá de la realidad gallega (o leonesa, al fin y al cabo somos pueblos hermanos), nos hablan de la eterna lucha del hombre contra el hombre, de las injusticias sociales o del poco sentidiño con el que tanto antes como ahora nos conducimos por la vida.

Castelao nació en Rianxo a finales del siglo XIX. Estudió medicina pero apenas llegó a ejercer la profesión. Muy pronto dirigiría su vida a las que fueron desde siempre sus verdaderas vocaciones: el arte y la política. En el mundo del arte demostró ser como uno de esos artistas renacentistas capaces de dominar todas las disciplinas, destacando en la creación literaria, el periodismo gráfico, la pintura y el teatro. En el mundo de la política ejerció de galleguista y republicano. En cualquier caso es imposible separar esas dos vocaciones, sus dibujos y escritos no fueron sino un eficiente vehículo para expresar sus ideas políticas, para invocar una inteligente denuncia social sobre el estado de las cosas en esa tierra olvidada a lo largo de los siglos, marcada por la necesidad y el desamparo. Sus dibujos tienen ese poder de abandonar en la conciencia del lector profundas cavilaciones, destellos de humor que nos hacen pensar y sentir, que apelan al hombre y al ciudadano.

Las viñetas de Cousas da vida aparecieron por primera vez publicadas en el periódico Galicia en los años veinte del pasado siglo, pero lo que las hace más relevantes es que la mayoría de ellas son de una actualidad desconcertante. En ellas se recoge la vida cotidiana con una ironía fina y brutal; mostrando a viejos, adultos, niños e incluso animales tirando de esa famosa retranca gallega para exponer los atropellos y abusos que sufre la gente más humilde. Poseen una fuerza crítica y una intención humorística que las convierte en pequeñas bombas de relojería, en contenedores de ideas que nos revelan más sobre un pueblo, el gallego, que cualquier sesudo tratado sociológico. Esa es la gran virtud de todas estas ilustraciones, enseñarnos que el verdadero nacionalismo poco tiene que ver con banderas o himnos, que ningún panfleto ideológico le va a decir a nadie donde están sus recuerdos, sus paisajes, sus olores de infancia, sus costumbres o las palabras que escriben su idioma: esas mesmas palabras que falan os personaxes de Castelao porque xa as falaban antes os seus avós e os avós dos seus avós.

Dibujar es recrear mundos. No sólo imaginarios, sino también pasados. Y también la forma de enseñar a los demás conceptos de investigación muy complejos y novedosos. La ilustración histórica, hoy amenazada por monstruos de IA, es una de las herramientas más poderososas para transportar cómo era la antigüedad a día de hoy. Y abrir una ventana a como eran aquellas tierras lejanas en el tiempo, de hace miles de años, que hoy pisamos en la actualidad.

Este es el objetivo del Museo Nacional de Altamira, y también, desde principios de siglo, de la arqueóloga leonesa Esperanza Martín. El mostrar una serie de imágenes que acerquen a los humanos de la prehistoria a los ojos de los del siglo XXI dentro de su programa colaborativo 'Redibujando Altamira: Más allá del relato único'. Una iniciativa basada en la perspectiva de género en la que superar las viejas concepciones de los hombres cazando y las mujeres en las cuevas, mostrando la vida cotidiana de todos los seres humanos de los grupos del paleolítico. Humanizar más si cabe la Historia.

Quién le iba a decir a Esperanza Martín que su afición de niña, dibujar mundos, iba a darle la oportunidad de que sus ilustraciones se expongan en los mejores museos de España –también tuvo el inmenso honor de ilustrar la exposición 'Alas para la guerra' de los cascos íberos de Aratis en el Museo Arqueológico Nacional (MAN) el año pasado–, y en el encargo de Altamira (una serie de ilustraciones históricas rigurosas para mostrar de forma cercana el paleolítico a los visitantes representando las cuatro estaciones del año) ha comenzado rememorando precisamente la infancia.

La arqueóloga e ilustradora leonesa, especializada en las excavaciones de campamentos romanos en la vía de La Carisa –la línea de ataque romana a los astures en las Guerras Astur-Cántabras de Augusto con posiciones fortificadas a más de 1.500 metros de altura– y con un espectacular descubrimiento antropológico en el yacimiento de Lucus Asturum (Lugo de Llanera, que el Principado de Asturias pretende protegerlo como Bien de Interés Cultural), ha iniciado su colaboración con el Museo de Altamira con una preciosa estampa del invierno, en la que un grupo de niños y adolescentes se divierten viendo nevar falampos [como se llama en asturleonés a los trapos de nieve, los copos más grandes] en la costa Cantábrica entre sonrisas y jugando con ellos. La recreación del invierno paleolítico está ahora mismo expuesta en gran formato en la entrada del museo.

“Con esto quería mostrar las emociones humanas ante un hecho como una nevada, que siempre hace mucha ilusión en los críos, porque en las demás ilustraciones de la antigüedad sale la gente sin que se sepa qué piensan, con expresiones neutras”, explica Esperanza Martín. “Se trata de representar la vida en la antigüedad siempre con perspectiva de género, claro, y mi intención es pues eso, que se vean emociones, pero siempre representando el pasado con el máximo rigor trabajando con dos investigadores de Altamira. Es una visión bastante personal nuestra, mía y de los científicos del museo. Si te fijas la mayoría de las ilustraciones que hay del paleolítico la gente está muy seria siempre, con un halo de seriedad que yo creo que no es lo más correcto, porque el ser humano una de las cosas que lo define es que tiene muchas emociones”.

La cuestión es que la imagen de la nevada impacta, precisamente por eso, porque se ve en primer plano a un niño sonriendo extasiado con los grandes copos de nieve y los demás jugando alrededor. Algo que ocurriría hoy, y que es perfectamente trasladable al pasado de los seres humanos si cualquier persona recuerda la ilusión que hacía levantarse y ver todo nevado. No es presentismo, es ese residuo histórico que se traslada al presente por la misma esencia de las emociones humanas ancestrales.

“Yo entiendo que cuando unos niños ven la nieve se ponen así. No sé los demás, pero yo siempre me alegro un montón porque es una cosa que mola mucho bien. Sirve para jugar, sirve para revolcarse... Entonces, lo que hicimos fue representar un momento puntual en la costa cántabra en en este momento. Y en realidad el aporte cronológico lo ponen, pues eso, los colgantes que llevan los críos y tal”, confiesa la ilustradora refiriéndose al final que el niño protagonista lleva un colgante magdaleniense que se ha encontrado en excavaciones arqueológicas y que se reproduce con exactitud. Aunque no todo es certificado científicamente, pero sí por lógica, que es como se trabaja preferentemente al interpretar una época como la prehistoria (de la que Esperanza Martín reconoce que no es especialista, pero que se ha tenido que informar mucho para realizar este trabajo) en la que no hay fuentes escritas y sólo objetos antiquísimos que hay que interpretar: “Hay unas cuantas cosas que evidentemente me las saco del coleto. Quiero decir, ponerle al crío un abrigo que es mucho más grande y que está roto es porque estoy segura que en la antigüedad pasaba igual que ahora, que tú heredabas la ropa de tus padres y de tus hermanos”.

Y con dientes caídos. “Como es lo que le ocurriría a los niños de seis o siete años en el cambio dental. Aunque en este caso también he pretendido ponerle uno mellado, porque yo entiendo que estos críos y los humanos de la época tenían bastantes problemas con la dentadura”, puntualiza.

Los personajes representados son Homo sapiens, no neandertales. En esencia aunque parezca una familia disfrutando de la nieve, unos niños con una cuidadora mayor, es algo más complicado. Algo que tiene que ver con la perspectiva de género, pero no centrada exclusivamente en las mujeres. La vida en el paleolítico era complicada, de supervivencia, no muy distinta de las personas que vivían en el siglo XIX en zonas tan poco pobladas como la comarca de La Cabrera en León, en la cual todos los miembros de un grupo tenían que hacer de todo para sobrevivir al invierno.

“Bueno, en realidad hay que tener en cuenta que en esta época el constructo ideológico que tenemos ahora mismo de familia no existía –especifica Martín– porque posiblemente al final todos tenían que estar copulando con todos. No existía la monogamia de la que hoy hacemos gala o por lo menos no lo sabemos. Habría que ver estudios paleantropológicos, pero yo entiendo que la monogamia no sería lo común [Nota del autor de este artículo: a día de hoy tampoco es que la gente sea fiel en el matrimonio]. O sea, en todo momento hemos entendido que la monogamia no se daba como tal en aquella época. Entonces, más que hablar de familias, en este caso habría que hablar de grupos, personas que evidentemente, conviven juntas. Y en la escena posiblemente no todos sean hermanos ni muchísimo menos, pero se vivía en grupo, se defendía el grupo. Hay gente que habla de clanes, pero a mí me gusta la me gusta hablar de grupos. Entonces, familia creo que es un término un poquito más actual que nos sirve para componernos una explicación rápida, pero el concepto es mucho más profundo. Se trata de repensar las circunstancias humanas, y es el objetivo de mostrar momentos distintos a lo que en los libros salen del paleolítico, para que la gente pueda reflexionar sobre ello”.

En el fondo lo que se pretende es destacar que no es que seamos los seres humanos actuales, en lo básico, muy distintos emocionalmente a nuestros antepasados –algo que influye en nuestros actos en sociedad– y esto es lo que se quiere divulgar con este programa de género en el Centro de Interpretación de Altamira con el objetivo de que los visitantes piensen de otra manera más extensa y comprender así que se puede estudiar la historia de forma inclusiva de todo tipo de personas y situaciones.

Las técnicas usadas para ilustrar una nevada en la prehistoria

Esperanza Martín no sólo es una dibujante excepcional, sino que también es modelista de piezas arqueológicas e históricas. Tiene una capacidad de comprensión de la naturaleza de los objetos notoria; aparte de una inmensa capacidad de trabajo, siendo directora de varias excavaciones en el Principado de Asturias, especializada en la arqueología de tiempos de los romanos. Concretamente la campamental de los legionarios que conquistaron a los astures siguiendo la Vía Carisa.

Con el tiempo, su afición le sirvió para encargarse también de los dibujos arqueológicos de sus informes, pero poco a poco fue colocando ilustraciones divulgativas en varias exposiciones hasta llegar al Museo Arqueológico Nacional en la temporal de los cascos de Aratis. Sus estampas históricas, de una gran calidad artística y rigurosidad documental, la han convertido en una de las mejores ilustradoras históricas de España. Las de la exposición del MAN lo confirman. En este caso de Altamira, ha utilizado una técnica mixta analógica-digital que ha ido destilando a lo largo de los años. La carrera de un dibujante ha cambiado mucho en el uso de las técnicas, desde los lápices a los rotuladores y las distintas imprimaciones de color, ya que este mundillo de la pintura ha avanzado en este siglo cosa fina. También los programas de ilustración, sobre todo con las Apps de las tabletas. Y todo eso ha confluido en su trabajo artístico.

En el caso de la ilustración del invierno de Altamira, comenzó con un boceto a lápiz, que entinta, escanea y pasa a la tableta. “Empiezo así y luego lo que hago es un lápiz escaneado porque yo ahora para colorear lo hago en digital: dibujo a lápiz, paso a tinta y luego coloreado en digital. Entonces, poco a poco voy añadiendo cosas y luego primero haces acuarela, la pones por delante y luego la digitalizas porque es muchísimo más fácil, pero infinitamente más fácil dibujar en digital por la muy sencilla circunstancia de que se puede corregir, echar para atrás el coloreado si algo no te satisface”, reconoce. Y también que esto fue un proceso de aprendizaje y algo de humildad con lo de la tecnología. “Que yo al principio y me negaba de manera rotunda, pero claro, es que luego no sabes cantidad de tiempo que se ahorra”.

