Una película en la 'palra del Rebollar', dialecto del asturleonés que todavía sobrevive en el sur de Salamanca. Pastoris se estrenó este viernes 21 de agosto en los Cines Van Gogh de León y se seguirá proyectarándo este sábado y domingo a las 17.30 horas. La cinta de Pablo Moreno, ambientada en el mundo de la trashumancia del siglo XIX también llegará en septiembre al Cine Velasco de Astorga.

El asturleonés llega a la gran pantalla con esta película que busca recuperar las formas de vida, las costumbres y las tradiciones vinculadas al mundo pastoril y que se podrá ver todavía en los Cines Van Gogh de León este sábado y domingo en sesión de 17 horas. La cinta tiene además la particularidad de ser la primera ficción rodada íntegramente en la 'palra del Rebollar', una variedad lingüística del asturleonés que pervive en el sur de Salamanca y el norte de Cáceres y que se encuentra en peligro de desaparición.

Dirigida y escrita por Pablo Moreno, Pastoris es un drama histórico y etnográfico de 108 minutos que se proyecta en versión original en palra y subtitulada al castellano. La película está producida por Stellarum Films, Invértebra Films y Pocas Nueces, con un reparto encabezado por Sergio Cardoso, Marian Arahuetes, Laura Contreras y Antonio Reyes, además de las colaboraciones de Assumpta Serna y Denis Rafter.

Tras la Guerra de la Independencia contra el francés

La historia se sitúa a comienzos del siglo XIX, después de la Guerra de la Independencia, y tiene como protagonista a Domingo, un pastor al que su comunidad había dado por muerto durante la contienda. Cuando regresa a casa descubre que el mundo que conocía ha desaparecido y, convertido prácticamente en un extraño, acepta conducir un rebaño desde tierras salmantinas hasta los pastos de invierno de Extremadura.

Ese recorrido por las antiguas Cañadas Reales sirve a la película para reconstruir el universo de la trashumancia, pero también para plantear un viaje interior marcado por el desarraigo, la culpa y la búsqueda de una identidad perdida. La dureza del camino, la convivencia con otros pastores y la relación con la naturaleza obligan al protagonista a enfrentarse a las heridas que arrastra desde la guerra.

Un rodaje de un año para mostrar las cuatro estaciones

El rodaje se prolongó durante un año y pasó por escenarios naturales de las provincias de Cáceres, Salamanca y Burgos. El paisaje adquiere así un peso protagonista en una producción que pretende reivindicar el patrimonio inmaterial de las zonas rurales y rescatar costumbres, caminos ganaderos y formas de vida que prácticamente han desaparecido.

La recuperación lingüística es uno de los elementos más singulares de Pastoris. El uso de la 'palra del Rebollar' convierte la película en un vehículo para dar visibilidad a una variedad del asturleonés que cuenta actualmente con un ámbito geográfico muy reducido, al tiempo que vincula la historia con las culturas tradicionales de la frontera entre Salamanca y Extremadura.

Tras su estreno este viernes en León y sus dos funciones para sábado y domingo, la película ampliará su presencia en la provincia, ya que el Cine Velasco de Astorga tiene previsto incorporar Pastoris a su programación a partir del próximo mes de septiembre.

La Fundación Cerezales Antonino y Cinia, en Cerezales del Condado (León) proyecta el jueves, 20 de agosto, a las 19.00 horas la película 'Atlas oculto' realizada por la artista Anne-Laure Boyer, centrada en los pueblos que desaparecieron bajo las aguas como consecuencia de la construcción de grandes embalses.

'Atlas oculto' forma parte de un proyecto de investigación artística que Boyer desarrolla desde 2012 en torno a la desaparición de cerca de quinientos pueblos europeos debido a la construcción de grandes presas. Concebida como una fábula ecológica, la iniciativa indaga en las capas menos visibles del territorio y en las huellas que estos procesos de transformación han dejado en el paisaje.

La película se aleja de una reconstrucción histórica convencional para plantear un recorrido entre diferentes tiempos, lugares e imaginarios y hacer visible un particular atlas de territorios borrados por las narraciones vinculadas al progreso.

Tras la proyección se celebrará un breve coloquio con Anne-Laure Boyer, en el que además se dará a conocer una convocatoria abierta destinada a reunir fotografías, documentos y archivos familiares relacionados con los pueblos desplazados por la construcción de embalses. Las aportaciones recopiladas servirán para la escritura del libro 'Atlas oculto', concebido como la última etapa de esta investigación desarrollada durante más de una década. La Fundación invita así a participar a aquellas personas y familias que conserven materiales capaces de contribuir a recuperar la memoria de estos territorios desaparecidos.

El Cine Velasco proyecta, de la mano del club Luz de Cine, este miércoles, 19 de agosto, a las 20.30 horas, Father Mother Sister Brother (VOSE), la última película del director y guionista estadounidense Jim Jarmusch. Con 110 minutos de duración, la cinta propone una mirada a las relaciones entre padres, madres, hijos e hijas a través de tres historias aparentemente independientes, pero conectadas por una misma línea temática, distintos elementos comunes y un ritmo narrativo que aporta unidad al conjunto.

