“Llena, pues, de palabras mi locura / o déjame vivir en mi serena / noche del alma para siempre oscura”. Con estos versos encendidos le pedía el poeta a su amor que le escribiera. Federico García Lorca derrochó un duende tan colosal en sus poemas y textos como para que sigan teniendo una vigencia revolucionaria y hermosa cien años después. En esa didáctica y amena serie española que ha sido extrañamente olvidada, El Ministerio del Tiempo, encontramos una icónica secuencia que nos muestra a un Lorca que ha viajado hasta el año 1979. Al entrar en un bar escucha la voz de Camarón cantando sus versos de La leyenda del tiempo. Es entonces cuando el poeta comprende que su obra y su legado han perdurado en el tiempo. Emocionado, Lorca pronuncia aquella frase que llegó incluso a hacerse viral en redes sociales: “¿Aún me recuerdan? ¿Entonces he ganado yo, y ellos no?”. Desconozco como hubiera reaccionado si ese viaje en el tiempo le hubiera traído hasta una sala de cine de este año 2026, abarrotada y conmovida hasta el tuétano con una película que utiliza un inacabado texto suyo para volar con una apasionada libertad creativa sobre todo aquello que él logró iluminar y arrastrar con su poesía arañada de la tierra, como esos amores enterrados que ahora desnuda La bola negra. 

Javier Ambrossi y Javier Calvo firman una obra descomunal en la forma y en el fondo, tan artísticamente ambiciosa como narrativamente compleja. Hace falta mucha personalidad y talento para hacer lo que han hecho estos dos creadores. Todo es deslumbrante: su mirada genuina y distinta, su osadía para viajar a todos esos rincones olvidados de nuestro pasado y contarlo con esa imbatible herramienta que llamamos expresión artística, su exquisita utilización de la imagen, su singular caligrafía formal, el uso tan sabio de la sonoridad… 

La bola negra es la confirmación de estar ante dos artistas únicos y geniales. No sobra ninguno de los adjetivos usados para describir este prodigio tan audaz como libre. Quizás el mayor problema que pueda encontrar el espectador que se acerque a la sala sean esas enormes expectativas que ha generado el filme. Más allá de eso, y de que se puedan discutir ciertas secuencias más o menos dilatadas o innecesariamente elocuentes, estamos ante una de esas películas que son lo suficientemente trascendentes como para pervivir en el tiempo. Véanla, digieran toda la belleza que asalta la pantalla y sacúdanse del alma prejuicios o dogmas. Es cine del bueno, si no se conmueven con este torrente de luz y poesía quizás sea porque ya han empezado a morirse por dentro.

Ponferrada vuelve a convertirse desde este jueves 1 de octubre en punto de encuentro para los aficionados al cine con la celebración del 24.º Festival Internacional de Cine de Ponferrada (FICP), que se desarrollará hasta el viernes 9 de octubre bajo el lema 'Nuestra mirada, nuestro cine'. La programación combina concursos nacionales e internacionales de cortometrajes con cine británico, producciones vinculadas al Bierzo, una recuperación del patrimonio audiovisual local y propuestas dirigidas al público infantil y educativo.

El festival ha recibido este año 1.117 películas procedentes de 43 países, de las que finalmente se han seleccionado 52 trabajos para las distintas secciones: 27 españoles y 25 extranjeros. Las principales proyecciones tendrán lugar en el Salón de Actos Ovidio Lucio Blanco de la Biblioteca Municipal Valentín García Yebra, mientras que la sección infantil Menuda Sesión se desarrollará en Cines La Dehesa. Las sesiones del festival en la biblioteca son gratuitas y las películas que no sean en español se proyectan en versión original subtitulada en castellano, salvo las destinadas al público infantil, que se ofrecen dobladas. Las proyecciones de la sección infantil tendrán un precio de dos euros por alumno.

La programación, día a día

Jueves 1 de octubre — 19.00 horas

La inauguración arranca en la Biblioteca Municipal Valentín García Yebra con 'Miradas Cercanas', una sección dedicada a cortometrajes de León, Galicia y Asturias. El programa incluye 'Una mujer que conocí llamada Yudita', 'As maos da pulpeira', 'Raíces', '365 días después' y 'Los rapaces', cinco trabajos que recorren historias personales y territorios próximos, con especial presencia del medio rural y del Bierzo.

Viernes 2 de octubre — 19.00 horas

La sección 'Nuestro Cine de Siempre' recupera la película 'Cualquier día, en cualquier momento', rodada en 1983 por Carlos de Cabo en Ponferrada y distintos puntos del Bierzo. La cinta fue realizada como parte de una experiencia pedagógica de Escuela Abierta y Cine y fue digitalizada y revisada por la Biblioteca Municipal para su proyección dentro del festival.

Sábado 3 de octubre — 19.00 horas

La jornada estará dedicada a 'BAFTA Shorts 2026', una selección internacional e itinerante del British Council y los British Academy Film and Television Awards. El programa reúne cortometrajes británicos de animación y acción, entre ellos 'Cardboard', 'Solstice', 'Two Black Boys in Paradise', 'This is Endometriosis', 'Terence', 'Magid/Zafar', 'Welcome Home Freckles' y 'Nostalgie'.

Lunes 5 de octubre — 19.00 horas

Comienza la competición nacional de 'Miradas en Corto', con seis cortometrajes: 'Ser un hombre', 'Ultramarino', 'El color gris', 'Conexiones inesperadas', 'El fantasma de la Quinta' e 'In memoriam'.

Martes 6 de octubre — 19.00 horas

La segunda sesión del concurso nacional reúne 'Cara de bicicleta', 'Te dejo el mar', 'Montecarlo 67', 'Pordentro', 'Una vocal' y 'Cara de cona'. Las historias abordan cuestiones como la identidad, la memoria familiar, la eutanasia, la relación entre generaciones o la vida en el medio rural.

Miércoles 7 de octubre — 19.00 horas

Llega el turno del concurso internacional de cortometrajes, con seis trabajos procedentes de Noruega, Canadá, Francia, Italia, Brasil y Perú: 'Nåde (Mercy)', 'Hatch', 'La Première Marche', 'Sunday', 'Presépio (El Pesebre') y 'La mudanza'.

Jueves 8 de octubre — 19.00 horas

La segunda sesión internacional presenta otros seis cortometrajes: 'Allá en el cielo', 'Joyeux Anniversaire', 'Last Shot', 'Tinku', 'Sofiane' y 'Stakkars Meg (Poor Me)', con producciones de Perú, Colombia, España, México, Francia, Países Bajos, Bolivia, Chile y Noruega.

Viernes 9 de octubre — jornada de clausura

El último día concentra dos propuestas. A las 12.00 horas, la Biblioteca Valentín García Yebra acogerá el concurso internacional de cortometrajes de 'Escuelas de Cine', con '175', 'Alergia', 'Davi' y 'The Piano'. La sesión está especialmente orientada a centros educativos, aunque también tendrá entrada libre para el público general hasta completar el aforo.

A las 19.00 horas, el festival cerrará su programación con 'Nuestro Cine Actual' y la proyección de 'La huella del Temple', documental de Alberto Carpintero sobre la historia, las leyendas y el patrimonio templario de Ponferrada. El largometraje recorre lugares como el Castillo de los Templarios, la Biblioteca Templaria, el casco antiguo, la Basílica de La Encina, la Torre del Reloj y la plaza del Ayuntamiento.

Cine infantil y actividades educativas

El festival mantiene además una programación específica para los más pequeños. De lunes 5 a viernes 9 de octubre, a las 11.00 horas, los Cines La Dehesa acogerán 'Menuda Sesión', dirigida a los colegios de Infantil y Primaria. Se proyectarán 'Heidi, el rescate del lince' y 'La bicicleta de Bartali', dos películas con contenidos educativos y en valores. Esta actividad tiene un precio de 2 euros por alumno.

También se desarrolla durante todo el periodo del festival y hasta el 30 de noviembre el programa 'Ver para Educar 2026', que lleva el cine a las aulas de los centros educativos de Ponferrada. La propuesta incluye los cortometrajes 'Superescolares 2'. 'Una mente sana', 'Goma' y 'Normal', y el acceso online es gratuito para los centros participantes previa inscripción.

Un festival con el público como jurado

Una de las particularidades del FICP es que los premios de las secciones oficiales a concurso serán votados por el público asistente a las proyecciones, mientras que las menciones y accésits corresponden a la organización, los comités de selección o los jurados correspondientes.