Al final, el uso de la tecnología –también es experta en fotogrametría digital, el escaneo 3D digital de sus yacimientos arqueológicos por pura necesidad al principio para adelantar trabajo con puntos digitales XYZ generados por escáneres láser y, por tanto, en manejo de software de procesamiento de nubes de puntos– hace que estas técnicas confluyan con la ilustración histórica de forma natural. Si bien es cierto que los dibujantes valoran mucho las habilidades analógicas (pintar a mano, vaya), la realidad profesional lleva a considerar que el uso de la tecnología para cierto tipo de trabajos es más que adecuada, hoy imprescindible. La cuestión no es la pureza de la imagen mostrada, sino el resultado a conseguir.

El debate de las mujeres en la prehistoria

No hay que olvidar que el encargo del Museo de Altamira tiene que ver con la visión de género en la Historia. En esto Esperanza Martín trabaja mucho desde casi el principio de su carrera como arqueóloga e ilustradora. Y ha tenido varias críticas por representar, por ejemplo, mujeres cazando o realizando actividades considerados por la historiografía tradicional –completamente copada por hombres hasta no hace mucho– de esencia puramente masculina. No es el concepto total de lo que quiere transmitir en el museo de Cantabria, magnificar sólo a las mujeres “sino también a niños, jóvenes, ancianos... la visión de género es intentar reflejar la igualdad de todos, incluso de los hombres adultos, en la Historia”, opina.

Gracias a la investigación histórica que se ha realizado durante todos estos años la historia ha cambiado bastante, aunque la mayoría del público se ha quedado atrasado en lo que estudió en el colegio y el instituto. La cuestión es que los estudios históricos de los últimos 25 años han permitido reflexionar sobre ciertos descubrimientos que han cambiado esa imagen tradicional del hombre cazando y la mujer en la cueva. En el paleolítico vivían en grupo y como tales tenían que sobrevivir como podían, no necesariamente tenía que haber una estructura de clan muy cerrada, sino que sería el grupo en conjunto el que haría lo que tendría que hacer. Y cada individuo realizaría sus cosas específicas por su capacidad natural personal, pero al final en momentos difíciles todos arrimarían el hombro en todo tipo de actividades. Es un 'Me cambian la Historia' que, por desgracia, mucha gente no acepta aunque las pruebas y la lógica así indique que sería. Que las mujeres no podían cazar en la prehistoria no tiene mucho sentido en circunstancias de supervivencia pura, pero como hasta ahora la prehistoria la habían estudiado hombres preferentemente nunca se había pensado en este tipo de cosas.

“Lo que es la perspectiva de género en este sentido nos puede ayudar a avanzar en el estudio de estos grupos humanos del paleolítico. Porque cuando estamos haciendo ahora investigación, y de hecho hay mucha gente muy buena trabajando en el tema, vemos que lo de la mujer con un papel pasivo y el hombre activo no es así porque no hay más que ver las propias representaciones prehistóricas en la antigüedad. Lo de la ilustración del siglo veinte con la mujer dibujada siempre quedándose en la cueva y demás no cuadra con lo que se está descubriendo, cuando en realidad hay que considerar el papel del grupo femenino como completamente activo”, apunta la arqueóloga leonesa. “No solamente como madres y supervisoras de todo lo que es el grupo humano, porque aparte de las que paren son las que cuidan siempre o casi siempre, y de hecho se las dibujado, representado muchas veces como las controladoras del saber médico y demás, porque hacía falta. Pero lo que no tenía sentido es que se las desplazara de otras actividades productivas del de tipo cazador y recolector, cuando en realidad tiene lógica que realmente al trabajar como un grupo hay algunas actividades que realmente se tenían que estar haciendo en conjunto”.

Esperanza Martín dibuja mujeres cazando porque “resulta que los estudios antropogenéticos y paleoantropológicos que se están llevando a cabo en algunos en algunos yacimientos donde se pueden recuperar restos demuestran que las mujeres son, por ejemplo, enterradas con toda una serie de elementos que nos hace pensar no en matriarcados duros, pero sí en un papel realmente preponderante de la mujer. Avanzando un poco más en el tiempo, pero también en la prehistoria, si miras, pues eso, yacimientos como Panoría y también Cerrillo Blanco, y muchos otros, se encuentra que las que las tumbas dominantes son las de mujeres. Dominantes me refiero porque son las más grandes y ricas”, arguye.

Es tal la cantidad de yacimientos, más allá de los ejemplos que pone la ilustradora leonesa, que “realmente demuestran el tratamiento de la mujer como un individuo de alta importancia que se comprende ahora que estaba muy, muy arriba en la sociedad. O sea, no estamos hablando de la mujer como un elemento secundario dentro de la cadena productiva, sino, como realmente una parte tan importante como los hombres en ella”. Pero la pregunta que todos tenemos para desmontar esta aparente visión woke de la prehistoria es obvia: ¿Quién se encargaba del el cuidado de la familia? Esperanza Martín responde con calma y visión didáctica, nada de wokismo: “Sin ningún tipo de duda en las mujeres. O sea, ahí no me cabe ni la más mínima duda –reconoce–, pero es que hay muchísimas otras actividades que incluso hoy están ligadas ahora mismo a la mujer. Se han hecho estudios, por ejemplo, de las mujeres de El Argar por el desgaste que tienen de las rodillas y de las caderas y demás... y se ve que eran las que estaban encargándose de todo lo que es el producto de consumo (las harinas y demás), por las posturas que tenían que adquirir y demás, aparecen enterradas siempre con ajuares que incluyen también agujas y demás, por lo cual todo lo que es el elemento textil lo están tejiendo ellas... y además hay algunas mujeres que son claramente cazadoras, porque han sido enterradas y descubiertas con toda su impedimenta cazadora, que hasta ahora siempre se había creído propia del sexo masculino. Entonces, no sé, desvirtuar la historia, dándole un papel secundario extrapolándola al momento actual, de ama de casa, no parece correcto. No deja de ser minusvalorar un poco todo ese todo ese trabajo que realizar el sector femenino en la antigüedad, que era mucho y variado”.

Pero las críticas son constantes, aunque van bajando y mucha gente se va dando cuenta de que todos los seres humanos en situaciones de subsistencia se apoyan entre sí sin mirar sexo y condición. Pero hay ejemplos de protestas que tienden a ser completamente absurdos: sólo hay que observar la historia que compartió en Facebook por la ilustración de justo aquí abajo. ¿En qué cabeza cabe que dibujar tres mujeres en un ritual pudiera considerarse sexista? Ella misma lo explica en esta entrada con mejores palabras.

No es cuestión, con los datos arqueológicos en la mano, de decir que lo hacían todo las mujeres. Es cierto que había actividades propias masculinas como la guerra generalmente (aunque en algunas ocasiones se puedan encontrar mujeres guerreras), pero la división del trabajo productivo por sexos no era ni siquiera común hace un siglo en España en la agricultura y la ganadería. Las mujeres y los niños trabajaban en el campo al igual que los hombres, y eso todos lo tenemos presente todavía de nuestros abuelos. La cuestión es que no se debe de interpretar que se restringía la actividad de la mujer con el presentismo de nuestras costumbres contemporáneas y, además, que no se debe perder de vista que el desconocer el cincuenta por ciento del conocimiento humano no es una buena política. El trabajo en la Historia de las Mujeres es fundamental para recuperar el conocimiento, nada menos, que de la mitad de la humanidad y darle el reconocimiento debido a sus avances y descubrimientos.

“De hecho, cuando hablamos de la 'tercera mano' –que son los dientes– si uno se fija en el desgaste interdental que han sufrido gran parte de las mujeres que se encuentran en los yacimientos paleolíticos, eso te indica que estaban cortando el cuero y las cuerdas con los dientes, lo que implica que eran ellas las que estaban haciendo toda esa toda esa cadena productiva”, remacha la arqueóloga.

En todo caso por mucho que la algunos protesten no es nada descabellado que las mujeres cazaran, sobre todo animales pequeños, o llevaran un arco (un arma a distancia) o pequeños cuchillos. Y que de vez en cuando participaran en la caza de animales grandes como grupo de apoyo para dirigir a la presa a un una trampa, llevando armas ligeras para intentar defenderse en caso de que se desbocaran, y que allí los hombres los mataran con lanzas cuerpo a cuerpo.

“Si tú te pones a mirar un pueblo de La Cabrera en el siglo pasado, las mujeres hacen de todo porque es que es necesario porque es supervivencia y aquí el individuo importa. Es que yo no sé por qué razón la mujer la consideramos siempre como ama de casa. ¿Nunca nos imaginamos a una mujer ganadera en el pasado? Pues en la actualidad no hay problema, y tampoco debería ser así pensarlo en la Antigüedad. Al final todos los individuos del grupo tenían que estar realizando todas las actividades. Y de hecho en ese cuando te digo que no sé, imaginamos siempre a las mujeres como médicas y demás, es precisamente porque bueno, al estar al cuidado de la de los de lo que es el grupo humano, evidentemente la lógica te lleva a pensar que es la mujer la que cuida y la que aprende, ¿no? Y sobre todo, la encargada, que nos olvidamos de esto y es hiperimportante, la encargada de la transmisión oral de conocimientos”, continúa argumentando la arqueóloga.

De hecho, lo que más le satisface de su visión de que “todos hacían de todo” y de que “las mujeres también” es, se congratula, “de poder trabajar y ver cómo las niñas se dan cuenta de que pueden hacer lo mismo que los niños, que antes que ellas hay otras chicas que lo han hecho y, claro, si ellas pudieron, por qué no ellas. Pero no sólo eso, que es muy importante para que cojan confianza de que pueden proponerse lo que sea, sino también que los niños lo vean igual, que no piensen que ellas no pueden, que lo vean natural”. “Es que ese es el verdadero camino para la igualdad, que todos respeten a todos el deseo de hacer lo que quieran en la vida, sin que nadie les diga qué pueden o no por ser de un lugar o de un sexo determinado”, esgrime la arqueóloga e ilustradora.

“O sea, tú piensas ahora mismo en el paleolítico. ¿A que te imaginas a un montón de cazadores cazando un mamut, por ejemplo? Porque el rollo es que no se ha representado ninguna otra actividad de manera prioritaria. Y siempre dicen, pues eso, 'un montón de cazadores transportando un ciervo que acaban de cazar o cazando un mamut o peleando contra el lobo y tal'. Y como mucho en segundo plano dibujas a una mujer en la cueva cuidando de los niños. Eso suponiendo que aparezca la mujer. Entonces, muchas veces el centrar el protagonismo de una imagen en determinadas figuras, lo que hace es trastocar de una manera bastante notable la percepción que los que hemos investigado en yacimientos tenemos de la de la de la realidad y de la Antigüedad. Entonces, si yo te hablo hablo de Roma, si tú le pides a un niño que te dibuje Roma, posiblemente te dibuje el circo romano con las cuadrigas y los gladiadores. Y van a ser siempre señores, evidentemente. Si tú a un niño le pides que te dibuje un astronauta, va a dibujar un señor que sea astronauta. Si tú le pides a un niño que dibuje un medieval, te va a dibujar a un cruzado medieval. Bajo ninguna circunstancia te va a dibujar una mujer”, pormenoriza la ilustradora sobre este asunto. “Bueno, igual en España ahora mismo sí dibujan una astronauta”, reconoce sonriendo tras darse cuenta de que su paisana leonesa Sara García Alonso es la más conocida en el país por sus charlas científicas motivadoras debido a que el otro paisano que irá al Espacio, Pablo Álvarez, está en entrenamiento.

