El Cine Velasco acogerá este miércoles 13 de mayo, a las 20.30 horas, la proyección en versión subtitulada de 'Cuento de primavera', la película con la que el director francés Èric Rohmer rindió homenaje a esta estación del año en 1990. La cita forma parte del ciclo dedicado a los cuentos estacionales del realizador galo organizado por los socios y socias de Luz de cine, que desde el pasado verano vienen recorriendo las cuatro estaciones a través de la filmografía del cineasta francés.

La película propone un juego sutil e inteligente sobre la inestabilidad de los sentimientos mediante una trama aparentemente sencilla, aunque cargada de profundidad, en la línea del estilo narrativo característico de Rohmer. 'Cuento de primavera' sigue la historia de Jeanne, una joven profesora de Filosofía que, tras acudir a una fiesta, acepta la invitación de su nueva amiga Natasha para pasar la noche en su casa de campo. Allí ocupará la habitación del padre de Natasha, convencida de que este apenas frecuenta la vivienda desde que mantiene una nueva relación sentimental, aunque la situación cambia inesperadamente a la mañana siguiente.

Con guion y dirección de Èric Rohmer, la cinta está protagonizada por Anne Teyssèdre, Hugues Quester, Florence Darel y Eloïse Bennett. La sesión servirá además para celebrar una primavera “húmeda y repleta de vida”, en una nueva propuesta cinematográfica que acerca al público una de las obras más delicadas y reflexivas del cine francés contemporáneo.

Veguellina de Órbigo se convertirá el próximo sábado 16 de mayo en un gran escenario para la cultura rural con una programación gratuita que reunirá literatura, cine, folk y teatro de calle. La propuesta, promovida por el Colectivo El Regachón, busca también realzar las raíces leonesas y convertir el espacio público en un lugar de encuentro y participación.

La programación comenzará a las 13.00 horas en la sala Fundos con la presentación de la novela Amancio vampiro de pueblo, obra de Alejo Ibáñez Pérez publicada por Marciano Sonoro Ediciones. El acto incluirá además la proyección del cortometraje del mismo nombre, dirigido por el autor y distinguido en varios certámenes internacionales. La historia combina elementos de terror rural, sátira y humor negro para retratar la vida de Amancio Barrallo Barrallo, un vampiro atrapado en la rutina de un bar vacío en Santa Marina del Rey.

A las 20.00 horas llegará el turno de la música con D’Urria, grupo encabezado por Sabu, ganador del premio MT al Mejor Disco Folk del año 2026, con un recorrido por los sonidos tradicionales del territorio asturleonés desde Laciana hasta la Ribera del Órbigo. El concierto incluirá canciones de su nuevo trabajo De Fuentesila a Primóu y temas ya conocidos de En Ca Pla, interpretados con instrumentos tradicionales y letras en patsuezu.

El broche final será a las 21.30 horas en Plaza España con LIMANI, montaje de Araka y Cal y Canto Teatro. El espectáculo propone un viaje escénico cargado de simbolismo visual a través de personajes en tránsito y espacios fronterizos, utilizando danza, movimiento y escenografía móvil para reflexionar sobre el desplazamiento y la búsqueda de refugio.

Las actividades se desarrollarán por la mañana en la sala Fundos y por la tarde en la Plaza España. En caso de lluvia, las actividades previstas al aire libre se trasladarán al pabellón de las escuelas. El evento forma parte de la apuesta del Colectivo El Regachón por acercar propuestas culturales innovadoras al medio rural.

La escritora y periodista Noemí Sabugal abre este lunes, 11 de mayo, a las 20.00 horas una semana cultural en la Biblioteca Municipal Valentín García Yebra de Ponferrada con una charla-coloquio abierta al público sobre el proceso de construcción literaria.

La Biblioteca Municipal intensifica su programación. Y lo hace con el proyecto Biblioteca Infinita, encaminado al fomento de la lectura. El martes 12, también a las 20.00 horas (y también abierta al público), será el turno de la representación del espectáculo de narración oral Instrucciones para tomar café, una mirada analítica y personal sobre esta forma de hospitalidad, en clave de humor y de la mano de Ítaca Teatro.

Será la propia Ítaca Teatro protagonista el miércoles 13 del laboratorio El recuerdo ficticio, centrado en el arte de contar historias de viva voz. El taller, reservado para los miembros de los clubes de lectura municipales, contará con dos sesiones, una de mañana y otra de tarde.

Las actividades abiertas al público regresan el jueves 14, a las 19.00 horas, con la proyección de la película El ciudadano ilustre, dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, e interpretada por Óscar Martínez. El filme narra la historia de Daniel Mantovani, un escritor argentino afincado en Barcelona y galardonado con el Premio Nobel de Literatura. El ofrecimiento de ser nombrado ciudadano ilustre le hace volver a su ciudad y revivir viejos tiempos casi cuarenta años después.

Y la semana cultural se cerrará el viernes 15 con una salida cultural por Ponferrada. Será bajo el titulo de Ciudad del Dólar, aprovechado como espacio de inspiración literaria en una actividad dirigida a los participantes de los clubes de lectura y con necesidad de inscripción previa.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) se suma este mes a la celebración del próximo centenario del cineasta y productor Pere Portabella (Figueras, 1927) con la proyección, el 14 de mayo, del documental 'Constelación Portabella' (2024), de Claudio Zulian.

Esta actividad se enmarca en los actos conmemorativos del centenario del nacimiento de Pere Portabella, cineasta, productor y político cuya trayectoria ha resultado fundamental para el desarrollo de una cultura cinematográfica alternativa en España desde la década de los sesenta, han informado este martes fuentes de la organización.

'Constelación Portabella' es un documental construido a partir de fragmentos de las propias películas del autor como 'No compteu amb els dits', 'Nocturno 29', 'Vampir-Cuadecuc', 'Umbracle', 'Pont de Varsòvia' y 'El silencio antes de Bach', así como de conferencias, entrevistas y charlas ofrecidas por Portabella durante su carrera.

Obra y pensamiento

El filme se completa con las reflexiones de críticos, cineastas e historiadores que han mantenido una estrecha relación con su obra y pensamiento, entre ellos Esteve Riambau, Jonathan Rosenbaum y Luis E. Parés.

Además de su faceta como director, Portabella fue un productor decisivo del cine español al impulsar la producción de películas emblemáticos como 'El cochecito' (1960), de Marco Ferreri, y 'Viridiana' (1961), de Luis Buñuel.