El festival mantiene así su apuesta por combinar la producción cinematográfica nacional e internacional con una mirada específica hacia el territorio. 'Miradas Cercanas', 'Nuestro Cine de Siempre' y 'Nuestro Cine Actual' ponen el foco en obras rodadas en el Bierzo o realizadas por autores bercianos, mientras que las secciones oficiales abren la programación a trabajos de España y otros países.

Toda la programación y posibles cambios de última hora pueden consultarse en la web oficial del festival: Festival Internacional de Cine de Ponferrada. La organización advierte de que la programación podría sufrir modificaciones por causas ajenas al festival.

Guía rápida

1 de octubre, 19.00 h: Miradas Cercanas — Biblioteca Valentín García Yebra.

2 de octubre, 19.00 h: Nuestro Cine de Siempre — Biblioteca Valentín García Yebra.

3 de octubre, 19.00 h: BAFTA Shorts 2026 — Biblioteca Valentín García Yebra.

5 de octubre, 19.00 h: Concurso nacional, programa 1 — Biblioteca Valentín García Yebra.

6 de octubre, 19.00 h: Concurso nacional, programa 2 — Biblioteca Valentín García Yebra.

7 de octubre, 19.00 h: Concurso internacional, programa 1 — Biblioteca Valentín García Yebra.

8 de octubre, 19.00 h: Concurso internacional, programa 2 — Biblioteca Valentín García Yebra.

9 de octubre, 12.00 h: Concurso internacional de Escuelas de Cine — Biblioteca Valentín García Yebra.

9 de octubre, 19.00 h: La huella del Temple y clausura — Biblioteca Valentín García Yebra.

5 al 9 de octubre, 11.00 h: Menuda Sesión — Cines La Dehesa, dirigida a colegios.

1 de octubre al 30 de noviembre: Ver para Educar — programa online para centros educativos.

Programa completo

Las fiestas de San Froilán ofrecen este miércoles 30 de septiembre una programación con verbenas, propuestas culturales y música en directo. La actividad comienza en la Plaza Mayor, con el mercado de 9.00 a 14.00 horas. Por la tarde, el barrio de Las Ventas celebra a las 18.00 su ‘Tarde de fiesta’ y el Equinoccio de Otoño’26 en la plaza Juan de Austria, con la animación musical de La Clave de Sol. A esa misma hora, el paseo de la Condesa acoge una verbena del Programa de Mayores con motivo del Día del Abuelo.

Gaudí protagoniza las citas culturales de la jornada. El Museo Casa Botines acoge a las 19.00 horas la conferencia ‘Salud e higiene en Gaudí’, impartida por Cecilia Casas. Después, a las 20.30, el Auditorio Ciudad de León proyecta El sueño de Serpentina. Un cuento imaginario de Gaudí. La oferta de ocio continúa en el jardín de San Francisco, donde el festival gastronómico Come y Calle abre de 12.00 a 00.00 horas y pone música a la noche con el concierto de rock de Malos Versos, a las 21.30.

Como cita gastronómica este miércoles comienza también las degustaciones de productos de Leche Gaza en la plaza de San Marcelo, que se mantendrán hasta el 4 de octubre. Continúa, además, la sexta Ruta de la Morcilla, con tapas a 3,50 euros hasta el 18 de octubre en diversos bares de la ciudad. También se pueden visitar exposiciones como ‘Gaudí y la ciudad moderna’ y ‘Ángel Estrada: Forma y Luz’.

Si quieres saber qué habrá mañana, pincha en la aplicación en la fecha que quieras que te saldrá todo lo correspondiente a esa jornada, de esta manera podrás preparar mejor tus planes.

Dentro del marco de la programación oficial del 39º Festival de Música Española de León, mañana jueves 24 de septiembre a las 20:00 horas, el Teatro El Albéitar de la Universidad de León acogerá una sesión de cine coloquio del Proyecto LUZ, un encuentro directo con el reconocido director de orquesta, investigador y académico José Luis Temes.

Coincidiendo con sus 40 años de trayectoria en los escenarios, el Premio Nacional de Música en el año 2008 lidera esta ambiciosa serie audiovisual que rescata grandes partituras del sinfonismo español para convertirlas en el hilo conductor de relatos visuales sobre nuestra cultura. En esta cita especial en León se presentarán sus dos recientes producciones: LUZ 19 y LUZ 21.

Bajo el título 'LUZ 19: El milagro del teatro', el proyecto firma una emotiva carta de amor a los profesionales que hacen posible levantar el telón día a día. La producción toma como base musical las históricas Sinfonías 1 y 2 de Miguel Marqués, interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Málaga bajo la batuta del propio Temes. La pieza cuenta con la colaboración de grandes nombres de la escena española como Manuel Galiana, Luis Merlo y Natalia Millán.

Por su parte, 'LUZ 21: Francesca en Albarracín' traslada al espectador a una de las ciudades medievales mejor conservadas de Europa. A partir de la obra maestra Tres imágenes de Francesca (1990) de Alfredo Aracil (Premio Nacional de Música 2015, quien también ha anunciado su presencia) -e interpretada por la Orquesta Sinfónica de RTVE-, la película fantasea con la llegada nocturna de Francesca de Rímini, personaje de Dante en 'La divina comedia', a la localidad turolense. La actriz María Algora y la compañía de danza La Venidera protagonizan este viaje de la barbarie a la concordia.

El público leonés tendrá la oportunidad de visionar ambos mediometrajes y participar en el posterior coloquio con José Luis Temes para conocer los entresijos de este proyecto que supera ya la veintena de entregas estrenadas.

León capital, que pudo tener un teatro modernista en San Marcelo, espera anhelante la reapertura del Emperador, a cuya fachada se arrimaban curiosos para alzar la vista y comprobar si se veía algo bajo las faldas de Kelly LeBrock en el cartel de La mujer de rojo. Ponferrada, que era la Ciudad del Dólar cuando Juanito Valderrama parió la letra de El emigrante tras actuar en el Edesa, tiene hoy un filón, cultural pero también con repercusiones económicas, en el Bergidum. Las efemérides (el Emperador cumple 75 años de su apertura y el Bergidum 30 de su reapertura) marcan el congreso Teatros y cines en León y provincia, donde también se analizan hasta este jueves cuestiones como la paradoja de que los cines fueran al mismo tiempo arma de evasión y de control en las cuencas mineras o la importancia tanto de grandes transatlánticos como la ELDE (Empresa Leonesa de Empresarios) como de pequeños emprendedores en el rural.

La cita, que subraya la importancia de edificios que van mucho más allá de los muros y los ladrillos ahora que en Ponferrada ir al cine pasa inexcusablemente por acudir a un centro comercial, es el resultado de un esfuerzo colectivo capitaneado por sus coordinadores. Son el profesor de Historia Contemporánea de la UNED Francisco Balado Insunza y el director de la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León, Jorge Martínez Montero, que ha coronado el trabajo con una obra monumental: el libro Teatros y cines leoneses.

¿Qué impacto social tuvo en León la llegada del teatro? ¿Fue comparable al que tuvo después del cine? ¿Y cómo convivieron ambos a principios del siglo XX?

Jorge Martínez: Las producciones teatrales ya tienen importancia en la ciudad de León en los siglos XVII y XVIII. Con la invención del cinematógrafo, empiezan a tener un menor calado. Ahí el público experimenta un cambio. ¿Por qué? Porque ya la gente tiene un espacio concreto donde sociabilizar. Es una manera de abrir las ventanas al mundo: el cine implica nuevas miradas, nuevos paisajes y una cierta reflexión. A partir de los años diez del siglo XX, cuando se construye el Teatro Alfageme, es cuando empieza a pugnar lo teatral con lo cinematográfico. Y a partir de grandes estrenos cinematográficos como el de Quo Vadis, empieza a tomar mucha más fuerza lo cinematográfico. El coste de traer a las compañías teatrales era muy elevado hasta el punto de que se dejaban, ex profeso, para festividades concretas. El resto del año era inviable tener una programación estable.