La primera de las historias presenta el reencuentro de los hermanos Jeff y Emily con su padre, que vive aislado en una antigua granja de Estados Unidos. En el segundo relato, las hermanas Lilith y Tim viajan hasta Dublín para visitar a su madre, residente en una vivienda de un barrio de la capital irlandesa. La tercera parte traslada la acción a París, donde los hermanos Skye y Billy vuelven a encontrarse tras la muerte de sus padres con el objetivo de recoger sus pertenencias. Jarmusch utiliza estos tres escenarios para explorar los vínculos familiares, las ausencias y las dificultades de comunicación entre generaciones.

Father Mother Sister Brother cuenta además con un amplio reparto encabezado por intérpretes de reconocida trayectoria internacional. Por la pantalla pasan Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Sarah Greene, Indya Moore y Luka Sabbat, que dan vida a los protagonistas de las distintas historias. La película combina la comedia con el característico tono contenido e irónico del cineasta estadounidense para abordar situaciones familiares marcadas tanto por lo cotidiano como por aquello que permanece sin decir.

La cinta plantea así una observación sobre la familia y sus relaciones internas, condicionadas por la distancia física y emocional y por el paso del tiempo. A través de los tres relatos, Jarmusch pone el foco en la progresiva pérdida de conexión entre sus personajes, inmersos en una sociedad en la que el trabajo, las responsabilidades y el ritmo de vida dificultan el mantenimiento de los vínculos personales. La proyección de Father Mother Sister Brother tendrá lugar a las 20.30 horas de este miércoles en el Cine Velasco.

El Ayuntamiento de Astorga ha aprobado por primera vez una ordenanza municipal específica para regular los rodajes cinematográficos, televisivos y publicitarios en la vía pública, una actividad que ha ganado protagonismo en los últimos años en una ciudad y un entorno que han servido de escenario para películas, documentales y series vinculadas al patrimonio histórico y al Camino de Santiago.

La nueva normativa, publicada este martes en el Boletín Oficial de la Provincia (BOP), establece una tasa para la ocupación del dominio público por parte de producciones audiovisuales y fija las condiciones de utilización de calles, plazas y espacios municipales.

En concreto, la ordenanza contempla una tarifa de 0,50 euros por metro cuadrado y día para los rodajes ordinarios, mientras que aquellos que impliquen reservas exclusivas de espacios públicos o cortes intensivos de tráfico deberán abonar una cuota fija de 150 euros por jornada.

La regulación forma parte de una ordenanza más amplia destinada a ordenar la ocupación temporal del espacio público por ferias, atracciones, puestos ambulantes, espectáculos y actividades audiovisuales.

Una tradición como escenario

La medida llega en un territorio con una larga relación con el cine y la televisión. Astorga y su comarca han acogido desde mediados del siglo XX numerosos rodajes gracias al atractivo de su patrimonio monumental y de localidades cercanas como Castrillo de los Polvazares, uno de los conjuntos históricos mejor conservados de la provincia leonesa.

A esa tradición se suma una actividad cultural ligada al séptimo arte que mantiene vivo el vínculo de la ciudad con la producción audiovisual, como demuestra la celebración del XXIX Festival de Cine de Astorga, que se desarrollará del 5 al 13 de septiembre y convertirá de nuevo a la localidad en punto de encuentro para profesionales, creadores y aficionados al cine.

Entre las producciones más conocidas destaca 'El desencanto' (1976), de Jaime Chávarri, considerado uno de los documentales más influyentes del cine español. La película convirtió en protagonistas la Casa de los Panero y otros espacios de Astorga vinculados a la familia del poeta Leopoldo Panero.

También la localidad maragata de Castrillo de los Polvazares fue escenario de 'La esfinge maragata' (1950), adaptación de la novela de Concha Espina, y de 'El mejor alcalde, el Rey' (1973), basada en la obra de Lope de Vega.

Otro de los títulos rodados en la ciudad fue 'El bosque del lobo' (1970), dirigida por Pedro Olea y protagonizada por José Luis López Vázquez, que incluyó escenas en la plaza de la Catedral y en la Casa de los Panero.

Más recientemente, la serie de Amazon Prime Video '3 Caminos' (2021) llevó a la pantalla distintos enclaves de la comarca, como Astorga, Murias de Rechivaldo o la Cruz de Ferro, en Foncebadón, reforzando la imagen de la zona como uno de los lugares más emblemáticos de la ruta jacobea.

La decisión municipal se enmarca en el auge del llamado turismo cinematográfico, un fenómeno que ha ganado fuerza en España al calor del éxito internacional de series y películas cuyas localizaciones se han convertido en reclamo turístico para miles de visitantes.

El Festival Internacional de Cine de Astorga reforzará este año su posición como escaparate del cortometraje español y cantera de nuevos talentos con una vigésimo novena edición que ha recibido 640 obras a concurso y que, por primera vez, incorporará a Portugal como país invitado, en un paso más hacia la internacionalización de un certamen que vuelve a ser puntuable para los Premios Goya.

El encuentro cinematográfico se celebrará del 5 al 13 de septiembre con una programación que combinará proyecciones, actividades culturales y encuentros en distintos espacios de la ciudad maragata, según han presentado este viernes el delegado territorial de la Junta en León, Eduardo Diego; el alcalde de Astorga, José Luis Nieto, y el concejal de Cultura, Tomás Valle.