Su compromiso político también ha sido relevante, ya que fue senador en las Cortes Constituyentes (1977-1979)) y uno de los firmantes de la Constitución (1978).

En palabras de Zulian, la película pretende ser “tan abierta al futuro como las propias obras de Portabella”, a quien define como “productor de películas importantísimas, director original y rompedor, luchador antifranquista y senador”, cuya vida “atraviesa la historia de España y de Europa de los últimos setenta años”.

El cineasta, a través de una nota difundida por la organización, subraya que acercarse a su obra es “acercarse a la libertad de cambiar, reinventarse y escuchar el tiempo”, una idea que vertebra todo el documental.

Por su parte, el coproductor Lluís Miñarro califica a Portabella como un “renovador del lenguaje cinematográfico” cuya influencia sigue siendo determinante en el cine contemporáneo.

Claudio Zulian, nacido en Italia y afincado en Barcelona, es director, guionista, productor, artista y escritor, doctor en Estética por la Universidad Paris-Saint Denis.

Entre sus obras destacan 'A través del Carmel' (2010), con la que obtuvo el Premio Ciudad de Barcelona y el Premio Nacional de Cataluña; 'No nacimos refugiados' (2020) y 'La montaña mágica' (2023).

'Constelación Portabella' es su último largometraje documental, mientras prepara actualmente una nueva película de ficción.

Con esta sesión, según las mismas fuentes, el MUSAC refuerza su apuesta por el cine de no ficción y el pensamiento crítico en torno a las prácticas audiovisuales contemporáneas, recuperando una programación que fomenta el diálogo entre creadores y público.

Quien nació con alma virtuosa podrá, quizá, renunciar a los caprichos que le hacen la vida soportable. Podrá, incluso, resignarse a malgastar tiempo y energía realizando trabajos no solo poco apetecibles, sino mal pagados. Pero cuando se trata del indomable deseo de sumergirse en las –también indomables– aguas de la imaginación y de darlo todo para ver nacer a esa tierna criatura que es la obra artística, cualquier resignación y renuncia son insuficientes. Y es que, por lo general, el artista da siempre más de lo que recibe. 

Desgraciadamente, junto al virtuoso, convive el hombre práctico que observa ‘al loco’ con intransigencia racionalista. Así, no son pocos los ‘oradores del bienestar’ que afirman que la obra del artista nada aporta a su cuenta bancaria. Y lo peor del caso es que tienen razón (a decir verdad, es más lucrativo ganarse la vida vendiendo tomates en el mercado que pintando un cuadro). Luego, si tenemos en cuenta lo mucho que cuesta enarbolar la bandera del talento en una sociedad en la que ‘el entusiasmo de farolear’ prevalece sobre la constancia y el esfuerzo que hacer arte requiere, nos llevamos las manos a la cabeza y gritamos: “¡Dios mío, ten piedad!”

Distinguir entre talento artístico y ‘entusiasmo creativo’, de eso se trata.

Pasar un buen rato entre amigos es maravilloso. Luego, si rematamos este feliz pasatiempo con un evento cultural en el que llegamos a alcanzar (o en el que creemos haber alcanzado) cierto protagonismo (válido, sobre todo, como psicoterapia)…, ¡bingo!, habremos logrado el propósito humano de tocar la gloria con un dedo. Sin embargo, podríamos ‘confundir churras con merinas’ si tomáramos esta pequeña conquista para considerarnos talentosos paladines de la cultura, cuando en realidad no hemos hecho otra cosa que divertirnos y –dicho sea de paso– alimentar nuestro ego con el veneno de la excesiva autoestima.

No vayamos demasiado lejos si de poner ejemplos se trata; quedémonos aquí, en nuestra ciudad de León; observemos el boom de jubilosos protagonistas del quehacer artístico-literario emergiendo a ritmo acelerado (un amigo llama a este fenómeno ‘democratización de la cultura’). ¡Loado sea este desbocado surtidor de creadores! Sin embargo…

 ¿Acaso nuestra apreciación del talento artístico corre el peligro de morir?

Nos gustaría ser optimistas y poder decir que todo va bien. En cambio, no siempre se valora lo mejor que tenemos. Y Amé, cortometraje del dos mil veinticuatro dirigido por el extremeño-leonés Néstor del Barco Rodrigo (véase ‘Néstor del Barco, el cineasta que une de forma trashumante y colaborativa Extremadura y León’), es un buen ejemplo (y no el único, por cierto) de ignorancia por parte de la farándula leonesa, cuando, al contrario, su acogida internacional ha sido brutal: el filme ha sido seleccionado en festivales de ciudades como Nueva York, Los Ángeles, Nápoles, Dubai, Porto, Lisboa, París… En Wellington, India, su éxito ha sido rotundo, siendo merecedor de cuatro galardones TIFA (Triloka International Filmfare Awards)… Pero... –¡Uy, uy, uy!– quedamos de piedra al ver el poco caso que se la he hecho en España, muy especialmente en León, donde la información nos remite, solamente, al festival Luna de Cortos de Riego de la Vega y a su proyección en el Festival de Cine de Astorga.

La trama se centra en la historia de una mujer de Serradilla (en vida real, María de los Ángeles Ortiz, conocida como Angelines), quien habiendo llegado al ocaso de su vida, recuerda el pasado. Con total ausencia de diálogos o monólogos, la narrativa se apoya en geniales efectos especiales (la fotografía cuenta con la maestría del cineasta leonés Fernando Jover) y en una colosal simbología. Vestida de un blanco impoluto, sentada en medio de un locus amoenus, la protagonista acaricia una paloma blanca que permanece encerrada en una jaula (formidable metáfora de su propio ser cautivo) y revive instantes de dolor y angustia, pero también de derroches y alegrías; emociones y sentimientos expresados en dinámicos cuadros alegóricos en los que el pasado choca con un presente totalmente incomprensible (la actual sociedad, por ser inexplicable para la protagonista, se proyecta cabeza abajo)… Y al final, se escucha el un chasquido de cristales rotos en el interior de la mujer; ella se retuerce de dolor y escupe los fragmentos del vidrio, se recupera del tormento, se levanta del sillón y echa a andar bosque adentro. Un filme sustancioso en forma y contenido, digno de ser valorado.