A partir de los años diez del siglo XX, cuando se construye el Teatro Alfageme, es cuando empieza a pugnar lo teatral con lo cinematográfico en León. Y a partir de grandes estrenos cinematográficos como el de 'Quo Vadis', empieza a tomar mucha más fuerza lo cinematográfico

Jorge Martínez — Coordinador del Congreso Teatros y cines en León y provincia

Se ha puesto sobre la mesa del congreso que la provincia tuvo en torno a 200 cines y teatros. ¿Hablamos de recintos físicos, al margen de las proyecciones ambulantes?

Francisco Balado: Hablamos de cines y teatros, pero no todos a la vez, sino a veces en el rango cronológico que va desde la llegada del cine hasta el declive del cine. Pero sí, hubo cerca de 200 recintos físicos.

J.M: A veces conviven en el mismo espacio diferentes cines; en la propia localidad, o incluso en el mismo solar: se construye uno, se derriba y se levanta otro con el paso del tiempo.

¿Y cómo podemos ilustrar la importancia que tuvieron las proyecciones ambulantes?

J.M.: El cinematógrafo surgió con los Lumière en 1895. A la ciudad de León llegó cinco años más tarde. Y empiezan a realizarse esas primeras proyecciones al aire libre con esas barracas en la plaza de San Marcelo. Hay numerosos cinematógrafos que llegan aquí para realizar esas proyecciones. Los agustinos también tuvieron peso. El Recreo Industrial fue uno de los primeros lugares donde se realizaron esas proyecciones y donde adquirieron un cinematógrafo, un Lumière, Tuvieron muchísimo éxito.

¿Y en el medio rural?

J.M: Ahí llegaron mucho más tarde.

F.B: Hay muchos casos. Pero parte de esa memoria se nos ha perdido. Convivieron los físicos con los ambulantes, porque hay cine ambulante incluso hasta en los años sesenta. Pero no tenemos fuentes a las que poder acceder más que testimonios de gente que ya no se nos ha ido. Yo cito a Damián Tascón, que era un hombre muy emprendedor. En Piedrafita de Babia, donde hubo un cine físico, los mineros salían de la mina y Damián les proyectaba películas en una especie de cobertizo. Y además de proyectar la película, les ofrecía refrescos... Este tipo de cine ad hoc, para colectivos, también es un cine ambulante. Pero, sobre todo, había gente que se dedicaba a ir por los pueblos, como ha contado en el congreso Chema Sarmiento. Yo tengo localizados a varios, pero a través de referencias muy difusas. Había un tal Contreras, que iba por los pueblos del Alto Bierzo. Y cuenta Melchor Moreno que les daba dinero si lo promocionaban. Tenían que decir: “Que viene Contreras y su cine”.

Hay un apartado del congreso dedicado a las cuencas mineras, donde el cine era un elemento de evasión del trabajo, pero también de control por parte de los empresarios o del régimen franquista. ¿Cómo convivía una cosa con la otra?

F.B: Convivía de una manera muy sorprendente. Después de la Guerra Civil, hay un boom de la minería. Y España es una dictadura. El control social está por definición en un sistema autoritario, sobre todo al principio. Cualquier forma de expresión externa tiene que someterse primero a una censura; segundo, a una propaganda, a través del NO-DO, que se emite en todos los cines antes de la película; y tercero, las películas fomentan los valores que el régimen quiere. Pero eso se va matizando con el tiempo. Y al final llegan películas como Gilda. Y no censuraron la raja de la falda de Rita Hayworth. El control total es muy difícil. Pero hay otros controles. Está el de la Iglesia: las parroquias, sobre todo en los pueblos, los utilizan para la catequesis, para adoctrinar; se proyectan películas que tienen que ver con todo ese componente. Y tenemos empresas mineras, que tienen la misma filosofía proteccionista que el Estado. Y también llevan a cabo ese control social: y a los operarios y a sus familias les proporcionan desde el economato hasta la vivienda, y también el ocio, que está dirigido. Y utilizan espacios, como hace la Hullera Vasco-Leonesa, para sus propios programas formativos. Y hay fotos del cine de Ciñera con celebraciones como el día del trabajador. Pero todo eso convivía con la cuestión emocional que tiene el cine, y su capacidad de llevarte a sitios que no vas a conocer nunca. Y eso sin desdeñar el resto de cines del resto del mundo rural, que fueron también muy importantes.

¿Hasta qué punto el Edesa fue en Ponferrada causa, consecuencia o las dos cosas del trasvase de actividad social, económica y cultural del casco antiguo a la Puebla?

F.B.: El Bergidum empieza como cine y luego se convierte en teatro. Y se baja hacia la Puebla, hacia el ensanche, hacia la expansión con los años cincuenta. Y no sólo fue importante el Edesa: nacen también el Adriano o el Morán. Incluso en un barrio como Flores del Sil nace el Cine Sil, que tenía un aforo de 1.400 personas. No duró mucho, pero era algo impresionante.

J.M.: Era el Emperador berciano.

San Miguel de las Dueñas, donde en 1953 comienza Coto Wagner y Coto Vivaldi con el hierro, pasa de 600 habitantes a más de 2.000 en cinco años. Y hay en el plazo entre 1956 y1959 cuatro proyectos de cines. Sólo hubo al final un cine, pero hasta tres grupos de emprendedores, uno de ellos el alcalde, vieron ahí un negocio

Francisco Balado — Coordinador del congreso Teatros y cines en León y provincia

¿Qué particularidades tenían las empresas y los empresarios del sector?

J.M.: Hablamos de personas que tenían un auténtico monopolio en la época, que además formaban unas estructuras empresariales que aglutinaban linajes familiares, como ocurría en otros sectores de la sociedad leonesa. Y eso les permitió ir poco a poco arrendando y comprando espacios teatrales y escénicos. Y cuando surgía un nuevo espacio cinematográfico o teatral que supusiera una posible amenaza para su control, lanzaban rápidamente una opa para intentar hacer que ese que ese espacio estuviera bajo su control o que estuviera controlado.

F.B.: Y había pequeños emprendedores. Había empresas familiares, muy pequeñas, sobre todo en los pueblos. Veían el negocio, pero muy circunscrito a ese pueblo. Y también había quieros y no puedos: gente que tenía un solar y solicitaba un proyecto, incluso una simple memoria, a los arquitectos. Un ejemplo claro es San Miguel de las Dueñas, donde en 1953 comienza Coto Wagner y Coto Vivaldi con el hierro. Y San Miguel pasa de 600 habitantes a más de 2.000 en cinco años. Tiene estación de tren. Y hay en el plazo entre 1956 y1959 cuatro proyectos de cines. Sólo hubo al final un cine, pero hasta tres grupos de emprendedores, uno de ellos el alcalde, que vieron ahí un negocio.

El teatro y el cine, en la contemporaneidad y sobre todo en el siglo XX, es un elemento absolutamente indisociable de la evolución social de cualquier lugar. Hay otras provincias en que la evolución puede ser más anodina. Aquí, la propia importancia que tiene la industria minera en la provincia hace que eso se expanda en diferentes ámbitos

Francisco Balado — Coordinador del congreso Teatros y cines en León y provincia

¿Y a ese fulgor lo va matando la reconversión económica, la tecnología, la televisión?

F.B.: La entrada del consumo de televisión en los hogares es lo primero que afecta al cine en los años sesenta y principios de los setenta. Luego afecta, ya en los años setenta, la propia crisis, aquí en esta provincia con repercusiones en la minería y la industria en general. Y a finales de los años setenta y principios de los ochenta llegó el vídeo, que fue matando al cine poco a poco. Los cines pequeños en los pueblos son los primeros que desaparecen, lógicamente. En 1985 ya prácticamente no queda ninguno de aquellos cines, salvo los emblemáticos que todavía hoy funcionan: Cistierna, Villablino y poco más.

J.M.: Y esos sobreviven fundamentalmente por el cine infantil. Porque los grandes estrenos, a golpe de clic en una plataforma, los ves en tu domicilio. Y ya no vas a no ser que sea una experiencia sensorial de un 3D, de unas gafas de realidad virtual, experiencias inmersivas, que es lo que actualmente busca el espectador en el ámbito cultural. Si no, están en declive, absolutamente.

F.B.: Al investigar todo esto te das cuenta de cómo el teatro y el cine, en la contemporaneidad y sobre todo en el siglo XX, es un elemento absolutamente indisociable de la evolución social de cualquier lugar. No sé si del mundo. Y en León es especialmente significativo por la propia configuración y el devenir de la provincia. Hay otras provincias en que la evolución puede ser más anodina. Aquí, la propia importancia que tiene la industria minera en la provincia hace que eso se expanda en diferentes ámbitos.