¿Esto quiere decir que se le tenga que echar la culpa a los hombres de esta visión masculina del pasado? No pretende Esperanza Martín acusarles de ello. Es de entender que centrados en su trabajo y viviendo en tiempos pasados más machistas no pensaran en las mujeres, porque al desconocer sus circunstancias y sus capacidades los hombres tienden a no pensar en lo que realmente no conocen. “Eso sí, todo lo que se va descubriendo debe de hacer reflexionar a los señores que hay otras formas de vivir la vida y de realizar actividades y que también estamos las mujeres, y que sabemos hacer de todo”, reivindica.

Más allá de polémicas vanas –“En realidad quienes protestan por una ilustración de una mujer prehistórica cazando son pocos, muy gritones, pero sólo en las redes porque en los museos la gente se maravilla porque les hace pensar”, puntualiza–, Esperanza Martín pretende contar la Historia de forma visual como algo que es común a todos los seres humanos, incluso de la actualidad. Mostrar las emociones humanas para explicar al hombre de la Era Digital que sus antepasados vivían las cuestiones cotidianas como él.

— ¿Tú ves en lo que he dibujado una imagen del paleolítico? Yo veo unos niños pasándoselo en grande viendo nevar. Nada distinto de lo que sería hoy. En el fondo somos los mismos pero con móviles y electricidad, pero nuestra esencia a la hora de sentir emociones y vivir esos momentos de la vida es igual en todos los seres humanos. Los de hoy y los del pasado.

El Ministerio de Cultura trabaja para que a partir de 2026 las obras escritas en llionés puedan ser galardonadas en las distintas convocatorias de los premios nacionales del ámbito de la literatura.

Así lo ha anunciado este martes el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, durante su comparecencia en la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados. Medida que también acoge a las obras escritas en asturiano y aragonés.

La medida responde al compromiso del Ministerio de Cultura con la protección y promoción de la diversidad lingüística del Estado en cualquier espacio de creación, producción y exhibición cultural.

Las obras con reconocimiento estatutario, como es el leonés, se incluyen desde 2024 en las ayudas a la creación literaria que convoca cada año la Dirección General del Libro.

Desde entonces, esta medida de promoción de las lenguas estatutarias se ha ido extendiendo a otras líneas de ayudas similares de la Dirección General del Libro, el Cómic y la Lectura, como son: la traducción a lenguas extranjeras, edición de libros, edición de revistas culturales, proyectos de animación lectora en municipios de menos de 50.000 habitantes y promoción de la lectura, entre otras.

También la cartelería del Día del Libro y del Día del Cómic se hace en todas las lenguas del Estado, oficiales y estatutarias, y se fomenta la presencia de obras y autores en todas las lenguas en los programas de ferias del libro internacionales en los que España participa, ha destacado el Ministerio de Cultura.

La pluralidad lingüística es, asimismo, uno de los ejes claves del Plan de Derechos Culturales elaborado por el Ministerio de Cultura, una hoja de ruta que redefine las políticas culturales desde una perspectiva de derechos humanos y que incluye más de 140 medidas.

Entre ellas está la “promoción de la actividad cultural en lenguas estatutarias y oficiales diferentes del castellano, así como la protección a las entidades que las promueven frente a intentos de censura o exclusión”.

Urtasun ha subrayado los avances en la difusión de lenguas cooficiales y con reconocimiento estatuario en las actividades de su Ministerio, y ha señalado que la inclusión de estas lenguas en los Premios Nacionales era “una demanda histórica que ahora se ve con justicia reconocida”.

El 18 de abril de 1857 se publica en Francia la primera edición del Livre des Esprits, de Allan Kardec (pseudónimo del pedagogo y escritor Hippolyte-León Denizard Rivail), considerado el sistematizador de la doctrina espiritista, y ahora gracias a nuestros estudiosos de la Teoría de la literatura gótica sabemos que fue un libro que ejerció notable influencia en España, y que hasta influyó a genios literarios de nuestras letras como Gustavo Adolfo Bécquer (que conoció la doctrina espiritista en Sevilla gracias a su amigo José Miguel Carretero), pero nada sabíamos de la sombra literaria que dejó en las escritoras de nuestra tradición.

He aquí un libro que huele a otoño turbio; uno con hojas secas, velas trizadas, médiums, posesione, venganzas y voces que se arrastran por los pasillos del siglo XIX. 

Entrar en este libro oscuro como un caserón gótico es como colarse en un salón de espejos donde el pasado se dobla y se estremece. De hecho Editorial Deméter, uno de esos sellos-joya que los amantes de los libros bellos no nos podemos perder, nos ofrece en Espiritistas una antología breve –tan breve como un susurro en la noche– de cuatro cuentos firmados por tres escritoras españolas del XIX, todas ellas vinculadas al incipiente y aún desconocido movimiento espiritista que revoloteaba por Europa y sus cuartos de atrás. 

Con una cuidada edición ilustrada por Laura Montes, y en la cual antes de cada relato ofrece una biografía de la autora, el volumen no sólo rescata unas voces femeninas que el tiempo quiso silenciar, sino que exhuma el eco de una época que se interesó por 'lo otro': lo espiritual, lo intangible: lo que trasciende la línea que separa el morir del seguir siendo. 

Las autoras (Amalia Domingo Soler, Carmen de Burgos y Ángeles Vicente) no eran ángeles perfectamente inmóviles: eran mujeres que se levantaban, escribían, pensaban, escuchaban voces de más allá, creían o, cuando menos, se preguntaban por lo que había al otro lado. Y por eso en cada relato de este libro, en cada línea, hay un pulso: el de la duda, el de la trascendencia, el de la vida que insiste aún después de apagar su vela. Una vela que arde en la penumbra y deja ver su humo (aquí el humo es la idea esotérica de que quizá somos más de lo que somos; que quizá hay una habitación al otro lado del espejo). 

Una gran edición

Pero lo que hace grande esta edición no es sólo que rescate un objeto literario poco visible (las narraciones femeninas espiritistas del XIX), sino que lo haga con delicadeza, sin trucos, sin alardes inútiles. De hecho hemos de decir sin ambages que Editorial Deméter cumple a lo grande su pacto con el lector: obra cuidada, ilustración coherente, contenido con hondura. 

No obstante, quizá para un lector contemporáneo habituado a ritmos rápidos, la densidad, el eco de voces antiguas y el tono medio críptico del espiritismo pueden costar, pero el esfuerzo merece mucho la pena. Hay que dejarse envolver, dejar que el silencio se deshaga en las páginas, y que la penumbra haga su parte. En ese dejarse, el libro responderá con creces.

Pero hemos de decir que especialmente es un libro para el lector que ama lo gótico sin cálculo ni frivolidades, el que siente placer en lo tenue, en lo que permanece y no se ve… Un libro bello y distinto para quien reconoce que la literatura es también un territorio de fantasmas y de rescates en el que da gusto encontrarse con voces de mujeres que miraban al abismo con inusitada audacia.

Espiritistas es pues un acto de memoria (hay gente maravillosamente rara en este mundo; por ejemplo la gente que como la estudiosa Miriam López Santos o como Montse Ruiz que se dedican a rastrear las huellas del pasado literario gótico de España). Y en tal cometido, Editorial Deméter ha conseguido que estas tres autoras que nos presenta vuelvan a susurrarnos al oído. De hecho este volumen, pequeño en tamaño pero vasto en sus sombras, deja su marca: la de que lo olvidado puede volver, vestido de luz trémula.

Lector: préstale el oído a este libro en una noche de lluvia, y escucha lo que en él se dice y sobre todo lo que no se dice: verás que, entre los suspiros, hay algo que sigue latiendo.

Las últimas demostraciones dialécticas de la política española dan para pensar con algo más que el poder de la imaginación que el foro de las señorías del parlamento se ha trasladado de su sede institucional en Las Cortes, a la casa caótica y surrealista de 13 Rue del Percebe, la historieta de tebeo que dibujó con el genio creativo de una coalición entre la astracanada y el punzón el gran Francisco Ibáñez, creador de un sinfín de personajes como Mortadelo y Filemón, Pepe Gotera y Otilio, Sacarino y Rompetechos.

La España del tebeo combinó la supervivencia con la sátira como salvavidas. A este país le ha salvado nuestro particular sentido del humor. El escozor de una dictadura encontraba siempre el alivio con el chiste ingenioso que seguía a una decisión de las alturas o a un tambaleo de la oligarquía en el poder. El sarcasmo era el idioma clandestino de un pueblo sin cauces de representación.

El debate político se acogió con frecuencia al ingenio, a una contestación imbatible en lo humorístico o irónico, que desarmaba al adversario y que dejaba en la audiencia el grato sabor de la inteligencia improvisada a velocidad centelleante. Célebre es la reacción del procurador de las Cortes franquistas Adolfo Muñoz Alonso en su defensa de la conservación del latín en los planes de estudio de la edad escolar, que había suprimido el entonces ministro de Educación José Solís Ruiz. Solís preguntó al profesor: ¿Para qué sirve una lengua muerta como el latín? A Muñoz Alonso pareció salirle del alma la respuesta: “Por de pronto, señor ministro, para que a su señoría, que ha nacido en Cabra (Córdoba) le llamen egabrense y no otra cosa”.

La política de la corrección ha obligado a dimitir del humor y del gracejo, un florete que, bien manejado, deja el rasguño de la herida en el bocazas y la sonrisa en la audiencia. Ese miedo cerval a la ofensa herética de la agudeza ha sido reemplazado por el argumento dominante de la bronca y la acritud que hacen insoportable y mentirosa la necesaria controversia política. Dos lugares comunes hoy: el progresismo, como revelación divina y la matraca de las dimisiones y corrupciones, se han constituido en los ejes de un insoportable parlamentarismo.

Debatir en la metáfora cachonda de 13 Rue del Percebe devolvería el interés ciudadano por la credibilidad de las instituciones y poderes. Si el legislativo que es el que emana directamente de las urnas ofrece los espectáculos que ofrece, ¿qué se puede esperar de los acompañamientos del ejecutivo (Gobierno-Oposición) y judicial? Añádase el poder civil del de la prensa, que arrastra lo suyo emponzoñada de espectáculo y grosera militancia.

La casa de las metáforas          

Cada una de las viñetas de 13 Rue del Percebe es una habitación, la solución de habitabilidad extrema a que ha llevado la hiriente especulación inmobiliaria de este país en cualquier capital de provincia y, hasta ahora, en el incomprensible olvido de la dirigencia. Para empezar, una estructura narrativa plena de actualidad y de apremiante necesidad ciudadana.

El inmueble del tebeo es una edificación de tres plantas con bajos y buhardilla. De abajo a arriba, una portería donde la vigilanta, trasunto de la ciudadanía a pie de calle, observa con los ojos de la inteligencia natural. A su lado, un colmado gestionado por un tendero pícaro que no deja puntada sin hilo a la sisa en su beneficio. Aquí, legítimo sondear la alegoría de la corrupción. 

En la primera planta cohabitan un veterinario que no cesa en cambiar gato por liebre, la esencia misma de la política, y una patrona de pensión a la que el espacio vital de los huéspedes le importa una higa. ¿Les resulta familiar?