Claro, habréis escuchado decir eso de que ‘nadie es profeta en su tierra’, frase del Nuevo Testamento convertida en proverbio. “¿No es este el hijo del carpintero? ¿No se llama su madre María, y sus hermanos Santiago, José, Simón y Judas? (…) ¿De dónde, pues, le viene todo esto”; presos por la envidia y la ignorancia, los pobladores de Jerusalén se burlan de Jesús (Mateo 13:55, Marcos 6:4, Lucas 4:22), a lo que ‘el burlado’ responde: “En verdad os digo que ningún profeta es bien recibido en su tierra” (Lucas 4:24).

Tal vez por aquello de no infringir lo que está escrito, Néstor del Barco optó por irse al extranjero, donde 'Amé' fue valorada. Y premiada.

En casa, al parecer, tal misión habría sido imposible.

La Fundación Ciudad de la Energía (Ciuden), entidad dependiente del Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico (Miteco), ha programado para esta semana una serie de actividades en La Térmica Cultural y en La Fábrica de Luz. Museo de la Energía, varias de las cuales entroncan con las exposiciones temporales que acoge el primero de los espacios.

El jueves, 7 de mayo, a partir de las 19.00 horas, se celebrará en el Auditorio Antracita de La Térmica Cultural la última jornada del Ciclo de Cine y Memoria Democrática, con la proyección de Los otros Guernicas. Esta iniciativa, en colaboración con Colectivo Gelsomina, se inscribe en la programación relacionada con la conmemoración de los 50 años de España en Libertad y con la exposición Vientos del pueblo. De revoluciones y transiciones ibéricas (1974-1977).

Los otros Guernicas es un documental que recorre la vida y obra del pintor Luis Quintanilla Isasi a través de testimonios de personalidades como Almudena Grandes o Woody Allen para abordar el impacto del exilio en la cultura española como consecuencia de la Guerra Civil y de la posterior dictadura.

El sábado, 9 de mayo, se celebrará, a partir de las 11.00 horas, una nueva visita guiada bajo el título Compostilla I. Nace Endesa en la que se aborda la historia de la primera central térmica de la entonces empresa pública de electricidad y se podrán descubrir los espacios que alojaban sus calderas y turbinas, que configuran hoy los diferentes espacios de La Térmica Cultural. Esta actividad tiene un precio de 5 euros por persona en tarifa general y de 3 euros en tarifa reducida.

También el sábado, a las 13.30 horas, en el marco del programa público vinculado a la exposición Félix de la Concha. Coreografías de la atención, se celebrará, con acceso gratuito con inscripción previa, la actividad ‘Conversación abierta con Félix de la Concha’. Se trata de un encuentro con el autor en el que se propone conocer la parte menos visible de la exposición. También participarán la comisaria de la muestra, Nieves Acedo; la investigadora del grupo Vínculos, Creatividad y Cultura de la Universidad de Navarra, Inés Olza; y el programador del Área de Museos, Patrimonio y Cultura de Ciuden, Eneas Bernal.

Para participar en estas actividades es necesario realizar inscripción previa a través de la página web de La Térmica Cultural (www.latermicacultural.es).

Para cerrar la jornada del sábado, el Auditorio Antracita acogerá la actuación de Os Monifaes, con su espectáculo 10 anos percorrendo os camiños. A partir de las 20.30 horas, esta compañía llevará al escenario de La Térmica Cultural su peculiar carromato cargado de instrumentos y títeres danzantes para dar vida a un espectáculo versátil para toda la familia.

Esta actuación se enmarca en el programa Dinamiz-ARTj que promueven el Instituto para la Transición Justa (ITJ) y la Ciuden para dinamizar la actividad cultural en los municipios afectados por el cierre de la minería y de las centrales térmicas y nucleares e impulsar la carrera de artistas que viven en estos territorios.

Botánica y eclipses en el Museo de la Energía

En La Fábrica de Luz. Museo de la Energía está prevista la celebración de dos talleres. Por un lado, el sábado, 9 de mayo, tendrá lugar a las 12.00 horas Botánica sensorial. Laboratorio de Aromas, que propone viajar al interior de las plantas para decodificar sus fragancias y atrapar la energía de la primavera. Está dirigido a público familiar y tiene un coste de 4 euros.

El domingo, 10 de mayo, también a las 12.00 horas, el Taller de astronomía estará dedicado a los eclipses, con motivo del eclipse total de Sol que tendrá lugar el próximo 12 de agosto. Este fenómeno fue visible por última vez desde la península hace 114 años y Ponferrada será uno de los mejores lugares para observarlo. La Asociación Astronómica del Bierzo explicará más sobre el fascinante mundo de los eclipses en un taller gratuito.

El Cineclub 'Luz de cine' de Astorga comienza el mes de mayo con la proyección el miércoles, 6 de mayo, de la película cómica 'Los visitantes', a partir de las 20.30 horas.

Se trata del viaje en el tiempo de 'Los visitantes', la comedia francesa de 1993 dirigida por Jean-Marie Poiré y protagonizada por Christian Clavier y Jean Reno que dan vida a un caballero medieval y su escudero.

Estos Don Quijote y Sancho medievales, hechizados por la magia de un mago despistado, son enviados desde el siglo XII a 1992, cuando lo que en realidad querían era retroceder unas horas para deshacer una equivocación garrafal: la del conde Godofredo de Miramonte cuando mata accidentalmente a su futuro suegro al confundirlo con un oso. Con semejante planteamiento y el toque gamberro con el que los guionistas aderezaron esta comedia, las risas están aseguradas.

La programación de mayo continuará con 'Cuento de primavera' de Erich Rohmer (el miércoles día 13), 'Chinas' de Arantxa Echevarría (el día 20) y 'Persona' de Ingmar Bergman (el día 27).

El Instituto Leonés de Cultura acogerá este martes, 5 de mayo, a las 19.30 horas, la presentación del último libro de Gonzalo González Laiz, titulado 99, Noir Street. 99 películas de cine negro, criminal o judicial. El autor, profesor de literatura, escritor y crítico de cine, acercará al público una obra que recorre casi un centenar de títulos clave en los que se respira el inconfundible ambiente noir, un universo marcado por gabardinas, sombras, peligros crecientes y personajes al límite.

Publicado por Eolas Ediciones y acompañado por las ilustraciones de Nadia González Nistal, el libro propone una mirada amplia y accesible a un concepto tan evocador como complejo. A través de sus páginas, González Laiz explora qué se entiende por noir, ese término a medio camino entre lo académico y lo intuitivo que define una atmósfera cargada de tensión, fatalismo y estética inconfundible dentro de la historia del cine.