El congreso ha analizado edificios pensados por y para el cine y el teatro. Y hoy en Ponferrada, y por extensión en todo El Bierzo, para ver una película en el cine hay que ir a un centro comercial. ¿Cómo cambia eso la perspectiva?

J.M.: Es la sociedad de consumo en la que nos encontramos. Estamos en un momento en el que, por mucho que uno quiera, irremediablemente tienes que entrar a esos espacios, consumir y tenerlo todo a mano. Es como la inmediatez en el acceso a la información. Estamos en una sociedad en la que necesitamos el consumo y la inmediatez.

El Emperador no es un mero edificio, sino que está imbricado en las emociones, en la intrahistoria, en la imaginación y la idiosincrasia de los leoneses. Cuando un edificio trasciende y provoca la identificación de las personas, va mucho más allá de una mera declaración y de una mera protección

Jorge Martínez — Coordinador del congreso Teatros y cines en León y provincia

¿Qué está suponiendo el Teatro Bergidum para Ponferrada y qué tendría que suponer la anhelada recuperación del Teatro Emperador para León?

F.B.: Yo creo que todos estamos de acuerdo en que el Bergidum es el auténtico motor cultural de la ciudad. Eso no tiene discusión de ningún tipo. Gracias al Bergidum, Ponferrada tiene una actividad cultural ya no sólo teatral, sino todo lo que alrededor del Bergidum se hace. Y eso demuestra cómo una actividad cultural, en este caso el teatro, puede ser un motor económico; y hacer de una ciudad que no tenía hace 30 años, ni de lejos, una mínima actividad cultural, pues un lugar al que la gente acude, entre otras cosas por su actividad cultural.

J.M.: El Emperador supuso, hace 75 años, un revulsivo para la ciudad. Significó la gran apertura cultural para la ciudad, constituyó la joya de la corona de la ELDE (Empresa Leonesa de Espectáculos) y, a día de hoy, supone el gran reto cultural que tiene esta ciudad. Lo tiene; y, además, debe cerrar ese episodio pendiente porque la sociedad lo demanda. El Emperador no es un mero edificio, sino que está imbricado en las emociones, en la intrahistoria, en la imaginación y la idiosincrasia de los leoneses. Cuando un edificio trasciende y provoca la identificación de las personas, va mucho más allá de una mera declaración y de una mera protección. Y esa tarea pendiente va a hacer que nos reencontremos con el espacio, con la cultura y que la sociedad leonesa se sienta mucho más realizada volviendo a visitar, a disfrutar y a recordar las vivencias que tuvo en un espacio como ese. Como hemos perdido el Principal y el Alfajame, el único testigo que nos queda es el Emperador. Si no somos capaces de mantenerlo, conservarlo, restaurarlo y ponerlo en valor y darle una función, no estaremos cumpliendo con esa misión que tenemos, que es la de legar a nuestras generaciones futuras el patrimonio en su estado más óptimo. Todas las autoridades coinciden en que ahora está dando pasos de gigante, pero también es cierto que estamos en un periodo de finalización de legislatura y desconocemos qué va a ocurrir a partir del mes de mayo del año 2027. Y va para largo. Pero es un primer paso para que se haya reactivado. ¿Hay voluntad? Sí, y hasta el momento no había voluntad política. Pero se han dado cuenta de que este edificio es mucho más que un edificio.

Todos hemos experimentado en alguna ocasión esa llamada vergüenza del ganador al derrotar en cualquier disputa, generalmente deportiva, a alguien que sabemos que es objetivamente peor que nosotros. Puede haber sido jugando al ping-pong o al tenis, al baloncesto o al pádel, lo que es seguro es que en un determinado momento del partido nos sentimos invadidos por una incomoda sensación de altanería que se instala sin quererlo sobre nuestro estado de ánimo, una impertinente arrogancia que cambiaríamos casi al instante por ese estéril pundonor del que está vendiendo cara su derrota aún sabiendo que no tiene posibilidades de ganar. Es ese tipo de vergüenza que en cambio nunca ha sentido ese veloz pájaro animado que siempre salía airoso de los infinitos intentos perpetrados por el coyote para acabar con él, ese irritante correcaminos que zanjaba cada secuencia con un bip bip.

El animador Chuck Jones solo necesito dos personajes y todas las variantes imaginables de la misma secuencia para crear en 1949 esta serie de cortometrajes que parodiaban la tradicional y eterna disputa del gato y el ratón. El argumento de la serie tiene un planteamiento muy sencillo que nos muestra a nuestro hambriento coyote persiguiendo incansablemente por las carreteras del desierto a un correcaminos que nunca consigue capturar. A pesar de sus numerosas e ingeniosas tentativas cada episodio termina irremediablemente con el desdichado Willie Coyote siendo víctima de todas esas armas, trampas y herramientas de la marca Acme con las que pretendía dar caza a su compañero de aventuras. Con esta aparentemente simple idea y un fino sentido del humor la serie alcanzó un éxito rotundo entre una audiencia que abarcaba todas las edades y entre la que, curiosamente, era el coyote el que despertaba las mayores simpatías. Quizás para no sentir la vergüenza de ese ganador que apenas tiene personalidad y solo se expresa con un insultante bip bip cada vez que el coyote acaba explotando por los aires o cayendo por un barranco.

Ahora llega esta disparatada y divertida película que conjuga animación con imágenes reales para ahondar en una brillante premisa inicial: el coyote, harto de que todos los productos Acme salgan mal y acaben perjudicándole a él, decide contratar a un abogado humano para demandar a la empresa. A partir de esa idea las secuencias se suceden como un engranaje perfecto que une ese humor físico y contagioso del slapstick con una historia bien escrita, original y sin elevadas pretensiones de ir más allá de lo esencialmente gracioso.

Hay también algo que entronca con lo nostálgico al volver a ver a estos personajes, un viaje mental a nuestra infancia, a esa edad en la que nos sentábamos delante del televisor deseando con todas nuestras fuerzas que ese día, por fin, nuestro desastroso coyote acabará cazando al correcaminos.

La Casa Botines se convierte en uno de los protagonistas de 'El sueño de Serpentina', el nuevo cortometraje escrito y dirigido por el leonés Alfonso Ordóñez, presentado este martes en el Ayuntamiento de León. La película, concebida como un homenaje a Antoni Gaudí con motivo del Año Gaudí 2026, propone un viaje entre la realidad y la fantasía a través de la arquitectura del edificio diseñado por el arquitecto catalán.

La historia parte del sueño de una mujer, Ofelia, el personaje de Hamlet, aunque en esta ocasión su destino es distinto: en lugar de morir ahogada, renace. Su recorrido por distintos lugares de León la lleva hasta la Casa Botines, donde se transforma en Serpentina, un personaje relacionado con el arte, la fantasía y la poesía de 'El caldero dorado', del escritor alemán E. T. A. Hoffmann. La actriz Sheila Niño interpreta ambas identidades, mientras que Amador Matallana encarna a un joven Gaudí durante su llegada a León para construir la Casa Botines.

La película utiliza distintos elementos del edificio, sus piedras, mirillas, rejas con motivos vegetales y ventanas, para construir el relato. La arquitectura se convierte así en parte de la propia narración, acompañada por la luz, las texturas, la música, el canto y la danza. El equipo artístico cuenta con Juan Marigorta en la dirección de fotografía, Isabel Medarde en la ayudantía de dirección y dirección de producción y Josep Sanou en la composición musical. También participan bailarines de Infinity Dance Studio y el coro juvenil de Juventudes Musicales Ángel Barja.

'El sueño de Serpentina' está producido por Estudio Serpentín AIE y cuenta con el apoyo y colaboración de Año Gaudí, Museo Casa Botines, Fundos, Ayuntamiento de León, Aguas de León, Fundación RMD, Colegio de Arquitectos de León, Camarote Hotel y Kia Busanauto. Ordóñez, director, guionista, coreógrafo y bailarín, acumula más de tres décadas de trayectoria artística y ya presentó en marzo de 2025 el cortometraje 9 mujeres en el bosque lácteo.

El cortometraje se estrenará el miércoles 30 de septiembre a las 20.30 horas en el Auditorio Ciudad de León. La entrada será gratuita y las invitaciones podrán retirarse ese mismo día en las taquillas del Auditorio.