Más arriba ocupa espacio la anciana, amante empachosa de los animales, que bien se corresponde con el trueque de bondad por buenismo. De esto, hay por arrobas, en connivencia con la estupidez. Justo al lado, un aprendiz de Frankenstein experimenta con animales en buen remedo de la brutalidad cuando sirve de adjetivo a la política.

La tercera planta es ocupada por un caco con síntomas de cleptomanía, especie si no abundante, sí existente, en los predios del poder. Pared con pared, la sufrida madre de una prole de diablos en formato de quintillizos incontrolables, que es fácil identificar con la gente traviesa que necesita del retruécano en la oratoria.

En lo alto, en la buhardilla, lo más mollar. El arrendatario, por decir algo, un bohemio moroso acuciado por los acreedores. No ceja en los ejercicios de supervivencia con recomendaciones a sus ingenuos reclamantes, que no hay ocasión que redunden en su provecho. Este personaje es el alter ego de Vázquez, otro maravilloso historietista de los tebeos, padre de Anacleto, agente secreto, al que Ibáñez homenajea con su pizca de crueldad. Realidad frente a metáfora, a esta última se puede adjudicar el papel del presidente del Gobierno, astucia hecha carne en escapar indemne de los acechos continuos y reiterativos en motivaciones de la oposición, fielmente reflejada en la cohorte de acreedores, dispuestos a lo que sea, hasta el ridículo, con tal de cobrar la pieza.

Cuanta similitud entre el Parlamento español y esta casa de locos de 13 Rue del Percebe. Uno y otra escenifican esta especie de auto sacramental laico en clave de astracanada, en que se ha convertido el ejercicio de la política española. Convendrán conmigo que a la hora de elegir, mucho mejor la imaginativa tronchante del padre de Mortadelo, que la hiriente de un parlamento adueñado de ese término que los andaluces llaman, con tino en su significante, malaje.

“En la mina se muere. Es parte del trabajo. ¡Y yo lo acepto! En la mina se muere, Pompilio…, pero no se mata”, dice Apolonio en la novela gráfica La balada del norte. “Todo ese mundo es muy extremo”, cuenta por teléfono el autor del cómic, el historietista asturiano Alfonso Zapico. Los mineros pasaron en octubre de 1934 de los tajos a las barricadas. La obra de Zapico, una iniciativa colosal sustanciada en cuatro tomos y casi mil páginas, salta ahora a las tablas de la mano del director teatral berciano Luis Alija en una función no menos ambiciosa: de dos horas de duración, un centenar de personajes y música en directo que se estrena este viernes y sábado en el Teatro Bergidum de Ponferrada. El objetivo es también mayúsculo: contar a los espectadores la última gran revolución obrera de Europa.

“¡Siempre contando batallitas! ¡La mitad de la vida en la mina y la otra mitad hablando de ella!”, exclama en la novela gráfica Tristán Valdivia, periodista sin periódico y editor sin éxito, hijo del marqués de Montecorvo, a su vez propietario de la Compañía Minera del Noroeste. Alfonso Zapico nació y se crio en Blimea, parroquia del concejo asturiano de San Martín del Rey Aurelio, en la cuenca minera del Nalón. El carbón estaba omnipresente. Pero el ilustrador tuvo que marchar a Francia hasta instalarse en Angulema, ciudad considerada como la capital del cómic, para reparar en la dimensión épica del sector. Comenzó a trabajar en La balada del norte en 2013, todavía con la resaca de las movilizaciones contra el Gobierno de Mariano Rajoy que fueron algo así como su “canto del cisne”. Y se lanzó a la aventura con el espaldarazo del Premio Nacional del Cómic, recibido en 2012 por Dublinés, sobre la figura de James Joyce.

Luis Alija, criado en Ponferrada con su Montaña de Carbón en el horizonte, dio por casualidad con La balada del norte. O quizá no fuera tan casual. Alija preparaba La parábola del carbón, la obra fruto de la colaboración entre La Térmica Cultural y su compañía Saltantes Teatro para contar las repercusiones de la creación en los años cuarenta del siglo pasado de la primera central térmica de la historia de Endesa, cuando el historiador berciano Alejandro Martínez le habló de la obra de Zapico. “Me interesé, la leí y me gustó”, cuenta el director, que ha articulado la obra en torno a cuatro personajes: el minero Apolonio, el marqués de Montecorvo, Tristán Valdivia e Isolina, estos dos últimos protagonistas de un amor teóricamente imposible entre el hijo del cacique y la hija del líder obrero.

Son también las coordenadas sobre las que pivota el cómic, ambientado en ese pueblo de Montecorvo que podría ser cualquiera de las cuencas asturianas. Con la mina como telón de fondo, la obra se adentra en la Revolución del 34, la insurrección obrera desatada tras la entrada de tres ministros de la CEDA (Confederación Española de Derechas Autónomas) en el Gobierno de la República en pleno auge de los fascismos en Europa. Alfonso Zapico había pensado en zanjar el cómic con un solo libro hasta que se vio desbordado por la necesidad de invertir las primeras páginas en desgranar un contexto histórico que luego es el aderezo del relato. “Y al final utilicé este hecho histórico para retratar a personas anónimos. Creo que es así como mejor se cuenta la historia”, expone el autor.

“Lo que me interesa es la vertiente humana, incluso costumbrista, para acercarnos a la historia a través de personas de a pie”, coincide Luis Alija, que ha montado la obra con la supervisión y la complicidad de Zapico hasta dedicar media hora al primer tomo, otra media al segundo y una hora al tercero y el cuarto para redondear dos horas de función. La adaptación teatral pondrá el contexto a través de los periódicos (un recurso también utilizado en el cómic). Ocho actores se desdoblarán para hacer un centenar de personajes (la mayoría producto de la ficción y algunos históricos) en una representación de gran formato de algún modo heredera de aquella en la que relataba el impacto en Ponferrada de la instalación de Compostilla I, la central que supuso el nacimiento de Endesa hoy convertida en La Térmica Cultural. “De no haber hecho antes La parábola del carbón quizá no nos habríamos atrevido a hacer La balada del norte”, confiesa.

Alija repite la fórmula de trasladar episodios históricos al escenario. “Me parece esencial que haya obras de ficción dedicadas a tratar estas cuestiones. Los historiadores a veces hacemos análisis muy concienzudos. Pero al final es importante que pasen por el filtro de artículos en medios de comunicación, películas u obras de teatro, que utilizan códigos mucho más accesibles para el público”, resalta Alejandro Martínez, satisfecho de la “feliz coincidencia” de que su alusión al cómic haya derivado en su versión teatral. Zapico ya había vivido su propia casualidad cuando en una firma de libros el periodista y escritor berciano Carlos Fidalgo le contó cómo en Bembibre los mineros indultaron en su asalto al Sagrado Corazón de Jesús por el color bermellón de su manto. “Cristo rojo, a ti te respetamos por ser de los nuestros”, dejaron a modo de leyenda, recogida entonces en la portada de la popular revista Estampa e incorporada a la novela gráfica. “Es una historia increíble, casi de realismo mágico, y por eso la incluí”, señala el autor.

El problema del carbón es que cuesta mucho sacarlo de las cuencas mineras. Cuesta llevar obras periféricas a otros puntos de España

Luis Alija — Director de la obra de teatro ‘La balada del norte’

Son varios los analistas que equiparan el cómic a uno de los episodios nacionales a través de los cuales Benito Pérez Galdós narró la historia del siglo XX en España. La memoria del carbón también se fue activando precisamente durante los últimos años de vigencia del sector, que en la provincia de León cerró en 2018 con el fin de las ayudas a la producción, hasta suscitar una eclosión de novelas, dramaturgia y cinematografía alusiva. Con la experiencia previa de la obra con La Térmica Cultural, Luis Alija reconoce un hándicap. “El problema del carbón es que cuesta mucho sacarlo de las cuencas mineras. Cuesta llevar obras periféricas a otros puntos de España”, apunta para, a renglón seguido, hacer una excepción con la escritora leonesa Noemí Sabugal y su ensayo Hijos del carbón. Alfonso Zapico cree, sin embargo, que la minería tiene componentes teóricamente ideales para cualquier cartelera: “Su eco suena a lucha, rebeldía, historia, muerte, vida, lucha de clases. Son cuestiones universales con las que la gente puede conectar”.

Zapico, que prepara ahora otra novela gráfica con reminiscencias mineras sobre el exilio republicano en Francia, cuenta una historia de hace 90 años poco ficcionada hasta la fecha, pero que ha sobrevivido al paso del tiempo en las cuencas. Alejandro Martínez citas cómo mineros de las movilizaciones de 2010 y 2012 vestían camisetas que tenían como icono el de un dinamitero de la Revolución del 34. Y subraya la importancia de este tipo de obras en el contexto actual, en el que “crece un revisionismo histórico que, con poco criterio pero mucho altavoz, sitúa este episodio como preludio de la Guerra Civil”. El periodista y escritor Enric González hace, en el prólogo al primer tomo, otro paralelismo: “Asturias fue el principio y también el final, porque con las huelgas de 1962 concluyó la vigencia práctica del franquismo bélico. Hasta 1962, la dictadura basó su legitimidad en la victoria de 1939. A partir de entonces, de las huelgas asturianas y de la reunión que el régimen llamó Contubernio de Múnich, la dictadura cambió de paso y desde 1964 se autoproclamó fuerza estabilizadora con el lema 25 años de paz”.

La cuestión es cómo adaptar ese material a la ficción. “Yo me muevo en dos dimensiones”, apunta Zapico para alabar el reto que supone la adaptación teatral: “Me sigue pareciendo muy atrevido y muy valiente”. Alija tira de escenografía y la música en directo de David Varela. “Hemos puesto toda la carne en el asador”, indica para sostener que el de la novela gráfica le ha resultado “un lenguaje superadaptable” al teatro, ahora ya a la espera de comprobar la reacción del público, primero en el Bergidum de Ponferrada y en próximas fechas en escenarios asturianos como el Teatro Jovellanos de Gijón.

El creador de La balada del norte, sobrino de un minero de aquellas últimas movilizaciones de 2012, se vio entonces casi conminado a escribir y dibujar con la tinta de su propio ADN. “Era el momento de contar esa historia”, evoca. Ahora asiste a su adaptación teatral desde la distancia con la esperanza de que la representación “toque la fibra sensible de la gente”. Consciente de que la obra retrata un universo singular, la aderezó con toques cómicos que, esta vez, no fueron fruto de la casualidad. Por las cuencas mineras han pasado momentos de auge y de crisis, revueltas, huelgas, accidentes mortales, reconversiones y cierres. “Y lo que siempre ha resistido es el sentido del humor”, cuenta para ponerle una sonrisa final a esta obra monumental sobre la última gran revolución obrera de la historia de Europa.

El dramaturgo berciano Luis Alija estrena en el Teatro Bergidum de Ponferrada la adaptación escénica realizada con su compañía Saltantes Teatro de La balada del norte, novela gráfica sobre la Revolución del 34 del historietista e ilustrador asturiano Alfonso Zapico, Premio Nacional de Cómic. La obra se representará en un doble pase, el viernes 17 y el sábado 18 de octubre, a las 20.30 horas. Las localidades, al precio de 10 euros, están a la venta y una de las funciones forma parte de la programación de la Red de Teatros de Castilla y León.