La consolidación del festival como cita de referencia para el cortometraje se refleja en el elevado número de trabajos recibidos, un respaldo que llega además en el segundo año consecutivo en el que el certamen es calificativo para los Premios Goya en esta categoría.

La principal novedad de esta edición será la apertura internacional a través de Portugal, cuya cinematografía tendrá una presencia destacada y contará con un premio específico dotado con 1.000 euros.

Durante la presentación, Eduardo Diego ha destacado que la trayectoria del festival supone “un reconocimiento a la calidad del certamen” y al trabajo desarrollado durante casi tres décadas para situar a Astorga en el mapa cinematográfico nacional. También defendió el apoyo institucional a este tipo de iniciativas por su papel en el impulso a los creadores emergentes y en la dinamización cultural de las localidades.

La sección oficial se desarrollará principalmente en el Cine Velasco, mientras que otros espacios como la Biblioteca Municipal y el Teatro Gullón acogerán actividades complementarias. La gala de clausura y entrega de premios se celebrará el 12 de septiembre en el Teatro Gullón.

Juan Echanove, Premio de Honor

Uno de los momentos más destacados del certamen será la entrega del Premio de Honor al actor y director Juan Echanove, una de las figuras más reconocidas del cine y la televisión españoles. El festival distinguirá así una trayectoria vinculada a títulos como 'Madregilda', 'La flor de mi secreto' o 'Las chicas de hoy en día'.

Junto a los galardones principales, el festival mantendrá categorías orientadas a impulsar las nuevas generaciones de cineastas, entre ellas el Premio a Jóvenes Realizadores, destinado a participantes de entre 14 y 20 años, y el reconocimiento a la Mejor Interpretación Novel. También se entregarán premios al mejor cortometraje de Castilla y León, documental, animación, guion, fotografía y banda sonora, entre otras distinciones.

La programación paralela estará marcada este año por la figura de Antonio Gaudí, con la proyección de trabajos cinematográficos dedicados al arquitecto catalán coincidiendo con las actividades del Año Gaudí.

Además, el festival ampliará su presencia más allá de la capital maragata mediante sesiones de cine de verano en Villafranca del Bierzo y una colaboración con el Cortonaos Film Festival de La Palma, que permitirá intercambiar y exhibir una selección de obras entre ambos certámenes.

El XXIX Festival Internacional de Cine de Astorga cuenta con el apoyo de la Junta de Castilla y León, la Diputación de León a través del Instituto Leonés de Cultura, la Embajada de Portugal y diversas entidades locales.

La agenda de ocio de la provincia de León para el fin de semana entre los días 14 y 16 de agosto vendrá esta vez condicionada por las innumerables fiestas patronales en torno a las celebraciones de Nuestra Señora y San Roque en multitud de localidades. Por eso, en concreto el sábado 15 de agosto, fiesta nacional y en muchísimos pueblos de la provincia leonesa, destacan por encima de todo numerosas romerías tradicionales y populares que resaltamos una a una en esta información detallada.

Además, uno de los nombres propios del fin de semana será el de la cantaora Estrella Morente, que pondrá el domingo el broche a cuatro días de flamenco en León, con hasta ocho actuaciones desde el jueves.

La oferta musical del fin de semana tendrá también raigambre minera, en este caso asturiana, la que llevará Marisa Valle Roso este viernes al Museo de la Siderurgia y la Minería de Sabero.

Habrá cancha para literatura en diferentes formatos: la presentación en Villadepalos (Carracedelo) del libro de relatos de María José Montero ¿Nos echamos unas risas? Historias cotidianas; o la conferencia de Adolfo Álvarez Barthe sobre Dante en San Martín de la Tercia (Villamanín).

La agenda cultural se completará con más exposiciones, conciertos y otras citas, en ocasiones enmarcadas en las celebraciones festivas del 15 de agosto. A continuación puedes comprobar el calendario de eventos.

El eclipse solar se cuela esta semana en la programación de la II Semana Cultural, Rural y Sostenible Xuntanzas Argallando, que mantiene su esencia con una marcada apuesta por el cine en Villasinde, localidad perteneciente al municipio berciano de Vega de Valcarce. La cita se extiende entre el martes 11 y el sábado 15 de agosto.

La Asociación Sociocultural y de Desarrollo Rural Argallando organiza la programación, que incluye filandón, palabreiro de Villasinde (con expresiones típicas en el pueblo), árbol das familias, mercadillo sostenible, talleres de cardado y fiado de lana, restauración de muebles, cestería y madera, taller de pandereta y juegos de mesa, entre otras actividades.

Al coincidir la semana cultural con el eclipse solar, una de las citas destacadas del programa llegará el propio miércoles 12 de agosto, en El Campelín, bajo la dirección del experto en astronomía Mauricio González del Pliego, quien expondrá detalles del fenómeno y claves para conocer las estrellas. La jornada comenzará a las 19.00 horas con la entrega de las gafas protectoras. Y la organización anima a los asistentes a llevar silla, manta y algo de merienda.