El Cineclub Luz de Cine de Astorga proyecta este jueves, 24 de octubre, la película La sociedad literaria y el pastel de piel de patata, producción británica de 2018 que adapta la novela homónima escrita por Annie Barrows y Mary Ann Schaffer con dirección de Mike Newell. La cita será a las 20.30 horas en el Cine Velasco.

La cinta propone al espectador un viaje a la isla británica de Guernsey para descubrir el secreto que esconden unos excéntricos personajes. Y está ambientada en dos momentos: durante la Segunda Guerra Mundial y la posguerra. La noticia de la existencia de una sociedad literaria inventada por unos curiosos personajes durante la ocupación nazi de la isla situada en el Canal de la Mancha, llega a través de una carta de un desconocido a la escritora Juliet Ashton que vive en el Londres de 1946 y no duda en viajar a Guernsey, donde conocerá a Dawsey, Eben, Isola y Amelia, miembros del club de lectura que guardan un secreto del que ninguno quiere hablar.

La sociedad literaria y el pastel de piel de patata narra los horrores de la guerra, la incomprensión de algunos combatientes, el miedo de la población, pero también la valentía, el compañerismo, el amor y el valor de las segundas oportunidades para alcanzar la vida que se quiere vivir.

El reparto está encabezado por Lily James, Matthew Goode, Jessica Brown Findlay, Michiel Huisman, Katherine Parkinson y Penelope Wilton. El director Mike Newell, un artesano del séptimo arte, ha dirigido, entre otros títulos, Harry Potter y el cáliz de fuego o La sonrisa de Mona Lisa.

La próxima cita de Luz de cine es el miércoles 30 con la proyección de Cleo de 5 a 7 (1962), dirigida por Agnès Varda.

El auditorio de la FCAYC acoge este sábado, 19 de septiembre, a las 18.00 horas la proyección de Salvaxe, salvaxe, seguida de un coloquio con su director y guionista, Emilio Fonseca, y la productora y coguionista Xiana do Teixeiro. La entrada será gratuita mediante invitación, disponible en fcay.org, hasta completar el aforo. La película se adentra en los montes de Galicia y del norte de Portugal siguiendo rastros, sonidos y ausencias del lobo ibérico para plantear una reflexión sobre la representación de la naturaleza y la relación entre los seres humanos y otras especies.

La obra combina cine experimental, investigación científica y trabajo de campo mediante cámaras automáticas y diferentes registros sonoros obtenidos en los territorios por los que transita el lobo. El diseño de sonido de Xoán-Xil López incorpora tecnologías utilizadas para monitorizar animales y micrófonos capaces de captar frecuencias fuera del espectro humano, posteriormente transformadas para hacerlas audibles.

La producción contó además con asesoramiento de investigadores vinculados, entre otras instituciones, al CIBIO-BIOPOLIS de la Universidade do Porto y a la Universidade da Coruña, al tiempo que buscó reducir el impacto del rodaje sobre los espacios naturales.

Salvaxe, salvaxe ha recibido la Biznaga de Plata al mejor documental en el Festival de Málaga, además del premio al mejor documental en la competición Galicia del Festival Internacional de Cine Play-Doc y una mención honorífica en el Premio de Cine Socioambiental del Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Fonseca desarrolla su trabajo entre el cine, la ilustración, la animación y la docencia, con especial atención a las relaciones entre humanos y no humanos, mientras que Xiana do Teixeiro es cineasta, productora e investigadora con una trayectoria vinculada a la perspectiva ecofeminista y al documental.

El Cineclub Luz de Cine de Astorga retoma la actividad este miércoles, 16 de septiembre. Y lo hace con la proyección de una película reciente, La voz de Hind (2025). Será a las 20.30 horas en el Cine Velasco.

La voz de Hind es un relato cinematográfico con tintes de documental sobre la noticia real ocurrida en el norte Gaza el 29 de enero de 2024 que sobrecogió al mundo. Una niña de 6 años, Hind Rajab, quedó atrapada en un coche bajo fuego del ejército israelí. Viajaba con sus tíos y sus tres primos huyendo de la ciudad, cuando fueron bombardeados, muriendo todos sus familiares, sólo se salvó ella. Hind realizó una llamada desesperada a la Media Luna Roja pidiendo ayuda.

La película reconstruye la tensión en la central de emergencias, combinando la voz real de la niña (cuya conversación de 70 minutos con las personas voluntarias de la ONG fue grabada) con escenas recreadas por actores.

Tratada con una exquisita sensibilidad, sin escenas violentas ni melodramas, la directora turca mantiene a lo largo del relato un medido equilibrio que no impide que los y las espectadoras perciban el sufrimiento real del genocidio palestino condensado en la voz de la niña, que finalmente falleció sin que la ambulancia que acudió a socorrerla la pudiera salvar porque el ejército israelí también bombardeó el vehículo sanitario y sus ocupantes murieron.

La voz de Hind fue rodada en una sola localización, la sala del centro operativo de la Media Luna Roja, donde transcurre la trama con la que Ben Hania ha querido preservar la voz de la niña y “hacerla resonar entre fronteras”. “Esto no va solo de memoria, sino de urgencia”, declaró la directora en una entrevista al periódico El País.

La película recibió numerosos premios en 2025, entre ellos el Gran Premio del Jurado del Festival de Venecia o el Premio del Público en el Festival de San Sebastián.

Luz de Cine regresa tras un par de semanas de ausencia debido a la celebración del Festival de Cine de Astorga. Y ya tiene definida su programación de todo el mes de septiembre, que se completará el día 24 con La sociedad literaria y el pastel de piel de patata (2018), dirigida por Mike Newell, y el 30 con Cleo de 5 a 7 (1962), dirigida por Agnès Varda.

La Fundación Jesús Pereda de Comisiones Obreras Castilla y León organiza este martes, 15 de septiembre, en el Museo de la Radio de Ponferrada la proyección del documental Siete días en mayo y la celebración de un coloquio posterior en torno a la matanza de abogados laboralistas de Atocha a manos de pistoleros de ultraderecha en enero de 1977, en plena Transición política hacia la democracia en España. Será a las 18.00 horas, con entrada libre y con la presencia del adjunto a la Secretaría General de CCOO Bruno Estrada.

Dirigida por Rosana Pastor, la película documental sitúa el atentado de Atocha dentro de una reflexión más amplia sobre los movimientos ultraderechistas europeos desde los años setenta hasta la actualidad.

“En el contexto actual es fundamental conocer cómo se consiguieron los derechos y libertades de los que hoy disfrutamos, el papel que desempeñaron las organizaciones obreras y democráticas y también la actuación de la extrema derecha”, señala el secretario comarcal de Comisiones en El Bierzo, Roberto Echegaray.

La dirección comarcal de CCOO anima a los bercianos a acudir a la proyección y participa en el coloquio en torno a un episodio clave en la historia de España del que próximamente se cumplirán 50 años y que afectó a una leonesa, la abogada Lola González, que sufrió lesiones muy graves y vio morir a su marido, Javier Sauquillo. El atentado ya fue en 1979 el argumento de la película dirigida por Juan Antonio Bardem Siete días de enero.

La sala de exposiciones de la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León abre este viernes, 11 de septiembre, la exposición Cartelería leonesa: Juan Antonio Velasco y el Teatro Emperador, una muestra que reivindica la memoria gráfica, cinematográfica y teatral de León y que se presenta como antesala del Congreso Teatros y Cines en León y provincia, que se celebra en León y Ponferrada del 21 al 24 de septiembre. El acto de inauguración está programado para las 11.00 horas. Y la muestra podrá visitarse hasta el 30 de noviembre.

La exposición, que podrá visitarse en horario ininterrumpido de lunes a viernes de 10.00 a 21.00 horas, reúne una selección de obras del cartelista Juan Antonio Velasco (Bembibre, 1932 - León, 2009), que han sido prestados para la ocasión por Laia Redondo, junto a numerosos programas de mano y carteles de cines y teatros leoneses, cinematógrafos procedentes del Museo del cine de Veguellina de Órbigo y una colección de objetos emotivos y singulares relacionados con el Teatro Emperador de coleccionistas particulares. A través de estas piezas, la exposición propone un acercamiento a la evolución de la cultura cinematográfica y teatral en León. Lo hace recuperando materiales que permiten evocar tanto los espacios destinados a las artes escénicas y al cine como la experiencia de quienes durante décadas acudieron a ellos.