La trama se enmarca en lo sucedido en la cuenca minera asturiana durante la Revolución del 34. A través de cuatro volúmenes hasta sumar más de mil páginas, la novela gráfica La balada del norte narra el viaje de Tristán Valdivia, un periodista desencantado que regresa a su Asturias natal, donde se entrelazan los destinos de obreros y aristócratas, de rebeldes y resignados. Son tiempos difíciles para el país, inmerso en las tensiones de la Segunda República. Valdivia se encuentra en Asturias con su padre, el marqués de Montecorvo, un viejo aristócrata que debe mantenerse a la cabeza de su feudo particular: la Compañía Minera del Noroeste.

De la negrura de los valles mineros de Asturias surgen personajes luminosos y bajo el ruido atronador de las minas de carbón se escucha el susurro de una canción antigua. Los viejos y nuevos tiempos chocan brutalmente poniendo a prueba al protagonista, pronto a la humanidad entera. Una huelga general revolucionaria, la dinamita de los mineros, el fracaso de la Revolución, la represión franquista… La obra retrata con precisión los dilemas del alma en tiempos de guerra, un relato de la lucha de clases, el amor, la pérdida y la memoria.

La adaptación de Alija se enfrenta a la complejidad de trabajar con más de cien personajes que tendrán que ser representados por un reparto integrado por Carlos Dávila, Enrique Dueñas, Carmen Gloria García, Ernesto González, Carla Loga, Alberto Rodríguez, David Varela y Nerea Vázquez. El autor de la versión afirma que “la propuesta escénica tendrá un ritmo rápido en el que los intérpretes cambiarán de un personaje a otro valiéndose de vestuario, atrezzo y escenografía”. Además, todo el espacio sonoro, ya sean canciones o sonidos, serán generados por los intérpretes y por la música en directo de David Varela.

Luis Alija dirige este espectáculo y adapta la novela gráfica homónima. Tras el estreno en Ponferrada, la producción ya cuenta con fechas programadas en varios teatros asturianos.

Saltantes Teatro nace en 2013 de la mano de Luis Alija y Nerea Vázquez. Con más de diez años de trayectoria, en su cartelera se encuentra una amplia variedad de estilos y temáticas: teatro familiar, cuentacuentos, teatro juvenil, musical, terror psicológico, histórico. Misery (Premio Oh! 2023 a Mejor Producción), El Gorrumbu (Premiu Nel Amaro 2023), El Chigre Menguante (Premio Oh! 2024 a Mejor Escenografía y Mejor Autoría) o La parábola del carbón (coproducido por La Térmica Cultural de Ponferrada) son sus últimos proyectos.

Viernes 17 y sábado 18 de octubre. 20.30 horas

Teatro Bergidum de Ponferrada. Calle Ancha, 15

Entradas: 10 euros

El Servicio de Publicaciones de la Universidad de León fue reconocido en julio en la 28.ª edición de los Premios Nacionales de Edición Universitaria, organizados por la Unión de Editoriales Universitarias Españolas, con dos galardones por las obras La geometría de los cuentos. Infografías literarias, de Isabel González, y La patografía en España. Visiones y relatos de la salud en el cómic, de Inés González Cabeza. Ambos han contado con el diseño y la maquetación de Alberto R. Torices.

“Considerados los galardones más prestigiosos en el ámbito de la edición universitaria en España, tienen como objetivo reconocer la calidad, originalidad, rigor e innovación de las publicaciones editadas por universidades y centros de investigación. Un jurado independiente, compuesto por especialistas de diferentes áreas de la cultura, la comunicación y la investigación, ha sido el encargado de evaluar las obras presentadas cada año”, explican desde el Gabinete de Comunicación de la Universidad de León.

Filosofía de la Infografía

En la categoría de ‘Mejor obra editada’ fue galardonado el libro titulado La geometría de los cuentos. Infografías literarias, de Isabel González, que propone una aproximación innovadora a la narrativa breve a través del uso de infografías literarias.

A partir de un trabajo de análisis y diseño, la autora traduce la estructura interna de diferentes relatos en composiciones visuales que permiten leer los cuentos de otra forma, aportando nuevas perspectivas sobre su construcción. Las infografías de Isabel González tratan de explicar por qué determinadas narraciones nos fascinan, y lo hacen mediante formas, curvaturas, distancias, longitudes. En esta entrevista a Isabel González se explica a los lectores de ILEÓN cómo este excepcional trabajo es una verdadera 'filosofía de la infografía'.

Relatos de la salud en el cómic

En la categoría de ‘Mejor monografía en Ciencias de la Salud’, fue premiada la obra titulada La patografía en España. Visiones y relatos de la salud en el cómic, de Inés González Cabeza, un trabajo que analiza la representación de la salud, la enfermedad y los procesos médicos en la narrativa gráfica contemporánea en España.

A través de un enfoque interdisciplinar, la autora estudia cómo el cómic se ha convertido en un recurso de reflexión y comunicación sobre la experiencia de la enfermedad, examinando obras de autores y autoras que han abordado la patografía desde una perspectiva personal y colectiva.

Tomando como referencia un corpus de 60 patografías publicadas actualmente en España, además de las recientes teorías respecto al fenómeno de la metáfora visual en este tipo de cómics, se propone un análisis exhaustivo de Enorme suciedad de Maite Mutuberria y Que no, que no me muero de Javi de Castro y María Hernández Martí, dos obras españolas cuyos autores se valen de una variedad de recursos estéticos de naturaleza autoral apenas estudiados hasta la fecha con el fin de representar lo más íntimo e invisible de la salud humana.

El Departamento de Arte y Exposiciones del Instituto Leonés de Cultura, en colaboración con el Ayuntamiento de Cabrillanes, ha producido la exposición ‘Ilustración leonesa’, un gran escaparate para el dibujo, el grabado, el cartelismo, el cómic y el diseño gráfico de gran cantidad y variedad de creadores naturales o vinculados a alguna de nuestras comarcas. La inauguración tendrá lugar este viernes, 22 de agosto, a las 18.30 horas en la antigua sede del ayuntamiento de Cabrillanes, con presencia del alcalde del municipio babiano y diputado de Cultura, Emilio Manuel Martínez Morán, y del director de Arte del ILC, Luis García Martínez.

El objetivo de la propuesta no es otro que el de poner en valor y difundir una parte de los fondos de la importante colección de arte contemporáneo que atesora el organismo autónomo de la Diputación provincial, en este caso centrados en ese espacio de creación, amplio y complejo, relacionado con la ilustración, el dibujo, el diseño y el viñetismo; colección que se ha venido ampliando y enriqueciendo de forma significativa en los últimos años y que nutre numerosas exposiciones en diferentes puntos de la tierra leonesa.

“En esta ocasión nos hemos propuesto aproximarnos a la ilustración desde una perspectiva general, tomando como punto de partida parte de los fondos de la colección de arte actual del ILC”, explica Luis García. “Se trata de 45 obras de diferentes tendencias creativas y técnicas que van desde el dibujo a la acuarela o el rotulador pasando por la obra gráfica o el diseño por ordenador y transferencia digital sobre papel, dibond o vinilo. Las piezas que integran la muestra pertenecen 42 artistas, leoneses o en todo caso muy unidos a este territorio (Eduardo Arroyo, Félix de Cárdenas): en concreto, Alejandro Huerga, Alejandro Terán, Amancio González, Bruno Santín, Castorina, Doctor Hoffman, Enrique Lorenzana, Fernando Ampudia, Graziela Fernández, Javi de Castro, Javier Cardo, Javier Zabala, Jonathan Notario, José Antonio Díez Díez (Antón Díez), José Luis González Macías, Juan Carlos Mestre, Karlos Viuda, Katia Prada ‘Abrelatas’, Laura G. Bécares, Lolo, Luis Sáenz de la Calzada, Manolo Jular, Manolo Sierra, Martín, Mik Baro, Un Mundo Feliz (Sonia Díaz y Gabriel Martínez), Nino Cabero, Noe Bermejo, Óscar Rubio, Pablo González Llamazares, Pablo Pino, Patricia Gutiérrez, Raquel Ordóñez Lanza, Reme Remedios, Salvador Armesto, Silvia Prada, Tino Gatagán, Toño Benavides y Velasco.

“La significación e importancia que este territorio creativo alcanza en nuestra tierra, tanto a nivel nacional como internacional, es muy alta”, añadió Luis García Martínez. “Basta con citar a Eduardo Arroyo (leonés de querencia y de vinculación familiar en Robles de Laciana, donde descansa), uno de los ilustradores más reconocidos junto a Toño Benavides, quien cuenta con veinticuatro Awards of Excellence y la Special Jury Recognition de la Society of Newspaper Desing (SND) y con seis medallas de plata, una de oro y un reconocimiento especial del jurado por trabajos publicados en El Mundo; y a Miguel Ángel Martín, con premios tan destacados como el de Autor Revelación del Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 1993, el Yellow Kid al mejor autor extranjero, en Roma en 1999, o el Gran Premio Attilio Micheluzzi en el Comicón de Nápoles en 2007, entre otros muchos”.

Pero también Silvia Prada es uno de los jóvenes valores de mayor proyección internacional desde Nueva York, donde vive y trabaja. Su obra ha aparecido en publicaciones como The Face, Dazed & Confused, BlackBook o VMagazine, ha participado en ferias, museos y galerías internacionales como el MoCA de Shanghái, Colette de París, el MUSAC de León o Deitch Projects de Nueva York; mientras que Bruno Santín, creador berciano que reside entre Texas y Ponferrada, ha publicado en magazines de Estados Unidos, Canadá, Chile o Londres, destacando su portada para el 25 aniversario de Sanghái Magazine; su obra, además, ha aparecido en la señera publicación The Illustrator 100 Best from around the World, del sello Taschen.

Doctor Hoffman, por su parte, ha participado en infinidad de muestras por todo el mundo, desde Londres a Barcelona pasando por Tokio o México, mientras que Javier Zabala atesora algunos de los grandes reconocimientos nacionales y europeos, y fue premio Nacional de Ilustración en el año 2005. Pero la exposición también cuenta con autores de la talla del berciano Tino Gatagán, de enorme prestigio español e internacional; de Manolo Jular, viñetista e ilustrador clave para esta tierra -baste recordar su aportación al humor gráfico vinculado al sindicato Comisiones Obreras-; y de Luis Sáenz de la Calzada, personalidad fundamental de la Institución Libre de Enseñanza y de la compañía La Barraca, de Federico García Lorca.

‘Ilustración leonesa’ cuenta, además, con Alejandro Terán, premio El Ojo Crítico de cómic 2024 por Cosmo en el espaci’; Un Mundo Feliz (Sonia Díez y Gabriel Martínez), colectivo de amplia trayectoria y reconocido prestigio; José Antonio Díez Díez, polifacético creador e ilustrador de la revista Claraboya; Nino Cabero, uno de los diseñadores más interesantes del panorama actual; Lolo, viñetista de enorme proyección y trayectoria en León; Félix de Cárdenas, grabador extraordinario que ilustró con estampas de aguatinta y aguafuerte las imágenes del libro León, traza y memoria, editado por Antonio Machón con textos de Antonio Gamoneda, Luis Mateo y José María Merino… y así una larga lista hasta completar el número total de participantes.