Y el broche se pondrá el sábado 15 con el IV Festival de Cine Rural, que comenzará a las 20.30 horas con una cena popular, seguida de la entrega de premios del concurso de fotografía, el visionado de los cortos seleccionados, la entrega de premios del III Concurso de Cortos Rurales y música, baile y filandón para cerrar la noche.

El Museo de la Siderurgia y la Minería de Castilla y León, con sede en Sabero, cumple una nueva cita con su ciclo de cine de verano, centrado en los grandes clásicos del cine de comedia en blanco y negro. Lo hace este martes, 11 de agosto, a las 22.00 horas con la proyección de la película Una tarde en el circo, la novena en orden cronológico de los hermanos Marx, estrenada en 1939, dirigida por Edward Buzzell y producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Los interesados podrán disfrutar de la exhibición, con entrada gratuita, previa inscripción en el museo, en el teléfono 987718357 o en el correo didactica@museosiderurgiamineriacyl.es.

En la obra, de 87 minutos de duración, el joven Jeff Wilson es el heredero de una gran fortuna, pero decide romper con su adinerada familia para cumplir su sueño de trabajar en el circo. Tras invertir todos sus ahorros en comprar el espectáculo, las cosas se complican: el malvado gerente del circo, John Carter, planea apoderarse del negocio. Con la ayuda de unos cómplices, Carter roba los 10 000 dólares que Jeff guardaba en su camarote para pagar las deudas del circo.

Para evitar que el negocio quiebre y Jeff lo pierda todo, su fiel amigo Antonio (Chico Marx) y el ayudante Punchy (Harpo Marx) deciden buscar ayuda. Es entonces cuando contratan al abogado más incompetente y astuto del país: J. Cheever Loophole (Groucho Marx).

A partir de ese momento, el trío desatará el caos más absoluto en el circo. Juntos registrarán las instalaciones, se enfrentarán a forzudos y acróbatas, y trazarán un loco plan para recuperar el dinero. Su última esperanza consiste en asaltar la gran gala de la alta sociedad que organiza la rica tía de Jeff (Margaret Dumont), transformando una elegante fiesta aristocrática en una auténtica y disparatada función de circo.

Martes 11 de agosto. 22.00 horas

Museo de la Siderurgia y la Minería de Sabero. Plaza San Blas, 1

Entradas: gratuitas, con inscripción previa

El Cineclub Luz de Cine de Astorga no descansa en verano. Y abre su programación de agosto este miércoles 5 con la proyección de Fedora, una de las últimas películas dirigidas por el genial Billy Wilder. La cinta se exhibe a las 20.30 horas en el Cine Velasco.

Estrenada en 1978, Fedora es uno de los filmes más personales de Wilder, que ya para entonces había pasado a la historia del séptimo arte por rodar obras maestras como Perdición, El apartamento, Con faldas y a lo loco o Sabrina.

Protagonizada por William Holden y Marthe Keller, Fedora es también un emotivo homenaje al viejo Hollywood y una reflexión sobre el ocaso del sistema de estudios, narrada con la inteligencia, la ironía y la maestría visual de uno de los grandes cineastas de todos los tiempos.

El cine ha desplegado infinitos veranos sobre la pantalla, derroches de calor que se han instalado para siempre entre nuestros recuerdos. Algunas de esas películas han retratado veranos sureños y tórridos, relatos que quedan suspendidos sobre un calor húmedo y asfixiante.

En otras las altas y sofocantes temperaturas atraviesan la pantalla para arrebatarnos, para sumergirnos bajo oscuras tentaciones. Y otras nos hablan de primeras veces, de veranos que pertenecen a otras edades.

En cualquier caso, aquí les dejo cinco clásicos para refugiarse del bochorno que invade las calles ante ese otro calor que desprende el buen cine.

Un tranvía llamado deseo (1951) — Elia Kazan

La obra de Tennessee Williams encuentra su mejor expresión en este opresivo drama que derrama deseos y excesos sobre la pantalla. Marlos Brando sin camiseta como símbolo sexual de una época y Vivien Leigh descendiendo hacia la locura en ese piso diminuto donde las frases de dialogo suenan como puñales.

Doce hombres sin piedad (1957) — Sidney Lumet

Drama judicial de una vigencia argumental y estilística totalmente intacta. Teatro llevado al cine con una magistral realización y unas interpretaciones exactas y llenas de elocuencia expresiva. Doce desconocidos deliberando sobre la vida de un hombre bajo un calor asfixiante. Sudor y palabras impacientes para llegar a un veredicto.

La gata sobre el tejado de zinc (1958) — Richard Brooks

De nuevo Tennessee Williams llevado al cine y de nuevo otra memorable e icónica pareja protagonista. Paul Newman y Elisabeth Taylor despliegan sobre la pantalla un derroche interpretativo bajo la luz ardiente de un verano abrasivo y sureño. La avaricia, la mentira y el bourbon se cocinan a fuego lento en esta obra que es perfecta para disfrutar en una noche insomne de verano.

Verano del 42 (1971) — Robert Mulligan

Hay veranos habitados por la nostalgia de las primeras veces. Veranos sentimentales como este que narra el despertar sexual de un adolescente atraído por una bella mujer que acaba de perder a su marido en la Segyba Guerra Mundial. Bella película que nos transporta a esa edad del descubrimiento, a esa piel encendida que pertenece a su tiempo irrepetible.