Licenciado en Filología Hispánica por la Universidad de León, Gonzalo González Laiz cuenta con una dilatada trayectoria docente en institutos leoneses, además de una intensa labor como crítico cinematográfico en Onda Cero León y el Diario de León. Investigador y colaborador habitual de la Universidad de León, ha participado en cursos y publicaciones especializadas sobre cine, incluyendo diversas guías para el análisis fílmico y libros colectivos centrados en clásicos del séptimo arte. También es administrador de la web archivo007.com, dedicada al universo de James Bond, una de sus principales áreas de interés.

La agenda cultural en la provincia de León para este martes 28 de abril incluye conciertos, presentaciones de libros, recitales de poesía y mucho más para pasar una jornada de lo más entretenida en León. 

La presentación de 'Las fronteras del color', a cargo de su autora Nayat Ahmed, tendrá lugar el 28 de abril a las 19.00 horas en el local de CNT de la ciudad de León.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León continúa su programación de cine en torno a la exposición ‘Yoko Ono. Insound and Instructure’. El martes 28 de abril a las 19 horas se proyectará 'Antología Fluxfilm', un programa cinematográfico proveniente de la colección del Museumof Modern Art (MoMA) de Nueva Yorkcompuesto por 24 cortometrajes experimentales de diversos artistas del movimiento Fluxus, al que estuvo vinculada Yoko Ono.

'El cine de los Capuchinos', la programación de clásicos del Teatro San Francisco de León, cierra el telón de la temporada este martes 28 de abril con la película Candilejas, considerada algo así como el testamento artístico de su director y protagonista, Charles Chaplin.

A continuación los detallamos uno a uno. Pincha en los titulares para conocer toda la información de utilidad de cada uno.

'El cine de los Capuchinos', la programación de clásicos del Teatro San Francisco de León, cierra el telón de la temporada este martes 28 de abril con la película Candilejas, considerada algo así como el testamento artístico de su director y protagonista, Charles Chaplin. El filme, como es habitual, se proyecta a las 20.00 horas con entradas al precio de 4 euros.

Estrenada en 1952 y de 145 minutos de duración, Candilejas cuenta con guion del propio Chaplin, que quiso hacer un homenaje a los artistas del cine mudo relegados por la entrada del sonoro en una película de tono sentimental. Claire Bloom, Nigel Bruce, su hijo Sydney Chaplin y Norman Lloyd lo acompañan en un reparto en el que también aparece Buster Keaton.

El filme de Chaplin sirve este martes para echar el cierre a una nueva temporada de 'El cine de los Capuchinos', que rescata títulos clásicos entre los meses de octubre y abril.

Sinopsis:

Un viejo payaso (Charles Chaplin), después de evitar el suicidio de una joven bailarina (Claire Bloom), no sólo la cuida, sino que, además, se ocupa de enseñarle todo lo que sabe sobre el mundo del teatro para hacerla triunfar. Último y melancólico film americano de Chaplin.

Martes 28 de abril. 20.00 horas

Teatro San Francisco. Calle La Corredera, 1, León

Entradas: 4 euros

El género cinematográfico conocido como cine quinqui se hizo muy popular en tiempos de la Transición, cuando la heroína inundaba las calles y había una gran inseguridad ciudadana. Directores como José Antonio de la Loma o Eloy de la Iglesia narraron con una torpe y febril crudeza las dudosas correrías de todos esos jóvenes delincuentes de barrio y sin futuro, muchos de los cuales habían llegado a alcanzar cierta popularidad. Eran filmes de un realismo descarnado, donde se mostraban sin tapujos la exclusión social, el consumo de heroína o los atracos a bancos. Vistos desde la perspectiva del presente su mayor interés no está en su discutible calidad cinematográfica, sino en ese espontáneo y rabioso retrato de una época, en su condición testimonial y crítica de aquella España tan cercana en el tiempo como extrañamente lejana para la memoria colectiva. El cine quinqui alberga auténticos documentos sociológicos entre sus títulos más conocidos, ingenuas miradas sobre aquel mundo marginal que se rodaban a troche y moche, mientras todo estaba ocurriendo en la calle. Y eso, ese presentismo radical y honesto, es algo que no se puede comprar con talento o dinero, simplemente sucede.

Rafael Cobos, guionista habitual de Alberto Rodríguez, debuta como director con esta notable película que evoca y homenajea aquel cine quinqui con una sofisticada puesta en escena y una historia de perdedores. Ambientada a principios de los 80, la cinta nos cuenta la historia de un quinqui con causa, un tipo que es muy bueno en lo suyo y que vive al límite, entre atracos y fugas. Pero un ladrón que también busca una reparación moral, recuperar el cadáver de un padre represaliado de la Guerra Civil para darle una justa y humana sepultura, para cerrar una herida infinita.

Golpes cuenta con una prodigiosa dirección artística, una precisa banda sonora y una exquisita preocupación por la fotografía. Es un trabajo admirable en lo formal, armado con delicadeza y mucha cinefilia detrás de cada decisión. Además, la presencia de unos impecables Luis Tosar y Jesús Carroza interpretando a esos dos hermanos que han tomado caminos diferentes en la vida pero vienen del mismo golpe, le termina por conferir aires de cine mayúsculo y complejo. Estamos ante una obra que corrige los evidentes y comprensibles errores formales de ese cine quinqui que busca celebrar, pero que lo hace sin perder en el camino la descarnada honestidad que también derrochaban aquellas historias de macarras viviendo deprisa, entre chutes y atracos. 

El Museo Municipal de Carracedelo se convierte en el escenario de un original festival literario y cultural inspirado en el universo creativo de Tim Burton, que se celebrará del 23 al 26 de abril. Esta propuesta, de carácter ecléctico, invita a los visitantes a adentrarse en un ambiente donde lo fantástico, lo gótico y lo imaginativo se combinan para ofrecer una experiencia diferente en torno a los libros y la narración.

El evento arranca con una inauguración especial el 23 de abril, en la que los asistentes son recibidos con un simbólico “brindis de los personajes olvidados”. A partir de ahí, el festival despliega una variada programación que incluye stands literarios temáticos, concebidos como un auténtico gabinete de curiosidades donde los libros abarcan desde los clásicos góticos hasta la ilustración contemporánea y la literatura más alternativa.