Los ilustradores leoneses más destacados

Una exposición que lleva hasta el corazón de Babia la obra de algunos de nuestros creadores más destacados, mostrando un conjunto amplio de enfoques estéticos, desde la vertiente más expresionista, tensa y dramática de Toño Benavides y Manolo Jular a la crítica más ácida y radical con componentes políticos, sociales, económicos y feministas como es el caso de Un Mundo Feliz, Manolo Sierra, Nino Cabero o José Luis González Macías; la inmersión en el mundo literario, característica de Eduardo Arroyo, Pablo Pino, Laura G. Bécares, Raquel Ordóñez Lanza, Javi de Castro, Alejandra Huerga, Alejandro Terán, Óscar Rubio, El Abrelatas y Patricia Gutiérrez; la vertiente más alegre, lúdica y divertida de Fernando Ampudia, Graziela Fernández y Jonathan Notario; el enfoque de los planteamiento irreverentes de Salvador Armesto.

Sin olvidar la evocación mágica de lo erótico en Karlos Viuda; el sentido escenográfico vinculado al surrealismo de Magritte y de Dalí de Luis Sáenz de la Calzada; el aura misteriosa y literaria de Juan Carlos Mestre; la magistral utilización de la línea de Javier Zabala; la tensión emocional y crítica social de Martín; el mundo de ficción vibrante y mágico de Enrique Lorenzana; la fantástica galería de personajes de Lolo; el mundo del cine de Velasco; el universo surreal y mágico de Castorina y Antón Díez; la elegancia compositiva de Doctor Hoffman; la reivindicación del espacio LGTBI de Bruno Santín; el diseño contundente de Javier Cardo; la fuerza impactante de González Llamazares o la belleza y defensa del feminismo de Reme Remedios.

La muestra podrá contemplarse, hasta el próximo 19 de octubre, de miércoles a viernes, de 16.00 a 20.00 horas; para visitarla los sábados y los domingos es necesario llamar previamente, de lunes a viernes, al teléfono 987 488831.

El fantástico iberoamericano nada encorsetado ni prefabricado pues no emula fórmulas anglófonas y luego se hace pasar por nuestro (igual que esos decorados que pretenden ser China y solo engañan a los que no han estado nunca en China)…

Eso, el fantástico de nuestra tradición literaria tipo Alejandra Pzarnik (La Condesa sangrienta) o Silvina Ocampo (La calle Sarandí) o Mariana Enríquez (Bajar es lo peor) o Valeria Correa Fiz (Hubo un jardín) escrito, como la mística (¿Noche oscura del alma de San Juan de la Cruz no son los apuntes para una novela de terror?) con una prosa heredera y propia de la tradición literaria en español…

Sí, el fantástico que no juega con la realidad ni la sortea ni la tacha ni la miente, sino que la completa desde dentro (llámalo realismo visionario al modo de José María Merino, Manuel Mollano y Juanjo Millás, o llámalo fantasía estética al modo de Ana María Matute en Olvidado rey Gudú)…

En efecto, el fantástico que niega (con sofisticación, elegancia verbal y talento compositivo) que la tradición literaria en castellano sea exclusivamente realista (una premisa ésta que, según los estudiosos del fantástico David Roas y Ana Casas, proviene de los curas católicos que manejaron desde el medievo nuestro canon, y no querían más fantasías que las suyas)…

En verdad, ahora que entre nuestra peña friki (donde todo es tan menudo y vibrátil pero ya no hermético) se lleva mucho el terror escrito con prosa como traducida, con prosa funcional sin más, va y gana el Premio Kelvin del Festival Celsius de Terror Fantasía, y Ciencia Ficción (que es el premio a la novela fantástica del año en español) el novelista y estilista David Ucles. ¡Y lo hace con un novelón desde luego fantástico que narra toda la Guerra Civil Española mediante un exhaustivo viaje de documentación y memoria por la geografía de este país (La península de las casas vacías, un novelón de ambición decimonónica; uno sobre esa guerra nuestra que se repite como el ajo y de esos polvos estos lodos, escrito con una prosa que busca de verdad esa perfección que nunca se alcanza, y que viene a ser un cruce entre Borges, Francisco Ayala, Olga Tokarczuk y Guillermo del Toro: fantásticos todos)!

¡Un novelista tan joven y con esta audacia y personalidad literaria a la contra es la esperanza de nuestra narrativa!

Verdaderamente, ahora que se llevan tanto las americanadas, va y gana de nuevo un premio a la mejor novela del año en español (también acaba de ser premiado en la Semana Negra de Gijón, otro festival literario que es también una fiesta de la literatura degenerada o de género presentada con entusiasmo, dinamismo y alergia al academicismo) una novela fantástica que no huye de la realidad sino que la dota imaginativamente de efecto, verdad y sentido.

¡Es tan alucinante como esperanzador tal hito!

Ahora que vivimos en la dictadura de la imagen, bueno es saber y hacer saber ,que, como nos enseñaron los clásicos grecolatinos, la imaginación verbal es la verdadera imaginación.

Enhorabuena David Uclés.

Luis Artigue, “el Kurt Vonnegut español”, es un escritor leonés con seis poemarios y ocho novelas a sus espaldas. La última, Trumpsilvania, editada por Eolas este mismo año año 2025. “Solo una novela como ésta puede ser a la vez una película escrita y dirigida a cuatro manos por George A. Romero y Dario Argento, protagonizada por Brad Pitt y Marilyn Monroe y con música compuesta expresamente por Johan Sebastian Bach”, afirma la crítica. Es tambiébn miembro de la Asociación CylCon cuya web se puede conocer pinchando en el anterior enlace.

“¿Estamos solos en la galaxia, o acompañados?”, cantaban los vigueses Siniestro Total. Esa parece ser también la zozobra existencial que mueve los días de Elio, un chaval listo y travieso que sueña con ser abducido por extraterrestres. Nuestro pequeño protagonista vive con su tía desde la muerte de sus padres. Se siente solo en casa, en el colegio y en el universo. En el fondo se siente como un alienígena en su propio planeta. Por eso cree a pies juntillas que tiene que haber alguien en alguna remota galaxia que pueda comprenderle de verdad. Hasta que un buen día sucede lo que siempre había anhelado: se produce el milagro y por una serie de rocambolescas situaciones es transportado al espacio e identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra. O mejor dicho, es una buena noche cuando todo su mundo se pone patas arriba, que estas casualidades cósmicas son más de acontecer al amparo de la oscuridad, cuando el cielo se llena de todas esas estrellas que también están hechas del material con el que se forjan los sueños.

La nueva producción de Pixar no pasará a la historia por revolucionar los paradigmas estilísticos o argumentales del cine de animación, pero cuenta con las suficientes dosis de buenos sentimientos como para hacernos pasar un buen rato al amparo del aire acondicionado de la sala mientras el verano derrama su calor sobre el mundo. La cinta se despliega en dos escenarios paralelos, con una linea narrativa más pobre que cuenta las aventuras espaciales y otra definitivamente más divertida que transcurre en la Tierra. En la parte que sucede en el espacio se echa de menos cierta audacia formal, con unos diseños de los personajes algo romos y unos fondos de animación también austeros y ajenos a esa capacidad de dejarnos con la boca abierta que suele ser marca de la casa. Lo mejor es la historia de amistad entre el propio Elio y su inesperado compañero de aventuras galácticas, con algunas situaciones genuinamente graciosas y llenas de ternura.

Elio se ve con agrado, es simpática aunque emocionalmente menos adulta y profunda que sus compañeras de productora. O dicho de otro modo, podría ser considerada una estupenda cinta de animación si no acudiéramos a la sala esperando otra de esas joyas a las que nos tiene acostumbrados Pixar.

Al final, como casi todo en esta vida, es una cuestión de expectativas.

La Real Colegiata de San Isidoro acogerá entre el 1 y el 4 de julio el curso de verano ‘Culturas pop: paseos por el cómic, música, videojuegos y cine’ de la Universidad de León, dirigido por el profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León (ULE) y director del área de Publicaciones, José Manuel Trabado Cabado, en el que se abordarán las formas culturales pop y sus lenguajes asociados, se mostrarán estilos visuales, temas, formas y recursos expresivos del cómic, videojuego, cine, música y se reflexionará sobre el estatus cultural de las formas artísticas pop y de su vigencia en la actualidad.

El curso llevará a los asistentes a conocer la Fundación Club 45 en Santa Coloma de Somoza donde, además de una visita guida, mantendrán un encuentro con autores y una mesa redonda con Alejandro Díez Garín (Flechazos) y Juan Marigorta (Zabriskie) en la que abordarán las visiones del pop en el espacio leonés que se cerrará con una Jam Session antes de volver a León. También tendrán un encuentro con el dibujante de la Universidad de Granada Sergio García, que abordará las ‘Poéticas del dibujante: cómic, arte, ilustración'.

Además, a lo largo de los cuatro días, los asistentes llevarán a cabo un análisis de la evolución cronológica de las formas gráficas, narrativas, visuales y estilísticas de los lenguajes asociados al movimiento pop y estarán en contacto con autores que reflexionan sobre las formas artísticas del movimiento pop.

El ‘Culturas pop: paseos por el cómic, música, videojuegos y cine’ está organizado por el Departamento de Filología Hispánica y Clásica y permitirá a los asistentes adquirir competencias como herramientas para análisis y comprensión de los mecanismos formales de la narración gráfica, comprensión de las dinámicas de funcionamiento del videojuego y su evolución a lo largo del tiempo, conocimiento de las claves culturales del movimiento pop, comprensión del funcionamiento narrativo de la imagen y la música y su colaboración en lenguajes audiovisuales, capacidad para analizar comparativamente lenguajes narrativos del cine, videojuego, cómic así como los elementos del discurso espectacular de la música en los conciertos y, por último, iniciación a la investigación sobre cómic, cine y prácticas culturales ligadas a la música y el cine en el ámbito universitario.

Además del profesor José Manuel Trabado como director, el curso cuenta con la participación de Alejandro Díez Garín, gestor cultural y fundador del grupo Flechazos, músico y director Fundación Club 45; Antonio Méndez Rubio, profesor de la Universidad de Valencia; Fernando Ángel Moreno Serrano, profesor de la Universidad Complutense de Madrid; Juan Marigorta, músico y productor musical; Julio Gracia Lana, profesor de la Universidad de Zaragoza; Sergio García Sánchez, dibujante y profesor de la Universidad de Granada y los profesores de la Facultad de Filosofía y Letras de la ULE María del Carmen Pérez Díez, Javier Castiñeiras López y Javier Ordás del Corral.

Los dibujos de Toño Benavides, como el rostro de Audrey Hepburn, tienen algo adorablemente puro, y por eso son únicos… De hecho pocos artistas gráficos hoy como Toño Benavides nos hacen sentir de modo tan fehaciente que un dibujante es alguien que sabe que la realidad es la vecina de al lado de los sueños. Y, más aún, que un ilustrador es quien ha aprendido a convertir para nosotros los sueños en un fetiche que nos ayude a mejor soñar…

Si quieren pruebas no dejen de visitar la pequeña gran exposición que el más identificable y voluptuoso dibujante del Madrid de hoy (el leonés Toño Benavides) acaba de inaugurar en el Bar Amarone Vinneria de la calle Cascalerías (todo en León sucede en el Barrio Húmedo, ya se sabe).

Se trata de una antología de trabajos selectos en pequeño formato (tintas, acuarelas, guaches, joyas) que vienen de ser portadas de libros de la Editorial Nórdica, o de Canalla Editores, o de la Revista Vinalia Tripers, o sobre todo de el periódico El Mundo.

No pocas piezas (las cuales pertenecen a la ilustración que este artista hizo en su día del texto de Guy de Maupassant La Noche) son dibujos en blanco y negro que bien parecen negativos de pesadillas dominadas; sombras chinescas reflejadas en espejos; surrealismo de personajes tan descoyuntados y deformantes y expresivos como los de El Greco que, como diría Djuna Barnes, son habitantes insignes del bosque de la noche.