Fuego en el cuerpo (1981) — Lawrence Kasdan

Película que revitalizó el cine negro a principios de los ochenta con una historia donde el deseo y la traición atraviesan la pantalla. Pocas veces se ha retratado ese sofocante calor que nos aturde hasta perder la cabeza como en este thriller que combina crimen y sudor a partes iguales. Kathleen Turner llegaría para quedarse y convertirse en mito erótico de los ochenta.

Apuesto a que muchos habéis visto El curioso caso de Benjamin Button, obra cinematográfica del dos mil ocho dirigida por David Fincher, basada en el relato homónimo de Francis Scott Fitzgerald cuya publicación vio la luz en 1922 (aclaramos que la película representa una versión adaptada a la gran pantalla, en la que se incluyen –como casi siempre sucede– situaciones y escenas que no aparecen en el texto original).

Se trata de la historia de un niño que nace con la apariencia y atonía de un anciano que va rejuveneciendo durante el transcurso de su vida. A pesar de que la historia es ficticia, hay quienes aseguran que hubo un Benjamin Button en la vida real, aseveración desestimada por falta de pruebas. Pero lo cierto es que existe una enfermedad genética muy rara, conocida como progeria o Síndrome de Hutchinson-Gilford, que consiste en el envejecimiento acelarado a partir de etapas muy tempranas de la vida (por lo general, desde el primer año de edad) y que trae consigo la muerte precoz de la persona a causa de afecciones (sobre todo, cardíacas) propias de la edad avanzada. Según datos actuales de la Progeria Research Foundation, en el mundo se cuentan doscientos veintitrés casos de infantes y adolescentes que sufren esta patología (véase). En España, a día de hoy, la enfermedad afecta solo a una niña, la pequeña Alexandra Pereaut, de diez años de edad.

El tiempo y su sentido

No es mi intención, sin embargo, meterme a profundizar en la extraña enfermedad, citada y resumida en renglones anteriores. Más bien, me gustaría detenerme en el relato escrito por Francis Scott Fitzgerald, en el que subyace una explicación subliminal del valor del tiempo en nuestra existencia.

El texto inicia con el nacimiento de Benjamin Button, en septiembre de mil ochocientos sesenta, en la ‘Clínica de Maryland para Damas y Caballeros’ de Baltimore. Al llegar al mundo, dicha criatura aparentaba unos setenta (hay versiones del texto que refieren ochenta) años, inexplicable acontecimiento que representó, ya no solo un horror, sino una vergüenza, tanto para el personal sanitario de la clínica como para el padre del crío. No obstante, este último, no teniendo otra posibilidad, accede a llevarse a casa al estrafalario bebé, sometiéndolo a atenciones inadecuadas para un adulto de edad avanzada. Así, a sus cinco años, Benjamin es enviado al parvulario, donde intenta jugar con otros niños. Sin embargo, su inexplicable contradicción entre edad cronólogica y edad biológica hace que no pueda librarse del bastón que lo sostiene, como tampoco de los achaques y dolencias propios de su ‘niñez anciana’.

Sucede, pues, que habiendo cumplido los doce, un buen día se mira al espejo y nota que sus arrugas han desaparecido. A partir de entonces, ‘nuestro protagonista’ comenzará a remozar progresivamente, pasando por variopintas vicisitudes que representarán importantes cambios en su vida y en su relación con sus semejantes, hasta el punto de que este proceso de paulatino ‘remozamiento involuntario’ (contrario a la ley natural) hace que llegue a ser más joven que su esposa, su hijo y su nieto…

Y así avanza por la vida, terminando sus días en el parvulario de su ‘vieja infancia anciana’, sometido a un rejuvenecimiento cada vez más acelerado que lo aproxima a la Nada, pues en la extraña regresión de su edad biológica, al llegar a bebé, merman sus capacidades cognitivas y físicas ‘hasta que todo se convierte en total oscuridad’. Benjamin Button ha realizado, en fin, un viaje circular en el tiempo, regresando al punto del que partió.

¿Hasta dónde podría ser real 'El curioso caso de Benjamin Button'?

A pesar de su inclusión dentro de la literatura de ficción, este relato describe una realidad mucho más veraz de la que podamos imaginar. Y es que –al igual que Benjamin Button– cuando llegamos a este mundo, lo hacemos con nuestras capacidades cognitivas a nivel cero, que son las del recién nacido que da sus primeros pasos por la vida, no con un bastón, pero sí absolutamente dependiente de sus progetinores. Luego (muy de acuerdo con el jesuita Pierre Teilhard de Chardin en su obra El fenómeno humano), nuestro recorrido consciente no es otra cosa que el proceso de evolución en el que ‘Alfa’ y ‘Omega’ se unen, teoría esta en la que ‘tiempo’ y ‘existencia’ se reiteran como conceptos que, a día de hoy, ni siquiera la Física Cuántica alcanza a explicar del todo.