Uno de los grandes atractivos del festival son las actividades participativas, como talleres creativos de marcapáginas y collage, que permiten a los asistentes explorar su lado artístico siguiendo la estética burtoniana. Además, destaca la instalación del “Árbol de los Deseos Sombríos”, un espacio colectivo donde los visitantes pueden dejar mensajes y recomendaciones literarias, contribuyendo a una obra común cargada de simbolismo.

El programa también incluye visitas comentadas a la exposición dedicada a los iconos del universo de Tim Burton, en las que se desvelan detalles sobre el proceso creativo del director, así como anécdotas y referencias literarias que han marcado su trayectoria. Estas visitas ofrecen una mirada más profunda a su imaginario y a la construcción de personajes emblemáticos.

Por otro lado, el festival propone experiencias inmersivas como la inspirada en Sweeney Todd, dirigida a un público adulto, y sesiones de cuentacuentos interactivos para familias, donde historias como las de Jack Skellington o La Novia Cadáver cobran vida. De este modo, el Museo Municipal de Carracedelo se transforma en un espacio dinámico donde la literatura, el arte y la fantasía se entrelazan para todos los públicos.

Tal vez no sepáis que Esperando la carroza, obra cinematográfica dirigida por Alejandro Doria, se ubica en la actualidad –según Filmaffinity– al decimotercer puesto entre las mejores películas argentinas de todos los tiempos y al sexagésimo octavo entre los mejores filmes internacionales de los años ochenta. Vale decir que mientras que en Latinoamérica se estrenó en 1985 los españoles tuvieron que aguardar dos décadas para presenciar su debut en la gran pantalla. Pero a pesar de ello, tanto en España como allende los mares, quienes hemos gozado de esta magnífica comedia de género grotresco estamos convencidos de que se trata de un clásico de culto cuya temática, por más chocante y hasta despiadada que pueda parecernos, nos conduce a reflexionar sobre un sensible aspecto de la vida: la inevitable realidad de hacernos viejos.

Hay algo de cierto: a determinada edad, mientras nos vanagloriamos de seguir ‘vivitos y coleando’, nos cuesta –¡Y cuánto si no!– acoger con espíritu jovial el hecho de entrar en el club de los ‘adultos en plenitud’ (¡Me encanta este eufemismo!).

¿Y por qué nos resulta incómodo aceptar la vejez hasta el punto de llegar a detestarla?

Bueno, tal vez las arrugas y demás defectos propios de la ancianidad nos desalienten más de la cuenta, sobre todo si nos comparamos con la deliciosa imagen de juventud conservada en la foto de nuestros veinte años. Al verla, nos miramos con asombro y llegamos a preguntarnos: “¿Acaso soy yo?”. Sin embargo, más difícil de aceptar es llegar a viejos y ser tratados como cachivaches pasados de moda que, a duras penas, solo sirven para quedarse con los nietos un par de horas al día o para traer el pan del panadero o para cosa por el estilo.

Volvamos, pues, a Esperando la carroza (buen título para este comentario sobre el tema ‘llegamos a viejos nos guste o no’).

En cuanto a la trama, la película inicia con una disputa familiar en la que los hijos de una mujer de ochenta años (Mamá Cora, personaje espectacularmente interpretado por Antonio Gasalla) polemizan sobre quién de ellos ‘debe cargar’ el peso de convivir con la anciana madre, discusión que se torna cada vez más peliaguda hasta llegar a tomar matices muy fuertes. Sucede entonces la imprevista desaparición de la anciana y su denuncia en comisaría, seguida de la noticia de que una desconocida ha aparecido muerta tras haberse arrojado al paso de un tren (a este punto, la absurdidad ‘colma la copa’ cuando los parientes identifican el cadáver por los zapatos que lleva puesto). Y es aquí cuando los personajes se reúnen para esperar ‘la carroza’ (entiéndase el coche fúnebre), desencadenándose una serie de disparatadas escenas que ganan el título honorífico de ‘alabanza a lo esperpéntico’.

Y es que, aun tratándose de situaciones patéticas en grado superlativo, no podemos contener la risa: en cada palabra o diálogo, la gravedad de las circunstancias deviene ligereza y la comicidad vence al drama, eclipsándolo por completo.

Pero si la historia de esta película dedicada ‘a nuestros viejos’ nos hace reír hasta vaciar de oxígeno los pulmones (por fortuna, el humor es el mejor analgésico contra el dolor más resistente), lo dramático, oculto bajo el manto de las carcajadas, saca la cabeza para ponernos en el lugar de aquellos que viven aguardando la llegada de ‘sus respectivas carrozas’.

¿Es posible imaginar esta espera?

Creo que sí. Por ejemplo, cualquier residencia geriátrica podría ser un punto de referencia para imaginar cómo es la vida cuando los años, por ser tantos, pesan más de lo debido. 

Por circunstancias familiares, hace dos años que visito, con cierta frecuencia, uno de estos centros en el que el tiempo ‘juega al pulso’ con la existencia. A pesar del verde jardín –más adorable aún en primavera– y de las modernas y bien cuidadas terrazas e instalaciones, encuentro salas donde hay televisores encendidos que pocos miran –al menos, con atención– y rostros apacibles de miradas perdidas que retan a la intrepidez del ocaso. Algunos de los residentes (esos que aún saben quienes son y donde están) juegan a las cartas, llenan crucigramas o prueban sus destrezas como dibujantes en un libro para colorear. De vez en cuando, los más diestros en locomoción rompen la rutina y salen a dar cuatro pasos por los alrededores, se toman un café en el bar de la esquina y fuman el cigarrillo que algún adicto a los malos hábitos ofreció pensando “te comprendo”. Otros, sin embargo, amanecen y se acuestan soñando con la lluvia ocre que inundará, en breve, el camino por donde llegará una carroza a buscarlos. Esos –¡También ellos!– tuvieron veinte años y el mundo a sus pies, aunque ahora solo esperen y susurren: “Como te ves, me vi; como me ves, te verás”.

El Instituto Leonés de Cultura (ILC), de la Diputación de León, acoge este miércoles 22 de abril la presentación del documental ‘Tierra de lobos, escuela de pastores’, una obra que pone el foco en el conocimiento tradicional de los pastores trashumantes de la montaña leonesa y su papel en la convivencia con el lobo. La proyección tendrá lugar a las 19.00 horas en la Sala Región Leonesa, en la calle Santa Nonia de la capital.

El acto se enmarca además en el Año Internacional de los Pastizales y los Pastores, declarado por Naciones Unidas para subrayar la importancia de esta actividad en la conservación de los ecosistemas y el desarrollo sostenible del medio rural.