Pero también hay aquí delicadas acuarelas con personajes inventivamente geométricos que recuerdan a Tintín en modo marinero.

Y retratos de personajes imposibles con semblantes coloristas que, en su torturada pose, no llegan a la crudeza de Lucian Freud, pero, dados sus semblantes asombrosamente coloristas, están como emparentados con el virtuosismo cromático de Benjamín Palencia.

Y hay algunos inéditos como el titulado Luna Robada que son tan densamente imaginativos y metafóricos, y, además, apelan de tal modo al inconsciente, que invitan al espectador a recostarse en el diván de Freud.

Y hay también acaballadas figuras tan coloristas como líricas que componen la parte más soñadora del conjunto (miren sino la inquietante y genial pieza con un punto cubista pero aun así preciosista titulada irónicamente Crimen pasional).

Y una embelesadora ensoñación en blanco y negro tan poética como simbólica que hizo como cartel de una Feria del Libro de León y que titula Filandón…

Pero además de la poesía surrealista y la imaginería de Remedios Varo, Ángeles Santos y Maruja Mallo, la narrativa de la imaginación prospectiva conforma el lenguaje visual propio de Toño Benavides, y eso se ve en su aquí expuesta portada de La Guerra de los Mundos de H.G. Wells…

Todo, en un conjunto visualmente extravagantemente auténtico, icónico e inspirtador.

Sí, saber captar la seriedad, densidad y hondura que hay en los dibujos aparentemente frívolos de Toño Benavides le hace al espectador mejor persona.

En efecto, en el mundo de hoy hay demasiada realidad y demasiada actualidad y demasiado racionalismo empírico corroborado: por eso necesitamos tanto esa sombra flambeada y ensoñada de la razón que es el arte.

Los dibujos de Toño Benavides, en lo que tienen de melancolía esperanzadora, nos ayudan a llegar al final del arco iris.

En verdad los dibujos de Toño Benavides, como el rostro de Audrey Hepburn, tienen algo adorablemente puro, y por eso son únicos.

Luis Artigue, “el Kurt Vonnegut español”, es un escritor leonés con seis poemarios y ocho novelas a sus espaldas. La última, Trumpsilvania, editada por Eolas este mismo año año 2025. “Solo una novela como ésta puede ser a la vez una película escrita y dirigida a cuatro manos por George A. Romero y Dario Argento, protagonizada por Brad Pitt y Marilyn Monroe y con música compuesta expresamente por Johan Sebastian Bach”, afirma la crítica.

La realidad es una convención que han firmado un par de jefazos sobre el capó del coche. Por eso, ahora que con el verano se acerca como un meteorito el Festival Celsius de Avilés 2025, el mejor evento de literatura fantástica del mundo, bueno es saber y hacer saber que el realismo narrativo estricto no solo es una religión, sino un sistema social…

Bienaventurados pues aquellos que sabéis seguir siendo marcianos como cuando erais niños; los que os mostráis habilidosos a la hora de ocultar que tenéis dos antenas, ocho brazos y cinco ojos, y por eso todo lo veis, lo oís y lo asumís como susceptible de formar parte constitutiva de vuestro raro mundo.

Bienaventurados los rincones más absurdos de la galaxia en los que podéis ver a Dios. O bienaventurados los que habéis aprendido de Phlip K. Dick, Robert Sheckley, Guillermo del Toro Anne Rice, Ursula K. Leguin, John Sladek, Jess Franco y Dario Argento que la realidad es aburridísima, y tiene muy mala narrativa...

Bienaventurados todos aquellos que sois capaces de encontrar algo espiritual en una película de monstruos, o algo vampírico en el capitalismo de Donald Trump.

Sí, bienaventurados los que, sin necesidad del más mínimo academicismo, albergáis la certeza teórica de que el fantástico es un camino a la verdad, y que la ciencia ficción es la literatura de la imaginación disciplinada, y que el terror es la poesía oscura posmoderna que leen las masas más susceptibles de convertirse en hordas con machetes que en coros parroquiales.

Bienaventurados los que tenéis agradecida conciencia de que para escribir novela fantástica en España hay que ser valiente como un perro que ladra a un ovni.

Bienaventurados los que no necesitáis haceros camisetas con la serigrafíada leyenda de “ser friqui es ser más lúcido” porque os afirmáis en la solidez que os da saberos con la potente imaginación que permite ser capaz de leer sin recetario la secreta historia de cada cosa.

Bienaventurados los que no contáis para la élite y el supremo “así hay que ser”, pero sabéis contar (esto es, sabéis narrar), pues, como todos en definitiva somos animales narrativos, estáis por encima de los demás en lo fundamental.

Bienaventurados, en suma, aquellos que tenéis la suficiente imaginación para ver venir el Apocalipsis al que se dirige el mundo, y no cesáis al respecto de musitar entre dientes: ¡Y a mí que me hace gracia esto!

Luis Artigue, “el Kurt Vonnegut español”, es un escritor leonés con seis poemarios y ocho novelas a sus espaldas. La última, Trumpsilvania, editada por Eolas este mismo año año 2025. “Solo una novela como ésta puede ser a la vez una película escrita y dirigida a cuatro manos por George A. Romero y Dario Argento, protagonizada por Brad Pitt y Marilyn Monroe y con música compuesta expresamente por Johan Sebastian Bach”, afirma la crítica.

Cosmética lo ha vuelto a hacer. Y esta vez se ha colado, literalmente, en una fiesta salvaje de teleñecos, luces intermitentes y una narrativa que va entre lo delirante y lo lúcido. Su nuevo sencillo, En tu piso, es un puñetazo sónico, una postal borracha de la madrugada, donde todo puede pasar… y pasa. Vaya que si pasa.

La banda leonesa, dentro del sello Flor y Nata y conformada en su nueva formación de trío por Alejandro Cartujo (ex Fundición Odessa) a la batería, JuanMa Carrera al bajo y Miguel Ángel Cuervo a la voz y la guitarra, vuelve a sacudir la escena alternativa con su último lanzamiento.

La canción es, según sus componentes “una oda moderna al exceso, la incorrección y el rock; A la búsqueda de la breve felicidad e inyección de autoestima que proporcionan, en este orden, el rock, el sexo, la fiesta, el alcohol y otras sustancias, disfrutados todos ellos siempre en buena compañía”.

El video musical que estrenan hoy, en el que entran en un garito y se corren un fiestón convertidos en teleñecos gracias a la Inteligencia Artificial es otro de sus pelotazos a la hora de estrenar este tipo de vídeos musicales de promoción, como en el que trajeron a 'Elton John' a León a rodar con su antigua formación.

'En tu piso', afilado y envolvente tema

La letra de En tu piso invita a sumergirse “tranquilamente” en un escenario de desinhibición, donde el humor y la crudeza se mezclan en un relato cargado de simbolismos modernos. El sencillo reafirma la capacidad de Cosmética para reinventar la música pop desde una perspectiva alternativa, manteniendo siempre un sonido contundente y una narrativa afilada.

“Musicalmente, En tu piso suena afilada y envolvente. Hay bajos densos, guitarras que gimen con descaro, y letras que caminan sobre la fina línea entre la risa y la herida. No es un tema para poner en segundo plano mientras limpias la casa: exige tu atención, o mejor aún, tu rendición”, desea el grupo leonés Cosmética.

En tu piso es pura combustión. Desde el primer verso se intuye que no hay marcha atrás: nos lleva de la mano a un after totalmente loco, de esos en que la fiesta que empieza en una cocina desordenada y termina en el sofá con el maquillaje corrido. La canción –que podría ser la banda sonora de una película de David Lynch con guion de Almodóvar– sigue la estela de sus anteriores trabajos como Yo maté al DJ o Spanish Loco, pero se atreve con aún más desparpajo.

¿Cómo se hizo el videoclip?

El videoclip es una locura visual nacida de la experiencia en IA del cantante del grupo. Ha sido generado con más de cien horas de creación de escenas con diversas inteligencias artificiales, pero “casi todo con Sora, que es la que mejor calidad ofrece”, explica el guitarrista y también editor de sus videoclips Miguel Ángel Cuervo Blanco. “Y el resto tirando de Luma Labs y Wan 2.1. El mayor reto fue lograr una consistencia de personajes mínimamente razonable, que me obligó a hacer muchos intentos fallidos, combinado con que los servidores de Open AI tienen una disponibilidad muy variable y eso condicionaba mucho la esperas en la generación de las secuencias”, apunta el realizador del videoclip.

“Artísticamente, más que un reto fue una ventaja ver como la IA generaba en ocasiones secuencias con variaciones distintas a las que le pedía y que me daban ideas para otras secuencias. Lejos de lo que la gente pueda pensar respecto a trabajos de generación de imagen y vídeo con IA, se trata de procesos que alimentan enormemente la creatividad”, asegura Cuervo. La estética canalla de los personajes de felpa recuerda a la película ¿Quién está matando a los moñecos? de 2018, “pero realmente el que fueran teleñecos fue pura casualidad trasteando con la Inteligencia Artificial, me gustó la gracia de convertirnos en ellos y así ha salido”, reconoce el cantante de Cosmética.

Este nuevo sencillo se suma a un catálogo que ya incluye piezas como el mini-LP 4 Grandes Obras de Pop Español (2023) o los discos D.Bo, una ópera rock (2019) y Gloria (2020), y El Plafón (2024) o las últimas versiones de Amante Bandido (que también tiene un vídeo generado por IA), el Háblame de ti de los Pecos que triunfó en RNE, el Deja de Bailar de la movida madrileña con un final muy especial o su último cosmeticover de Gavilán o Paloma de Pablo Abraira.

Ademá de sus nuevas canciones en su novedosa formación de trío´que teloneará a The Spitfires el próximo 31 de mayo en Espacio Vías. Todo confirma que Cosmética no tiene techo. “O si lo tiene, están muy ocupados empapelándolo con recortes de revistas, luces de neón y una colección de errores gloriosos que cantan y bailan en una party de moñecos sin fin”, confiesan.

“Así que ya sabes: si alguna vez soñaste con una fiesta surrealista donde los teleñecos se cruzan con la IA, y donde el pop no suena como deberías esperarlo… dale al play. En tu piso no es sólo una canción: es una puerta abierta a ese otro lado de la noche donde Cosmética siempre te está esperando”, afirman desde su productora Flor y Nata.

El CEIP Santa Marta de Astorga ha sido reconocido como uno de los ganadores del Primer Concurso 'Día Ibáñez' en las aulas, una iniciativa promovida por Penguin Aula España, el canal educativo del Grupo Editorial Penguin Random House.

El certamen, de ámbito nacional, invitaba a los centros educativos a rendir homenaje al célebre historietista Francisco Ibáñez mediante la creación de una exposición escolar dedicada a su obra. Desde el colegio astorgano se acogió la propuesta como una oportunidad para fomentar la lectura entre el alumnado, implicándolo activamente en el diseño y montaje de una muestra didáctica y creativa.

El proyecto consistió en una exhaustiva labor de investigación sobre la vida y obra del autor, complementada con la elaboración de materiales visuales para enriquecer la exposición. A través de esta actividad, los estudiantes aprendieron las claves narrativas del cómic, el uso de las onomatopeyas y el valor del humor gráfico.

Los pasillos del centro se llenaron de historietas coloreadas por los niños, entre ellas las aventuras de Pepe Gotera y Otilio, La familia Trapisonda o las peripecias de Doña Pura y Doña Pera, la única serie de Ibáñez protagonizada por mujeres. Un curso incluso creó su propia versión de la célebre 13 Rúe del Percebe, con personajes inventados por el alumnado para habitar el singular edificio.