Sin embargo, pensándolo bien, el tiempo es la única moneda de valor con la que contamos para pagar nuestro pasaje por la Tierra. Y por supuesto, no queremos derrochar ‘nuestro caudal de oro’ así como así. Sin embargo, lo hacemos –¡Y cuánto!–, convencidos de que ‘no perder el tiempo’ significa estar haciendo cualquier cosa sin parar y a toda prisa: ‘¡Yo sí que no pierdo mi tiempo!’, exclamamos con satisfacción por estar cumpliendo metas, la mayoría de ellas consideradas de suma importancia para nuestra existencia –¡Oh, insensatos que no reconocemos il dolce far niente!–…

¿Pero toda esta velocidad en nuestro hacer cotidiano, acaso nos vale para ser felices?

No sé, pero me gustaría hacerle esta pregunta –por ejemplo– a la cajera del supermercado que, cuando todavía no hemos terminado de guardar la compra ni hemos logrado meter debidamente la tarjeta de crédito en el bolso, invita a ‘pasar por caja’ al próximo cliente, que es ese otro esclavo de la velocidad que nos pisa los talones.

Me encantaría, en fin, poner igual interrogante a todo aquel que, imperceptiblemente, día a día roba nuestra ‘preciosa moneda de oro’, obligándonos a cumplir objetivos sin sentido para llenar, con calderilla barata, la billetera de los hijos de la Matrix, que somos.

La pobre cajera del supermercado, nosotros, vosotros...

¡Todos

La Concejalía de Acción y Promoción Cultural del Ayuntamiento de León programa para este miércoles, 29 de julio, a las 11.00 el taller titulado Rodando cuentos. Taller de rodaje de ficción, destinado a niños de entre 8 y 13 años de edad y enmarcado en torno a la exposición Carlos Saura, fotógrafo. Una vida tras la cámara, que todavía se podrá visitar hasta el 13 de septiembre.

Los participantes en este taller partirán de la película documental Las paredes hablan, el último trabajo de Carlos Saura, considerado como un viaje personal y artístico hacia los orígenes del arte y su relación con las tendencias más vanguardistas, para aprender movimientos de cámara, planos y rodaje. La actividad concluirá con la realización de una película de ficción ambientada en un museo para aproximar a los participantes al mundo del arte.

Para participar es imprescindible realizar inscripción previa a través del correo electrónico info@imaginaleon.com o del teléfono 630 209 026. Se ofrecen 12 plazas y no está permitido repetir taller en caso de haber participado en los anteriormente programados, según informa el Ayuntamiento de León.

El cine como la más poderosa herramienta didáctica del presente. El cine como sublime arma ideológica, como arte que cuenta la sociedad que lo ha gestado, como archivo del mundo que entenderán las futuras generaciones. El cine como continente de los colores y las palabras que explicarán nuestra historia. El cine que esconde en el tiempo que dura una película todas esas dudas y revelaciones que explican los cuentos de los hombres. El cine que nos regala la necesaria perspectiva sobre ese otro tiempo más prosaico del devenir de nuestros días. El cine que, decía Hitchcock, es como la vida pero sin las partes aburridas. El cine, las buenas películas, la ficción, ese espejo deformado y necesario de la realidad. En el fondo y en la piel, eso es La odisea, cine en estado puro.

Antes de nada, a este espectador poco le importa el eterno debate sobre la fidelidad dialéctica o estética de la película de Nolan al poema original de Homero. Ese es tema de discusión para historiadores o expertos en la obra que cuenta el eterno regreso a casa de Odiseo, no para críticos de cine como este quien escribe. Solo explicar que el cine es precisamente relevante por tener esa maravillosa capacidad de proponer nuevos relatos, alejados o no de su verdad más canónica. Cualquier ficción es una obra personal que está indefectiblemente traspasada por la visión de su autor. Y eso es lo que diferencia el arte genuino de la mediocre imitación. Insisto, este espectador no tiene argumentos para discutir si el director se ha tomado ciertas licencias históricas o argumentales, si acaso para explicar porque La odisea le ha parecido una audaz, insólita y poderosa película de cine.

Nolan cuenta ese largo camino de regreso a casa del héroe sin dejarse nada en el tintero: la gruta del cíclope, los gigantes de armadura plateada en el bosque, el encuentro revelador con Tiresias en el Hades, el episodio con la hechicera Circe que transforma hombres en cerdos o la escena con las sirenas, cuyos cantos seductores son todas las promesas que los humanos no pudieron cumplir. Y el caballo de Troya que desata la destrucción y posterior arrepentimiento de Odiseo, el amor eterno por Penélope o el viaje de Telémaco. Y lo hace con un arrollador sentido del espectáculo, con esos montajes marca de la casa que van creando una atmósfera in crescendo a partir de la rotunda cadencia musical de las percusiones, un envoltorio monumental que te mantiene con los ojos como platos durante las casi tres horas de metraje.

Aunque toda esa espectacularidad no valdría de nada sin un guión, escrito por el propio Nolan, tan certero como profundo. Porque la sustancia dramática de la cinta posee también una fuerza indomable. En ese sentido la película de Nolan es una actualización de los cantos poéticos de Homero que no pierde un ápice de la clarividente y casi mística reflexión sobre la condición humana que encontramos en el original. La aventura, la fantasía, el amor, la guerra, la lealtad, la corrupción moral, el arrepentimiento, el desafío a los dioses, el viaje como lúcida y trascendente metáfora de otro viaje, el interior, el que transforma definitivamente a nuestro héroe. Todo cabe en esta obra colosal que nos recuerda que el cine sigue siendo una forma de expresión artística vigente y necesaria.