El documental ha sido dirigido científicamente por el investigador del CSIC Carlos Javier Durá y realizado por el documentalista Alberto Redondo. A través de entrevistas a pastores de la montaña leonesa, la pieza muestra una realidad poco conocida: la de uno de los pocos territorios del mundo donde la ganadería extensiva y el lobo aún conviven de forma directa.

Lejos de los tópicos, el trabajo aborda los problemas reales a los que se enfrentan los pastores trashumantes y reivindica su conocimiento milenario como una herramienta clave para entender esa coexistencia. Según sus impulsores, esta relación genera además un servicio ambiental que debería ser reconocido tanto social como económicamente.

Tras la proyección, el público podrá asistir a un debate en el que participarán el propio Carlos Javier Durá, el presidente de la Asociación Nacional de Criadores de Ganado Merino, Álvaro Álvarez Redondo, y pastores trashumantes de la montaña leonesa, que aportarán su propia experiencia.

El equipo científico del documental está formado también por investigadores de distintas universidades españolas, en un proyecto financiado por la Agencia Estatal de Investigación que busca aportar una mirada rigurosa y basada en la evidencia a uno de los debates más sensibles del medio rural: la relación entre ganadería y fauna salvaje.

La Montaña de Riaño fue hace más de siete décadas escenario de rodaje. La película no es una más. Orgullo, grabada en pueblos desaparecidos del mapa por la construcción del embalse como Anciles, Éscaro o La Puerta con la participación de sus lugareños, está considerada como el primer wéstern español. Y la cinta llega este martes 21 de abril (a las 20.00 horas y con entradas al precio de 4 euros) a la programación de clásicos ‘El cine de los Capuchinos’ del Teatro San Francisco de León, que hace un guiño a la historia aprovechando que en diciembre se cumplieron setenta años del estreno del filme y que dos días después se celebra el Día de Castilla y León.

Dirigida por el gallego Manuel Mur Oti, Orgullo se rodó en su mayor parte hacia el final del verano de 1954 en el entorno de Riaño y Burón con los vecinos implicados hasta el punto de hacer de extras o de ceder su ganado. La película fue todo un acontecimiento para una población que basaba su supervivencia en la agricultura y la ganadería. Y volvió a convertirse en plató de cine apenas unos años después de haberlo sido también gracias a Mur Oti con la película Un hombre va por el camino (1949).

Orgullo presenta una especie de revisión del Romeo y Julieta de William Shakespeare a través de la rivalidad de dos familias (los Mendoza y los Alzaga), agravada por el romance entre dos miembros de cada una y por la sequía que amenazaba la supervivencia del ganado. La pareja protagonista está compuesta por los brasileños Marisa Prado y Alberto Ruschel, al frente de un elenco que se completa en los papeles principales con intérpretes como Cándida Losada, Enrique Diosdado, Eduardo Calvo y Beni Deus, entre otros.

Todavía antiguos vecinos de Anciles como Basilio Alonso Tejerina o Gonzalo García Rodríguez recuerdan el particular carácter de Manuel Mur Oti, que protagonizó varios sonoros enfados durante el rodaje de la película. Y lo contrastan con el del jefe de Fotografía, Juan Mariné (fallecido en 2025 a los 104 años de edad tras recibir en 2024 el Goya de Honor), que rememoraba experiencias como la de ir a localizar a caballo con los Picos de Europa en el horizonte y la Guardia Civil al acecho de guerrilleros como Juanín. Los artistas se alojaron durante aquellos días en el antiguo Parador de Turismo de La Puerta.

La película se estrenó en diciembre de 1955 en los Cines Carlos III y Roxy B de Madrid. Su recorrido internacional quedaría luego abortado. Inicialmente seleccionada para participar en el Festival de Venecia, fue finalmente descabalgada de la programación al retirarse la delegación española por el veto impuesto por la Mostra al otro filme presentado, El canto del gallo, de Rafael Gil, dado su acento anticomunista en tiempos de la Guerra Fría. Con un presupuesto que ascendió por encima de los ocho millones de pesetas de la época, la película dejó durante aquellas semanas de rodaje alrededor de 40.000 pesetas en Anciles en concepto de alquileres y rodajes.

Ahora, siete décadas después, el Teatro San Francisco rescata esta cinta para su programación de clásicos. Se trata de la penúltima cita de la temporada, que se cerrará el martes 28 con Candilejas, de Charles Chaplin. ‘El cine de los Capuchinos’ regresa así a escenarios leoneses años después de haber proyectado El filandón, la película dirigida por Chema Sarmiento en torno a los relatos de los escritores Luis Mateo Díez, Pedro García Trapiello, José María Merino, Antonio Pereira y Julio Llamazares. Y lo hace a lo grande, con el considerado como el primer wéstern en la historia del cine español.

Sinopsis:

Historia de dos familias, los Mendoza y los Alzaga, enfrentadas durante generaciones por el agua de un río que separa sus fincas. Tras varios años de estancia en París, Laura Mendoza regresa a casa y se enamora de Enrique de Alzaga. Cuando están a punto de casarse, resurge el problema de la sequía, lo que reaviva viejos rencores y hace estallar de nuevo la guerra entre las dos familias.

Martes 21 de abril. 20.00 horas

Teatro San Francisco. Calle La Corredera, 1, León

Entradas: 4 euros

Hay libros que parecen escritos desde la emoción inmediata del cinéfilo –ese impulso casi juvenil que consiste en recomendar con vehemencia aquello que se ama– y otros, menos frecuentes, que aspiran a ordenar ese entusiasmo bajo la disciplina de una mirada analítica. 99, Noir Street: 99 películas de cine negro, criminal o judicial, publicado por Eolas Ediciones, pertenece sin duda a esta segunda estirpe.

Conviene advertirlo desde el principio, porque el lector desprevenido podría esperar un mero catálogo sentimental del cine negro y se encontrará, en cambio, con un artefacto crítico unitario de apariencia ligera y estructura deliberadamente caprichosa, pero que en realidad es un todo como un rosario con cuentas. El propio autor, Gonzalo González Laiz, se permite calificar su propuesta como “anárquica, subjetiva y caótica”, pero esa declaración funciona más como coartada que como definición: bajo esa superficie de dispersión se percibe un sólido armazón teórico que recorre la evolución del concepto noir desde sus orígenes hasta sus derivas contemporáneas.