También se confeccionaron banderines informativos con fechas y cifras de las distintas series, así como retratos de personajes inolvidables como Rompetechos, el Profesor Bacterio, el superintendente Vicente, Ofelia, Chicha, Tato y Clodoveo. El alumnado más mayor se atrevió a dibujar por sí mismo figuras como la secretaria Irma o Tete Cohete.

Para culminar la exposición y hacerla más interactiva, se instalaron dos photocalls con personajes emblemáticos: uno protagonizado por Mortadelo y Filemón, y otro por el Botones Sacarino.

El esfuerzo conjunto del profesorado y del alumnado ha permitido que el CEIP Santa Marta de Astorga se alce como uno de los cuatro centros premiados en esta primera edición del concurso, junto con el CPB Infanta Leonor de San Agustín del Guadalix, Jesuitas de Burgos y Santa Eulalia de Mérida.

El Centro Obrero y Popular (COP) El Candil de León, situado en el barrio de El Ejido, celebrará del 6 al 13 de abril de 2025 sus primeras Jornadas 'Memoria y Clase', un evento que busca destacar la lucha de los trabajadores contra el fascismo. A través de diversas actividades culturales, la iniciativa se enmarca en la conmemoración del 14 de abril, fecha clave en la historia republicana española.

El programa comenzará el domingo 6 de abril en el Teatro El Albéitar de la Universidad de León con la proyección de 'La Marsellesa de los Borrachos', una película de Pablo Gil Rituerto que documenta el recorrido del grupo italiano Cantacronache por España en los años 60 para recopilar canciones populares antifranquistas. El evento contará con la presencia del productor Bernat Manzano, quien participará en un coloquio posterior.

Las jornadas continuarán en el local de El Candil, en el barrio de El Ejido, con la proyección del documental 'Ciudad de la Selva' el miércoles 9 de abril. Dirigido por Miguel Riaño, el filme aborda la resistencia guerrillera en los montes de Galicia y León, con especial enfoque en el pueblo de Casaio. El director estará presente para comentar la obra y dialogar con el público.

El viernes 11, el cineasta leonés Carlos Balbuena presentará su película 'Inviernos', que recoge los testimonios de cinco mujeres que relatan la represión sufrida por sus familiares y la lucha por la memoria de los más de 1.800 desaparecidos en la provincia de León. A través de sus voces, el documental reconstruye una parte fundamental de la historia reciente.

El sábado 12, las jornadas se adentrarán en el exilio republicano con la presentación del cómic 'Las Hogueras de El Pertús', del autor asturiano Alberto Vázquez. La obra narra los últimos meses de la Guerra Civil y la huida de miles de españoles a Francia. Durante la actividad, Vázquez mostrará material inédito sobre el tema.

Las jornadas culminarán el domingo 13 de abril con la presentación del catálogo de la nueva editorial Ediciones Tinta Roja, a cargo de su director, Javier Martín. El evento incluirá un 'Vermú Republicano', un espacio de encuentro y celebración vinculado al 14 de abril. Todas las actividades serán gratuitas, excepto la proyección en el Teatro Albéitar, que tendrá un costo simbólico de 2 euros.

Sencillo y al pie, poner a “la ciudad más bonita del mundo” como define @PabloLeonTE a la capital leonesa, como si fuera uno de los escenarios de una película de animación de Miyazaki, el genio japonés de la animación con su Estudio Ghibli, que ha realizado obras tan maravillosas como El Viaje de Chihiro, o La princesa Mononoke.

Hazao Miyazaki es uno de los animadores más importantes y valorados del mundo, que continúa haciendo sus películas a mano. O al menos con un equipo de dibujantes que dedican miles de horas a componer alguna de sus escenas, como ejemplifica esta de cuatro segundos de un gentío que se tardó en hacer un año y tres meses en la película El viento se levanta. No renderiza en ordenadores aunque probablemente la grabación sea ya digital.

Como conocedor de las películas del Estudio Ghibli, Pablo Tejedor ha publicado en su cuenta de X (antiguo Twitter) en la que habla de urbanismo en León, un par de tuiXs con varias de las estampas más icónicas de la ciudad: San Marcos, la muralla romana en Ramón y Cajal, la plaza de San Martín en el Húmedo, San Isidoro y el Panteón de los Reyes, y la Catedral de León, tanto por fuera como por dentro.

Eso sí, como no es posible contar con ningún dibujante del estudio de Miyazaki, el tuiXtero leonés ha tenido que usar la nueva herramienta de creación de imágenes de Open AI en Chat GPT-4o que salió ayer. “Todo fue por una broma entre amigos y mis familiares y se me ocurrió pasarle unas fotos de la ciudad de León y quedaron tan bonitas que las subi”, explica a ILEÓN.

“He visto varias peliculas pero no soy el mayor de los fans, pero la IA deja las imagenes tan bonitas y exactas que me ha merecido la pena hacerlas”, confiesa Tejedor.

La ironía es que para poder imaginar cómo sería la ciudad de León al estilo Ghibli, ha tenido que usar la tecnología que jamás usaría Miyazaki, la Inteligencia Artificial. Pero como sólo hay un artista de tal calidad en el mundo que pudiera hacerlo y para ver el resultado sin esperar años esta herramienta de IA es imprescindible para conseguirlo.

Eso sí, como homenaje a un gran genio, y disfrute de los leoneses, es digno de verse. “El arte de estas peliculas sin duda me parece una pasada”, asegura el tuiXtero. Y vaya que si lo es poniendo León, “la ciudad más bonita del mundo” como él asegura, como escenario.

Yo no me doctoré en Bellas Artes porque me daba la risa. Ahora sería doctor. Doctor en Bellas Artes. Esto puede sonar muy grandón, pero es verdad. El lenguaje manejado para explicar el arte moderno –y para elaborar tesis– resulta especialmente ridículo –o quizá me lo parece a mí que estoy íntimamente familiarizado con él–, como cualquier visitante de museos de cosas contemporáneas puede comprobar, ya que han optado definitivamente por narrar con cartelitos el propósito de los artistas, que ahora mismo es quejarse y denunciar la situación de los más desfavorecidos con diversos telares. Telares es como llamamos en León a todo cachivache en general. ¿De dónde habrá salido la palabra? Telares. Es muy gracioso. E inexportable: lo sé por experiencia, la gente no leonesa de habla española o castellana pone caras rarísimas cuando uno afirma que ha estado haciendo telares, porque se lo toman literalmente. Esto, que puede parecer –y es– una digresión me vale para acceder al breve prontuario de términos interdisciplinares que me salieron seguidos cuando intenté explicar en serio vaya usted a saber qué exposición, igual hasta una mía. Peorformance: acción artística que sigue a una muy mala. Taxinomía: ley o norma de ordenación que cobra lo que le da la gana por la carrera. Concepcual: arte incomprendido o con muchos interrogantes. Porpuesta: idea llevada a cabo con gran rapidez y torpeza. Identifaz: manifestación visual enmascarada de una marca, empresa o compañía. Flashmob: a gangster racket or crime syndicate containing one rapid superhero. Comiseración: sentir lástima por el responsable de una exposición desafortunada o grotesca. Instalacién: disposición de objetos o medios adquiridos en tiendas de baratillo con la intención de crear una experiencia en sala museística. Dicoztomía: método basado en una división violenta del área del objeto por la pata de alguna bestia. Improvisacción: happening llevado a cabo de forma abrupta y sin preparación alguna. Pentulante: persona que presume de sus logros plásticos cinco veces seguidas. Podría seguir poniendo pendejadas hasta el próximo domingo, pero, al contrario que por la mayoría de las producciones culturales actuales, siento algún respeto por cualquiera que haya llegado a leer hasta aquí. Creo que ha quedado claro el motivo por el que soy incapaz de hablar –y escribir– en serio sobre el pataliebre de Joseph Beuys o sus amiguitos y sus telares durante un rato; enseguida se me salen los mocos.

En septiembre de 1963 aparecían publicadas las primeras aventuras de este grupo de superhéroes que, debido a una serie de mutaciones en su estructura genética, habían adquirido diversos y extraordinarios poderes. Sus creadores fueron Stan Lee, auténtico ideólogo y padre del universo Marvel, y Jack Kirby. A la hora de establecer los cimientos de la serie y perfilar los personajes el propio Stan Lee propuso la idea de que, tanto los héroes como los villanos de la historia, fueran mutantes. Antes de decidirse por el nombre de X-Men para la saga recién nacida, el editor Martin Goodman había rechazado el más evidente de Los Mutantes, considerando que tendría poco calado entre los lectores más jóvenes. En cualquier caso, lo que sí prendió fue el hilo argumental postulado por Lee y que presentaba la lucha entre dos grupos de mutantes: los reclutados por el Profesor X y que buscaban la integración con los humanos, y aquellos otros que eran vilmente adiestrados por Magneto para acabar con una raza humana que consideraban inferior y el mayor enemigo para su especie. 

La trama de aquellos primeros números se presentó como una analogía de la tensión racial que se vivía en Estados Unidos por entonces, con sutiles pero innegables referencias que vinculaban a Magneto con Malcolm X y al Profesor X con Martin Luther King. La eterna lucha entre el bien y el mal que articulaba los relatos originales estaba claramente representada en los dos paradigmáticos personajes protagonistas. Y poco a poco fueron apareciendo nuevos mutantes que pasaban a engrosar las filas de uno u otro bando: Cíclope, Jean Grey, Ángel, Bestia, el Hombre de Hielo, Mercurio, Bruja Escarlata, Mímico, Kaos, Polaris, los Centinelas o el Monolito Viviente. Pero las aventuras de este primer grupo de superhéroes no consiguieron despertar el interés del público y, debido a sus escasas ventas, la revista tuvo que ser cancelada en el número 66. 

Fue en 1975 cuando X- Men resurgió de sus cenizas para convertirse en uno de los cómics de mayor éxito que se han publicado desde entonces y en una inspiración para decenas de nuevos títulos. El culpable de los drásticos cambios que impulsaron de nuevo la serie y cimentaron una popularidad que llega a nuestros días fue el guionista Chris Claremont, un autor que encontró la fórmula mágica en una estrategia que ahora nos puede parecer una perogrullada pero que, hasta ese momento, no se había visto en el cómic americano: insuflar de humanidad a unos personajes demasiado planos y distantes. Al fin y al cabo, los superhéroes que habitan en las viñetas de un tebeo no son distintos de aquellos otros que encontramos en los poemas épicos o en las epopeyas griegas. Las historias de los cómics son una forma de mitología contemporánea y popular. Esos seres de apariencia humana que pueden volar, son indestructibles o poseen una fuerza sobrenatural, también son proyecciones alegóricas que brotan de la imaginación y nos permiten soñar con desafiar nuestra condición de seres mortales.

La última de las numerosas producciones audiovisuales (más allá del cine) que se ha detenido sobre las peripecias de estos seres mutantes es la de animación X-Men '97, un estupendo ejercicio nostálgico que actualiza la memorable serie original volviendo a los años 90 y presentando a unos personajes que, lejos de resultar tan planos como muchas veces han sido evocados, ahora respiran cierta complejidad. Los diez episodios de su primera temporada están inteligentemente armados a partir de unas tramas que rebosan acción, drama y humor. Ha sido una de las sorpresas de animación del año, una serie que nos muestra como se debe revitalizar un clásico desde un enfoque contemporáneo.