Riego de la Vega volverá a situarse un año más en el mapa internacional del séptimo arte con la celebración de la XIII edición del Festival Internacional Luna de Cortos, que del 25 de julio al 1 de agosto convertirá al municipio leonés en el gran escaparate del cortometraje con una programación que reunirá proyecciones nacionales e internacionales, documentales, cine rural, actividades formativas, exposiciones y sesiones al aire libre. En esta ocasión, el certamen tendrá como país invitado a Grecia, y su cinematografía protagonizará varias de las proyecciones especiales de esta edición.

La cita, organizada por la Asociación D-SPIERT@ y el Ayuntamiento de Riego de la Vega, mantiene su apuesta por acercar el cine de calidad al medio rural y por apoyar a los nuevos creadores audiovisuales. La programación volverá a combinar las secciones oficiales de Ficción, Cine Rural, Cine y Mujer, Valores Humanos y Documentales, además de propuestas paralelas pensadas para todos los públicos y de acceso gratuito hasta completar el aforo.

Entre las principales novedades de esta edición destaca la incorporación de la Escuela de Cine Imagina León, que presentará una muestra de 16 cortometrajes realizados por escolares y personas con discapacidad de la provincia. La sesión tendrá lugar el sábado 25 de julio, a partir de las 18.30 horas, en el Centro Cultural de Riego de la Vega, mientras que durante la mañana el director de cine Pascual Marín impartirá un taller de creación audiovisual en Veguellina de Órbigo. Según explicó, este tipo de proyectos contribuyen a reforzar la autoestima y el trabajo en equipo de los participantes.

La programación se completará con una amplia oferta expositiva. Entre las actividades paralelas sobresale una muestra de proyectores cinematográficos históricos pertenecientes a la colección privada de Miguel Pérez 'Trébol', distinguido este año con el Premio Honorífico del festival, además de una exposición fotográfica sobre los rodajes escolares y una intervención de arquitectura efímera diseñada por estudiantes de la Universidad Rey Juan Carlos.

Las proyecciones comenzarán el domingo 26 de julio con una sesión especial que reunirá varios trabajos nacionales e internacionales, además de un acercamiento al cine marroquí. A partir del lunes se sucederán las diferentes secciones oficiales del certamen. La jornada estará dedicada a Valores Humanos y al programa especial de Grecia, con la proyección del cortometraje Keys y del documental Grecia en el aire. El martes arrancarán las competiciones de Ficción y Cine Rural, mientras que el miércoles llegará una de las citas más esperadas con la sección Cine y Mujer, integrada por una decena de producciones dirigidas o protagonizadas por mujeres y centradas en historias con perspectiva femenina.

El jueves continuará la competición oficial de ficción y se proyectará el documental Tres hombres no pueden ocultarse bajo la tapa de un puchero, antes de que el festival traslade parte de su programación al aire libre. El viernes 31 de julio, el Parque La Pista acogerá una gran sesión nocturna con nuevos cortometrajes de ficción y documentales, precedida por la proyección del documental histórico Francisco Albo. Marinos griegos en la primera vuelta al mundo, que refuerza el protagonismo del país invitado.

El festival concluirá el sábado 1 de agosto con la Gala Oficial de Clausura y Entrega de Premios, que comenzará a las 20.30 horas. Como colofón, el público podrá volver a disfrutar al aire libre de todos los cortometrajes galardonados en esta decimotercera edición, recuperando el espíritu de los antiguos cines de verano que inspira desde sus orígenes a Luna de Cortos.

El ciclo Luz de Cine de Astorga despide este miércoles 22 su programación de julio con la proyección de uno de los grandes clásicos de la historia del séptimo arte. A partir de las 20.30 horas, los aficionados al cine podrán disfrutar de 'La diligencia' (Stagecoach, 1939), la película dirigida por John Ford que transformó para siempre el género del wéstern y consolidó a John Wayne como una de las grandes estrellas de Hollywood.

Rodada en los espectaculares paisajes de Monument Valley, entre los estados de Utah y Arizona, la película narra el viaje de una diligencia rumbo a Nuevo México con un variado grupo de pasajeros que representa un retrato de la sociedad de la época. En el vehículo coinciden un conductor, un alguacil, un falso reverendo, un médico alcohólico, la esposa embarazada de un oficial de caballería, un jugador, un banquero, una prostituta y un misterioso pistolero fugado de la cárcel, obligados a convivir mientras atraviesan un territorio amenazado por los apaches chiricahuas liderados por Gerónimo.

Basada en el relato corto 'The Stage to Lordsburg', escrito por Ernest Haycox, la película combina aventura, romance y una profunda reflexión sobre la condición humana y la hipocresía social. La construcción de sus personajes, interpretados por actores como John Wayne, Claire Trevor, John Carradine, Andy Devine, Thomas Mitchell y Tim Holt, está considerada una de las grandes virtudes de una obra que rompió con los estereotipos del wéstern clásico, alejándose de los personajes puramente buenos o malos para dotarlos de una mayor complejidad psicológica.