En efecto, el mayor interés del volumen no reside tanto en la selección –inevitablemente discutible, incluso provocadora, al reunir títulos heterogéneos– como en la voluntad de problematizar el propio término 'cine negro', definido como un concepto “más académico que útil” . Esa tensión entre clasificación y desbordamiento constituye el verdadero nervio del libro. González Laiz no pretende cerrar el canon, sino abrirlo hasta hacerlo casi irreconocible, incorporando obras que obligan al lector a reconsiderar sus certezas genéricas. No hay aquí complacencia, sino una invitación –a veces incómoda– a pensar el cine desde sus márgenes.

El estilo acompaña ese propósito. Se diría que el autor ha optado por una prosa de tono ensayístico contenido, donde la erudición –evidente, pero nunca exhibicionista– se filtra en observaciones precisas, definiciones sintéticas y asociaciones sugerentes. Hay, desde luego, pasión por el cine, pero una pasión filtrada, disciplinada por el análisis, que evita el entusiasmo fácil y se instala en una zona más exigente: la de la reflexión. De ahí que los textos, aunque breves, posean una densidad conceptual que desmiente su apariencia de lectura ágil.

Ilustraciones de Nadia González Nistal

A ese equilibrio contribuyen decisivamente las ilustraciones de Nadia González Nistal. Su trabajo, en un blanco y negro de acusado contraste, introduce una dimensión plástica que dialoga con el contenido sin subordinarse a él. Hay en sus imágenes un curioso mestizaje: por un lado, un naturalismo atento al gesto y al rostro; por otro, una tendencia al 'cartelerismo' –figuras recortadas, composiciones de impacto– que remite a la tradición gráfica del cine clásico; y, finalmente, un leve eco de la estética del cómic, perceptible en la estilización de ciertos rasgos. El resultado no es meramente decorativo: las ilustraciones prolongan el discurso del libro, lo comentan y, en ocasiones, lo reinterpretan.

Así, 99, Noir Street termina por configurarse como algo más que una simple antología: es un ensayo fragmentario sobre los límites de un género, un repertorio de miradas que invita tanto a revisitar películas conocidas como a descubrir otras menos transitadas. Su aparente dispersión es, en realidad, la forma que adopta una idea rigurosa: que el cine negro no es un territorio cerrado, sino un espacio en permanente redefinición.

Tal vez por eso el libro deja, al final, una impresión ambivalente –y fecunda–: la de haber recorrido un mapa incompleto, lleno de zonas en sombra, pero también la de haber aprendido a orientarse en él con una mirada más crítica. Y eso, en tiempos de listas rápidas y entusiasmos instantáneos, no es poco mérito.

Si se incorpora la figura de Gonzalo González Laiz al juicio sobre 99, Noir Street, el libro adquiere una perspectiva más nítida: deja de ser una rareza aislada para revelarse como una pieza coherente dentro de una trayectoria crítica marcada, desde sus orígenes, por una voluntad pedagógica y un acusado sentido del análisis.

El mejor crítico de cine leonés

Porque González Laiz no procede –y esto resulta decisivo– del territorio del crítico brillante en lo expresivo, sino del profesor que convierte el comentario en método. Su presencia continuada en la radio, en espacios como Más de Uno León de Onda Cero, responde a esa misma lógica: intervenir en la actualidad cinematográfica no tanto para dictar entusiasmos como para ordenar la mirada del oyente, situar cada estreno en una tradición y ofrecer claves de lectura que van más allá del juicio inmediato. No es casual que sus intervenciones se inserten en secciones de vocación divulgativa, donde el comentario de cartelera se convierte en una forma de didáctica cultural.

Esa misma actitud se reconoce en su labor escrita. Como crítico del Diario de León, su trabajo ha mantenido una regularidad poco frecuente, siempre en esa línea intermedia entre el análisis académico y la claridad expositiva. No hay en él voluntad de estilo –al menos no en el sentido ornamental–, sino una preferencia por la precisión conceptual y por la inteligibilidad, como si cada texto aspirara a ser comprendido antes que admirado.

Más significativa aún resulta su vinculación con el entorno del True Crime y la crónica negra a través de su colaboración en El Taquígrafo, vinculado al periodista Carlos Quílez. No es un dato menor: ese contacto con la narrativa de lo criminal –desde el periodismo– ilumina retrospectivamente su interés por el noir cinematográfico. Allí donde otros críticos se acercan al género desde la mitología cinéfila, González Laiz parece hacerlo también desde su sustrato realista, desde la materia social y delictiva que alimenta esas ficciones. Esa doble perspectiva –cinematográfica y periodística– explica en buena medida el sesgo conceptual de 99, Noir Street, donde el género aparece menos como estilo que como categoría problemática.

Su obra ensayística confirma esa misma orientación. Las guías dedicadas a sagas o películas concretas –La guerra de las galaxias o James Bond contra Goldfinger– no responden a un impulso meramente celebratorio, sino a un proyecto sistemático: enseñar a ver. En ellas, el análisis desciende al detalle estructural, al simbolismo, a las influencias culturales, con una voluntad claramente formativa que no rehúye la erudición, pero la presenta bajo una forma accesible. Incluso en trabajos colectivos como Ian Fleming y James Bond. Conexión España, se percibe esa inclinación a contextualizar los fenómenos populares dentro de marcos históricos, culturales y mediáticos más amplios.

Desde esta perspectiva, 99, Noir Street no supone una ruptura, sino una expansión. Si en sus guías anteriores el objeto de estudio era acotado –una película, una saga–, aquí el campo se abre hasta rozar la dispersión. Pero el método permanece: clasificar, relacionar, discutir categorías. Lo que cambia es, quizá, el grado de libertad en la selección y en el enfoque, que permite al autor explorar zonas menos canónicas sin renunciar a ese rigor que constituye su principal seña de identidad.

Diríase, en suma, que González Laiz pertenece a una estirpe de críticos hoy poco frecuente: la de aquellos que entienden la crítica no como un ejercicio de brillantez subjetiva, sino como una forma de conocimiento. Y es precisamente esa fidelidad a un ideal analítico –a veces en detrimento de la vivacidad expresiva– la que confiere a su libro un valor singular. No seduce de inmediato, pero permanece; no deslumbra, pero enseña. Y acaso ahí resida su mayor virtud.