Además, la celebración de esta exposición adquiere un significado especial al desarrollarse como antesala del Congreso Teatros y Cines en León y provincia, que tendrá lugar en León y Ponferrada. En este contexto, Cartelería leonesa: Juan Antonio Velasco y el Teatro Emperador contribuye a poner el foco sobre el importante patrimonio material e inmaterial asociado a los teatros y cinematógrafos de la provincia. Los carteles, programas de mano, aparatos cinematográficos y todos aquellos objetos vinculados a estos espacios constituyen testimonios de una historia cultural que forma parte de la memoria colectiva de León.

La figura de Juan Antonio Velasco ocupa un lugar destacado en la propuesta expositiva. Sus dibujos y carteles permiten acercarse al lenguaje gráfico empleado para anunciar las propuestas cinematográficas y teatrales, mostrando asimismo el valor artístico y documental de una cartelería que hoy constituye una parte significativa de la memoria cultural leonesa.

Así, la exposición plantea un diálogo entre arte gráfico, patrimonio, cine y teatro, recuperando piezas que permiten reconstruir pequeñas historias y experiencias relacionadas con los lugares de ocio y cultura que durante generaciones ocuparon un espacio destacado en la vida cotidiana de los leoneses.

Con esta propuesta, la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León se suma a la reflexión en torno a la conservación y puesta en valor del patrimonio vinculado a los teatros y cines de León y su provincia, justo en vísperas del congreso que reunirá a investigadores, profesionales y personas interesadas en este campo.

Fundos y la Filmoteca de Castilla y León, con el apoyo del Goethe-Institut, organizan un ciclo de cine mudo que se celebra el miércoles 9 y el jueves 10 de septiembre a las 19.00 horas en la sala semisótano del Museo Casa Botines Gaudí de la capital leonesa. El programa permitirá acercarse a dos obras fundamentales del cine de la República de Weimar. El miércoles se proyectará Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927), de Walter Ruttmann, y el jueves La caja de Pandora (1929), de G. W. Pabstel. La entrada (por la entrada principal del Museo) es gratuita hasta completar aforo.

Inspirándose en las técnicas de montaje del cineasta soviético Dziga Vertov, Ruttmann realizó Berlín, sinfonía de una gran ciudad contando con los mejores fotógrafos alemanes de la época, y se convirtió en un referente del género de “sinfonías de ciudades” y del cine de vanguardia de los años veinte del siglo pasado.

La caja de Pandora (1929), de G. W. Pabstel, encumbró a la actriz americana Louise Brooks. Tras su estreno en Alemania, los críticos rechazaron la película por considerarla una “parodia” de las obras de Wedekind acusando al director de hacer una versión escandalosa que mostraba a Lulú como “una devoradora de hombres”. La película fue proyectada en diversos países con metrajes diferentes según los cortes de censura de cada lugar. Actualmente la película es considerada una obra de culto del expresionismo alemán.

La Fundación Jesús Pereda de Comisiones Obreras Castilla y León y CCOO León organizan este miércoles, 9 de de septiembre, un acto que servirá para conmemorar el 50.º aniversario de la que se considera como asamblea general fundacional del sindicato, celebrada todavía en la ilegalidad. Lo hará en la sede de la Fundación Sierra Pambley (calle Dámaso Merino de la capital leonesa) a las 19.00 horas con la proyección de un documental y un coloquio posterior, actos abiertos al público.

Fue en julio de 1976, menos de un año después de la muerte del dictador Francisco Franco, cuando se celebró en la ciudad condal la cita que supuso un punto de inflexión en la trayectoria del movimiento surgido en defensa de los trabajadores al comenzar su transformación en un sindicato del cariz de los actuales.

El acto conmemorativo comenzará con la proyección del documental Valor decisivo. 50 años de la Asamblea General de Barcelona (1976-2026), seguido de un coloquio en el que intervendrán el director de la cinta, Miguel Ángel Sánchez, el primer secretario general de CCOO en Castilla y León, Javier Fernández, la primera secretaria de Mujer confederal de CCOO, Begoña Sanjosé, y el adjunto a la Secretaría General, Bruno Estrada, que ejercerá como moderador.

En el acto también se pondrá de manifiesto “la importancia de lo aportado al sindicalismo desde la provincia de León”, uno de los puntos de origen del movimiento de las Comisiones Obreras durante las huelgas mineras de los años sesenta.

“Háblame, musa, de aquel hombre de multiforme ingenio”… así comienza La Odisea, describiendo a Ulises como un héroe intemporal que trasciende la épica precisamente porque representa no solo al guerrero, sino también y sobre todo al aventurero que trata e ir más allá en la aventura como el poeta trata de ir más allá en belleza y el filósofo más allá en sabiduría…

Uno va al cine Van Gogh a lo de siempre, que es a buscar la inmortalidad por un par de horas o a ver si le entra una pulmonía con el aire acondicionado, pero esta vez salí del cine con la sensación amarga de que me habían cambiado la Ilión de Homero por una de esas ferias mecánicas que montan los norteamericanos cuando quieren ponerse estupendos. Decidía yo meterme en el patio de butacas a contemplar esa Odisea que ha filmado Christopher Nolan con sus relojes, sus truenos, sus hombres de hierro y sus trompetas atronadoras, y me di cuenta enseguida, entre el crujido de las palomitas y el estruendo de los efectos digitales, de que uno no debe ir a ver estas cosas cuando lleva la verdadera Grecia clásica metida en el tuétano desde que nos diera clase doña Tere en el Instituto Juan del Enzina.

A la ficción, señores, no se viene a que lo aturdan a uno con truenos de altavoz. El espíritu clásico griego, ese que Homero destiló entre la sal y la bruma del Egeo, entendía la ficción no como un pasatiempo de feria ni como un entretenimiento espectacular para adormecer el seso, sino como una búsqueda encarnizada, bellísima y brutal de la verdad, de la belleza y del sentido. Los antiguos griegos –nos lo dejó dicho muy claramente Carlos García Gual en ese librito imprescindible que es Grecia para todos–, aunque clasistas y misóginos, eran unos tíos formidables, inquietos, indomables, grandes amantes de la libertad y del saber. No eran monigotes de ordenador con armaduras relucientes dignas de Star Wars o cualquier otra space opera fílmica; eran hombres que miraban al horizonte y le pedían cuentas a los dioses sin arrodillarse del todo.

Decía Shelley, con ese ardor romántico que a uno todavía le conmueve en la penumbra de las cafeterías, que somos Grecia. Nuestras leyes, nuestras dudas, nuestros poemas, la forma en que nos enamoramos o nos desesperamos en la barra de un bar, todo nace allí en efecto. Por eso mismo, este empeño tan diletante y tan de nuestro siglo de querer modernizar el mundo antiguo no es más que la prueba palmaria de no haber entendido nada de su modernidad. Porque la modernidad griega no consiste en estar al día, ni en ponerse el traje de hoy, ni en la modernidad puntual y ramplona de la última moda. La de Grecia era –y es– una modernidad eterna. El olivo centenario, el mar que no se cansa, el vino denso, el teatro bajo el sol y la ciudad abierta a la palabra eran y son el signo distintivo de la Grecia clásica. Eso era lo moderno. Eso era el universo.

Por eso, cuando el cine de hoy pretende ponerse docto e imponerle al mito clásico los complejos de la ideología de turno –que si el postcolonialismo de salón, que si un sesgo de época para no herir susceptibilidades, hasta llegar al despropósito de plantarnos una Helena de Troya afro por imperativo de despacho–, uno solo puede llevarse la mano a la cabeza. Alterar el mito no es democratizarlo; es arruinar su lenguaje original y su esencia intemporal. Homero no necesitaba de nuestros folletos de corrección política, porque la suya era una libertad absoluta, trágica, inalcanzable para la mentalidad de un productor de Los Ángeles.

Nolan ha montado un engranaje perfecto, sí, una pirotecnia para deslumbrar a las masas, pero se le ha olvidado lo fundamental: el aliento de los dioses en la vela del barco, la mirada de Ulises hacia las costas de Ítaca, el olor a salvia y la dignidad tremenda de un pueblo que inventó la luz, y que era tan idealista que hasta llegó a ir a la guerra por una mujer: “Contemplad el rostro de la mujer que hizo zarpar mil barcos”...

Por eso, a uno le da hasta un poco de pena que Nolan no se haya enterado de que los griegos de la Hélade nos enseñaron que la búsqueda de la verdad va en serio, y por tanto ser desleal a Homero es como llevar los vaqueros rotos y que se te vea el culo: es dejar vergonzosamente patente nuestra decadencia.

Volví a casa, me serví un vaso de vino de Tridente (joya del Prieto Picudo de Pajares de los Oteros), y abrí el libro de García Gual para desintoxicarme de tanto artefacto, repasé el capítulo en el que nos habla del pasado heroico con sentido épico, ético y estético. A Grecia no se la moderniza, coño. Grecia ya nos estaba esperando al final del camino mucho antes de que nosotros naciéramos.

El cineasta berciano Chema Sarmiento será el protagonista de la reanudación del ciclo café-diálogo organizado por la Fundación Jesús Pereda de Comisiones Obreras Castilla y León. Será este jueves, 3 de septiembre, a las 17.00 horas en El Cafetín, establecimiento ubicado en la calle La Sal de la capital leonesa. Sarmiento dialogará con el expresidente de la entidad organizadora Ignacio Fernández.

Sarmiento, director de películas como Los Montes y El filandón, fue precisamente Premio Diálogo de la Fundación Jesús Pereda en el año 2012, año en el que estrenó la cinta Viene una chica, rodada en León capital sobre la base de varios cuentos del escritor lacianiego Luis Mateo Díez.

Berciano de Albares de la Ribera (Torre del Bierzo), Chema Sarmiento reside en París, donde fue profesor en la Escuela Nacional de Cinematografía en Francia. Es autor de documentales como una serie sobre Mahoma y Wolfram, la montaña negra, este último en torno a la explotación del wolframio en la Peña del Seo en los años cuarenta y cincuenta del siglo XX.

Por este ciclo de conversaciones vespertinas ya han pasado hasta la fecha Manuel Sierra, Aitana Castaño, José Luis Gutiérrez, Pilar Sancho y Celia Uve.

La presencia leonesa marca 'El camino borrado', el nuevo largometraje del director madrileño Isaac Berrocal, actualmente en fase de rodaje. La película está producida por El Ritual Producciones, compañía fundada por Chiti Abraira y Sonia Martín, y cuenta con la propia Abraira también como actriz. A ello se suma el leonés Javier Bermejo, que forma parte del reparto protagonista junto a Charo Gabella, Juan Olivares y Álex Mola.

El proyecto supone el segundo largometraje de Berrocal después de su debut con 'El Ritual de Huasao'. En esta ocasión, el cineasta se adentra en un drama social inspirado en hechos reales, concebido para abordar conflictos próximos que, pese a formar parte de la realidad, muchas veces permanecen fuera de la mirada de la sociedad.

La huella de León se extiende después a buena parte del equipo encargado de hacer posible la película detrás de las cámaras. Ricardo Fernández es el director de fotografía, acompañado por Iván Valdeón y David Méndez como ayudantes, mientras que Laura García Rodríguez ejerce como ayudante de dirección.

En el apartado de producción, Alejandro D. del Castillo ejerce como jefe de producción y trabaja junto a Nuria V. Martín y Marta Rodríguez. También participan Aran Gaspar, responsable de maquillaje y efectos especiales, y la cineasta leonesa Isabel Medarde, encargada del 'making of' y de la fotografía fija.

La relación entre Isaac Berrocal y los profesionales del audiovisual leonés no comienza con este largometraje. Buena parte del equipo repite colaboración con el director después de haber trabajado en proyectos como 'La Proeza' y 'La Ceremonia', dos producciones rodadas íntegramente en la provincia de León.

'El Camino Borrado' se presenta además como una producción “micro” por su reducido presupuesto, aunque sus responsables aspiran a que el resultado sea “mega” gracias a la experiencia, implicación y trabajo del equipo. El proyecto busca demostrar así que una película no necesita una gran inversión para abordar una historia ambiciosa y suma una nueva producción a la trayectoria de actores, productores, técnicos y cineastas leoneses que continúan abriéndose camino en el audiovisual.

La historia del Gordo de Villamanín tenía ya todas las características para convertirse en un guion de cine y, finalmente, así será. Una de las productoras más relevantes del sector audiovisual español (Sandra Hermida, cofundadora de la productora Colosé) ruedan una película documental sobre este incidente navideño que incluirá la grabación de un concierto de Carolina Durante el 1 de septiembre en la localidad leonesa durante sus fiestas patronales.

El documental, que tiene como título provisional 'El Gordo de Villamanín' cuenta con la producción conjunta de Morada Films y Colosé, esta última la empresa de Sandra Hermida, una de las figuras más relevantes del sector audiovisual español, quien ha producido las películas más taquilleras de Juan Antonio Bayona, como 'Lo imposible', 'La sociedad de la nueve' o 'Un monstruo viene a verme'.

Después de hacerse cargo de la producción de películas como 'Los domingos', recientemente galardonada con cinco premios Goya, la productora Colosé suma fuerzas con Morada Films para llevar a las pantallas la rocambolesca historia que rodea el sorteo del premio Gordo del año 2025, cuando cientos de personas pasaron de la ilusión a la confrontación en Villamanín tras descubrir un 'agujero' de 4 millones de euros en el premio. Poco más se sabe por ahora de este proyecto, a pesar de que ILEÓN ha preguntado a las dos productoras por más detalles.

Fue el pasado miércoles cuando las redes sociales de la Comisión de Fiestas de Villamanín y de las dos productoras anunciaron el evento 'El Día Gordo' en la localidad de la Montaña Central leonesa. A pesar de que la organización del evento ha jugado con el suspense, todo parece indicar que se trata de un concierto gratuito del popular grupo Carolina Durante, que se celebrará en el pueblo el 1 de septiembre. Este jueves por la tarde han confirmado la actuación de la banda liderada por Diego Ibáñez, una de las más populares de la escena española en los últimos años.

La actuación es gratuita, aunque es necesario reservar un lugar en campo de fútbol de Villamanín. Primero, por un motivo de aforo, pero también (y especialmente) porque es la forma de autorizar el uso de las imágenes del público que asista al concierto. Y es que el concierto forma en realidad parte del rodaje de este documental, tal y como figura en la confirmación de la reserva de las entradas.

“Después de todo lo vivido, nos merecemos un buen final. Y si vamos a hacerlo, vamos a hacerlo a lo grande”, explica la web que informa de este evento. Hay que destacar que durante la euforia que siguió al anuncio del premio Gordo, la Comisión de Fiestas se comprometió a celebrar las mejores fiestas patronales de su historia, aunque pronto se impuso la tensión al descubrir que los propios agraciados tendrían que acabar pagando (en este caso, de forma literal) el error de las papeletas.

Por otro lado, las fiestas patronales de San Juan Degollado de la localidad leonesa este año cuentan con una programación similar a fechas anteriores y comparable a otros pueblos similares de la provincia de León. Por ejemplo, algunas de las actividades son comidas populares, discomóvil, torneos deportivos y un 'supermegabingo'.

El origen de estos hechos que ahora serán la premisa del documental se remonta al final del año pasado, durante el tradicional Sorteo de Navidad de la Lotería Nacional. La Comisión de Fiestas de la localidad leonesa de Villamanín, en la Montaña Central de León, había sido la encargada de la venta de participaciones del sorteo de Navidad.

La mañana del lunes 22 de diciembre el Gordo el número 79432 resultó premiado con el Gordo de Navidad, del que la comisión de fiestas había vendido 450 participaciones. El total del premio rondaba los 26,5 millones de euros (con las retenciones fiscales) y, sin embargo, la alegría por esta lluvia de dinero pronto se transformó en un grave problema al comprobar que se habían impreso y vendido más participaciones que billetes de Lotería.

La Comisión de Fiestas de la localidad se vio obligada a reconocer que había un 'agujero' de 4 millones de euros en las cuentas, ya que un taco extra de 50 participaciones no contaban con el respaldo de los 10 décimos que le correspondían. La conmoción se apoderó del pueblo y la noticia protagonizó titulares y debates en las reuniones navideñas de toda España.

Después de varios días de crispación en el pueblo y tras una tensa reunión en la que participaron cientos de 'agraciados' del premio, se llegó al acuerdo de una 'quita' del 10% del premio de cada papeleta y, así, hacer que cada uno colaborase para cubrir el vacío de los 4 millones de euros. Finalmente, la cantidad que se repartió tras la retención fiscal fue de 26,5 millones de euros.