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Para este miércoles, 15 de abril, el Cineclub 'Luz de cine' propone una delicatessen artesanal de la historia del séptimo arte. A las 20.30 horas, la pantalla del Cine Velasco se transformará en un gran lienzo de 'sombras chinescas' con la película de 1926, 'Las aventuras del príncipe Achmed', de la directora alemana Lotte Reiniger.

Esta 'golosina' muda, en blanco y negro, es una de las películas de animación más antiguas que se conservan y la primera que se produjo en Europa. Reiniger utilizó para la creación de esta obra de arte, la técnica de animación con siluetas mediante figuras recortadas colocadas bajo la cámara para generar juegos de 1 sombras.

Con esta película, Lotte Reiniger invita a sumergirse en el universo de 'Las mil y una noches'. En ella, la hermana del príncipe Achmed ha sido raptada y, para rescatarla, el príncipe, a lomos de un caballo alado, se ve envuelto en un sinfín de aventuras. La última película del mes de abril será el el próximo día 22 para ver 'Los visitantes' (1993) de Jean-Marie Poiré.

La nueva película de la popular saga 'Los Juegos del Hambre' regresa a la gran pantalla el 20 de noviembre de este año con la precuela 'Amanecer en la cosecha', que cuenta con varios escenarios rodados en la provincia de León y Asturias y que ya se pueden ver reconvertidos en el universo de Panem en el nuevo tráiler de esta superproducción de Hollywood.

El rodaje de esta nueva entrega se ha llevado a cabo en el Somiedo y Teverga, en Asturias, pero también en el Parque Natural de Babia y Luna, en la provincia de León. Concretamente, en el municipio de Cabrillanes y, como se puede ver en una escena del recientremente estrenado tráiler, en el embalse de Barrios de Luna.

'Amanecer en la cosecha' se centra en los 50.º Juegos del Hambre en los que participa un joven Haymitch Abernathy, a quien en las primeras películas interpretaba Woody Harrelson y que en su versión adolescente es encarnado por Joseph Zada. Se trata de la sexta película de esta saga basada en las novelas de Suzanne Collins. Una franquicia que se ha convertido en un verdadero fenómeno de masas después del estreno de la primera película estrenada en 2021 y protagonizada por la oscarizada Jennifer Lawrence.

A continuación puedes ver el trailer completo de la película, que se estrena en España el próximo 20 de noviembre:

El ciclo de Cine Clásico de Los Capuchinos regresa al Teatro San Francisco de León con la proyección de 'Un americano en París', una de las grandes joyas del musical estadounidense. La cita tendrá lugar el martes, 14 de abril, a las 20.00 horas, con una entrada única de 4 euros, ofreciendo al público la oportunidad de disfrutar en pantalla grande de este emblemático título.

Dirigida por Vincente Minnelli en 1951, la película cuenta con guion de Alan Jay Lerner y un reparto encabezado por Gene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant, Georges Guétary y Nina Foch. Con una duración de 115 minutos, la cinta destaca por su cuidada puesta en escena y su inolvidable música, elementos que la han convertido en una referencia imprescindible dentro del género musical clásico.

La historia se sitúa en el París de posguerra, donde Jerry Mulligan, un pintor estadounidense interpretado por Gene Kelly, intenta abrirse camino sin éxito vendiendo sus cuadros en Montparnasse. Su suerte cambia al conocer a una adinerada compatriota que decide impulsar su carrera artística, mientras que, en paralelo, surge una historia de amor con una joven dependienta. Esta combinación de arte, romance y música convierte la proyección en una cita destacada para los amantes del cine clásico en la ciudad.

En 1971, John Lennon y Yoko Ono codirigieron el largometraje Imagine, en el que se entrelaza el universo musical de ambos artistas con imágenes de carácter íntimo; una obra que se proyectará en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) como complemento a la muestra de la artista japonesa 'Insound and Instructure'. La proyección será el jueves 16 de abril a las 19.00 horas en el marco de esta exposición que se podrá visitar hasta el próximo 17 de mayo y que recoge una extensa selección de obras producidas por Yoko Ono a lo largo de seis décadas, ha recordado el Musac este viernes en un comunicado. Se trata de una actividad gratuita previa inscripción en la página web www.musac.es a partir del lunes 13 de abril desde de las 8.00 horas.

Imagine (70’) refleja el universo de ambos artistas y también aparecen en ella su equipo de trabajo y otras figuras destacadas como Fred Astaire, Jack Palance, Dick Cavett o George Harrison.

La proyección contará con una introducción a cargo de Pablo Encinas Alonso, coordinador de exposiciones del Musac y tendrá lugar en versión original en inglés sin subtitular.

A través de este programa, el museo propone un acercamiento al universo creativo de Yoko Ono y a la comunidad artística a la que estuvo vinculada desde puntos de vista complementarios a la exposición.

Por esa razón, además de la proyección de la obra codirigida con Lennon, el martes 28 de abril a las 19.00 horas se emitirá también Antología Fluxfilm, un programa cinematográfico proveniente de la colección del MoMA de Nueva York compuesto por 24 cortometrajes experimentales de diversos artistas del movimiento Fluxus, al que estuvo vinculada Yoko Ono.

A principios de la década de 1960, con la visión de democratizar el arte, un grupo internacional y flexible de artistas intentó disolver la separación entre el arte y la vida cotidiana.

Surgió así el movimiento Fluxus, denominado de este modo por el arquitecto y diseñador George Maciunas, y centrado en acciones que implicaban la participación del público con operaciones basadas en el azar y prácticas colaborativas.

A mediados de los años sesenta, George Maciunas comenzó a recopilar las películas experimentales -en algunos casos muy breves- realizadas por artistas Fluxus, que se proyectaban en eventos y happenings en Nueva York y que todavía hoy constituyen el canon del cine Fluxus.

Publicada en 1966, la compilación reúne películas realizadas entre 1963 y el año de su publicación por los artistas Eric Andersen, George Brecht, John Cale, John Cavanaugh, Albert M. Fine, Joe Jones, Owen Land (anteriormente George Landow), George Maciunas, Yoko Ono, James Riddle, Paul Sharits, Mieko Shiomi, Pieter Vanderbeck, Wolf Vostell y Robert Watts.

La proyección será introducida por Luis David Rivero Moreno, doctor en Estudios Avanzados de Historia del Arte (Universidad de Granada) y profesor en la Universidad de León (ULE), quien realizará una presentación para contextualizar la Antología Fluxfilm.

Jueves 16 de abril. 19.00 horas

Musac. Avenida de los Reyes Leoneses, 24

Entradas: gratuita previa inscripción