El Cineclub Luz de Cine de Astorga cierra su programación de agosto este jueves, 27 de agosto, con la proyección de La sala de baile (1983), del director italiano Ettore Scola. La sesión, que excepcionalmente se traslada al jueves en lugar del miércoles habitual, comenzará a las 20.30 horas en el Cine Velasco y permitirá recuperar en versión original una película construida sin diálogos y en la que la música asume el peso principal de la narración.

La película recorre la historia de Francia entre 1936 y 1983 sin abandonar un mismo salón de baile. A través de las sucesivas parejas y personajes que ocupan la pista, Scola refleja acontecimientos como la Segunda Guerra Mundial, la ocupación nazi, la Liberación, la llegada del Plan Marshall, la Guerra de Argelia o Mayo del 68. El paso del tiempo queda marcado por los cambios en los bailes, la indumentaria, los comportamientos y, especialmente, por una banda sonora que funciona como hilo conductor del relato.

La sala de baile es una adaptación cinematográfica de la creación teatral colectiva Le Bal, dirigida por Jean-Claude Penchenat. Scola mantuvo buena parte del reparto de la obra y suprimió por completo los diálogos, apoyándose en la expresión corporal, el humor y la música para reconstruir varias décadas de transformaciones sociales y políticas. En la banda sonora aparecen referencias que van desde Charles Aznavour y Charles Trenet hasta Django Reinhardt y Stéphane Grappelli, junto a piezas como La Marsellesa, Lili Marleen, Only You o La Vie en rose.

Ettore Scola (1931-2016) fue uno de los nombres fundamentales del cine italiano de la segunda mitad del siglo XX y una figura destacada de la commedia all'italiana. Tras comenzar su carrera como guionista, debutó como director en 1964 y firmó películas como C'eravamo tanto amati, Brutti, sporchi e cattivi, Una jornada particular y La familia. Su filmografía combinó con frecuencia la sátira y el retrato social con una mirada a los grandes acontecimientos históricos.

La película cuenta entre sus intérpretes con Francesco De Rosa, Rossana Di Lorenzo, Monica Scattini, Marc Berman, Geneviève Rey-Penchenat, Christophe Allwright, Jean-Claude Penchenat y Jean-François Perrier. Su trayectoria internacional estuvo acompañada de importantes reconocimientos: fue candidata al Óscar de 1984 a la mejor película en lengua extranjera, en representación de Argelia; Scola recibió el Oso de Plata al mejor director en el Festival de Berlín, y el filme obtuvo tres premios César, correspondientes a mejor película, mejor dirección y mejor música para Vladimir Cosma.

Jacques-Bénigne Bossuet (teólogo, escritor y obispo católico que vivió entre 1620 y 1704) tuvo, entre otros insignes menesteres, el de fungir como preceptor de Luis XV, para cuya educación personal escribió su Discurso sobre la Historia Universal, texto en el que se argumenta la evolución de la sociedad desde una óptica providencial. Considerado por muchos historiadores como el mayor apologeta del Antiguo Régimen (sistema de monarquía absoluta de ‘origen divino’ al que puso fin la Revolución Francesa), a los motivos de su celebridad podríamos agregar, no solo sus cualidades de gran orador (puestas de relieve en Oraciones fúnebres y en Sermones), sino la escritura de Máximas y reflexiones sobre la comedia, obra en la que arremete contra el teatro (en especial, contra el de Molière), acusándolo de ser surtidor de pecados y fuente de podredumbre moral.

¿Pero por qué todo este discurso sobre un personaje que, solo interesándonos por alguna razón muy especial, poco podría venir al propósito del tema que hoy nos ocupa?

Pues la razón es simple: mencionar a Jacques-Bénigne Bossuet no es un capricho sin más, sino una magnífica ocasión para citar una de sus frases más famosas, la cual nos conduce a explorar la necesidad de aparentar lo que no somos: ‘La más peligrosa de todas las debilidades es el temor de parecer débil.’

La debilidad de querer mostranos fuertes

Por lo general, de forma inconsciente, tendemos a aparentar lo que no somos como ‘mecanismo de defensa’ contra el miedo. Así, rechazamos lo que consideramos poco virtuoso o insuficiente para ‘competir’ con los demás en el concurso por ganar el éxito. A tal propósito, ponemos a disposición tanta energía, que corremos el peligro de quedar exhaustos en el terreno de la competición (nos viene a la mente Danzad, danzad, malditos, película dirigida por Sydney Pollack en 1969, cuyo título original es ‘The Shoot Horses, Don’t They?’ también traducido como Baile de ilusiones).

Según Carl Gustav Jung, rechazamos involuntariamente lo que nos molesta en nosotros mismos para asumir máscaras, escondiendo, en lo más profundo y oscuro del subconsciente, el miedo y sus variopintas formas de manifestación (las ‘sombras’ que se tornan vez más fuertes hasta llegar a dominarnos). Un ejemplo de fácil comprensión podría ser el siguiente: al sentirnos incapaces de realizar algo con éxito, estando limitados por el resquemor de ser rechazados, interpretamos nuestro sentimiento de debilidad como humillación o ridículo a ojos de los demás. Así, el reto personal de alcanzar una meta puede llegar a convertirse en obsesión de ser eficientes, productivos, geniales, guapos, etcétera a toda costa. Entonces, lejos de liberarnos de nuestra –por lo general muy subjetiva– concepción de ‘debilidad’, nos hacemos esclavos incondicionales de nuestro miedo al fracaso.

Resumiendo, no son esas caritas sonrientes y rebosantes de felicidad –esas que solemos mostrar en el perfil de las redes sociales– nuestro verdadero rostro, sino una respuesta a la presión de hacer ver que todo va bien, que estamos encantados de la vida y que solo nos falta dar un pequeño paso para alcanzar la gloria celestial.

¿Pero de dónde viene esta presión de querer aparentar que todo va bien?

Podríamos culpar a la sociedad, a la vida, al sistema político y a todo lo que se nos ocurra. Y sí, es cierto que la sociedad de la que somos ‘súbditos’ tolera que gastemos tiempo en hacer lo que nos venga en gana, siempre y cuando seamos eficientes y, sobre todo, económicamente solventes. De hecho, sin dinero no funcionaría jamás el régimen de consumo al que servimos y del que nos llenamos cual botellas de vino fino. Tener ‘posibles’ para consumir nos pone por encima de los demás y, a su vez, deviene requisito indispensable para conservar la apariencia de que todo va bien.

Sin embargo, como ocurre en cualquier historia de suspense (en las que ansiedad y tensión tienen que mantenerse en la trama para causar esa angustia que nos retuerce el estómago), ante esta necesidad de mantenernos activos en la competición por ser fuertes, guapos, eficientes, etcétera, surgen contratiempos que nos aplastan.

Podríamos hablar, por ejemplo, de quienes con más de cincuenta y cinco años no somos ya fácilmente aceptados en el mercado laboral, paradójicamente cuando la ley establece una jubilación a los sesenta y siete. Entonces, de nada valen la lipoescultura ni el lifting facial ni las dietas intermitentes ni cualquier otra técnica destinada a mejorar la apariencia física. Cuando llegamos con nuestro curriculum vitae repleto de experiencias y méritos, pero con fecha de nacimiento que supera el límite de aquella que ha sido estipulada para ser considerados ‘aptos’, se acaba el juego. Es este un maravilloso ejemplo de cómo la presión de querer aparentar que todo va bien (cuando posiblemente todo va de mal en peor) pasa a ser nuestra enemiga acérrima.

¿Vale la pena, pues, derrochar nuestra energía en apariencias?

Por supuesto que no. No obstante, nos empeñamos al máximo en creer que somos los protagonistas de una película –tan taquillera como salvaje– en la que ganaremos el primer premio de un concurso llamado ‘Baile de ilusiones’. Y de esta forma, además de la presión que sobre nosotros ejerce el sistema, nos exprimimos como limones a los que queremos extraer el mayor zumo posible, quedando, al final, ‘más secos que beso de suegra’.

¿Por qué lo hacemos? No sabemos responder a ciencia cierta. El príncipe Hamlet expresa en su soliloquio: ‘Ser o no ser, esa es la cuestión’… y quizá para ser, tengamos que aparentar lo que no somos, aunque preferiríamos tomarnos la vida con más calma.