El filme fue un gran éxito de público y crítica. En la ceremonia de los Óscar de 1940 obtuvo dos estatuillas, a Mejor actor de reparto para Thomas Mitchell y Mejor banda sonora, además de sumar un total de doce nominaciones.

Con esta proyección, Luz de Cine pone el punto final a su programación cinematográfica de julio, manteniendo su apuesta por acercar a Astorga grandes títulos imprescindibles de la historia del cine para disfrutarlos en pantalla grande.

El Festival Internacional Luna de Cortos ya está listo para la que será su XIII edición, que dará comienzo el sábado 25 de julio en la localidad de Riego de la Vega ( y durará hasta el sábado 1 de agosto), con un importante abanico de propuestas, secciones paralelas y actividades novedosas que se sumarán, a lo largo de toda la semana, a las 50 películas que han sido seleccionadas para competir en las diferentes categorías a concurso: Ficción, Cine y Mujer, Rural, País invitado y Cineastas Comprometidos (Premio Valores Humanos).

Una de las actividades más atractivas y esperadas de esta nueva edición será la exhibición de cortometrajes rodados por los más jóvenes realizadores; alumnos de diferentes centros educativos leoneses que han participado en el curso de cine de la Escuela Imagina León. Y harán gala de sus dotes creativas y artísticas durante la primera jornada del festival, con 16 cortometrajes de entre 3 y 15 minutos de duración.

El cartel de esta edición del festival internacional de cine hace alusión al Proyecto Artemis II, el regreso a la Luna, aprovechando que el título del certamen se constituyó inspirándose en la que se ha considerado la primera película de ciencia ficción, la emblemática Viaje a la Luna, de Georges Méliès. La autora del diseño ha sido la artista Raquel Martínez Rodríguez (@cisusnar).

Como novedad en esta edición, Luna de Cortos cuenta con la colaboración de la Universidad Rey Juan Carlos, campus de Aranjuez y de Fuenlabrada (Madrid) a través del proyecto que han desarrollado a lo largo del curso los estudiantes de Arquitectura Efímera, del Grado de Fundamentos de la Arquitectura, y que se inaugurará en el evento cinematográfico. “Son unas instalaciones efímeras de apoyo a Luna de Cortos, una pequeña muestra de los trabajos que han desarrollado los estudiantes y que se mostrará durante la celebración del festival”, explica uno de los profesores que ha dirigido el proyecto.

Todas las actividades, proyecciones y propuestas que se desarrollarán desde el día 25 de este mes de julio y hasta el 1 de agosto, día en el que se celebrará el acto de clausura en el Parque La Pista de Riego de la Vega, son de carácter gratuito y abierto a todos los públicos.

“En la ‘Odisea’, Ulises habla con acento de Boston, a pesar de ser de Ítaca, que está en Nueva York”.

Este comentario, entiendo que sarcástico, hace referencia al origen bostoniano de Matt Damon y al hecho de que en el estado de Nueva York hay, efectivamente, una ciudad llamada Ithaca. Me parece una de las reacciones más sagaces de la plétora de críticas y bromas que han asolado la esfera digital desde el 5 de mayo, día del lanzamiento del segundo tráiler de la Odisea de Christopher Nolan.

Es una reacción recurrente cada vez que se anuncia el estreno de una película ambientada en el pasado, ya sea histórica o mitológica. Pero una superproducción sobre el texto homérico, de la mano de un director tan reconocido, son palabras mayores.

Así que durante mayo y junio sí que ha ardido Troya.

La Antigüedad (mítica) en pantalla

Ciertamente sería difícil recoger en pocas palabras la diversidad de reacciones que ha suscitado el tráiler. Algunas de las líneas maestras han sido las siguiente: es un escándalo que Helena de Troya esté interpretada por una actriz negra; cómo va a ser Menelao calvo; Aquiles no puede ser un actor trans; la ambientación es de todo menos clásica mediterránea, el atrezzo y la vestimenta no se ajustan al contexto histórico; el acento de los actores no se parece mucho a cómo sonaría el de los héroes míticos; los diálogos son presentistas, etcétera...

Ninguna de las críticas expuestas es novedosa. Cuestiones similares se plantean cada vez que se estrenan películas situadas en períodos como la Antigüedad o la Edad Media. Aunque de base hay una diferencia importante en este caso: estamos ante la adaptación de un poema épico. Una epopeya con contenido mitológico que difícilmente se presta a una crítica en los términos en los que se suele aplicar al cine de ambientación histórica.

Ciertamente, sería de agradecer que los directores admitiesen sin complejos que sus adaptaciones son creaciones artísticas localizadas en un pasado remoto, pero sin ninguna pretensión de veracidad histórica. Asumamos que no son historiadores, filólogos, arqueólogos, ni divulgadores, son artistas tratando de promocionar y defender sus decisiones.

El cine difícilmente puede ajustarse a las exigencias metodológicas y teóricas de un ensayo historiográfico. No es necesario, tiene otros objetivos y condicionantes, económicos, lúdicos, técnicos e ideológicos; el análisis de la recepción audiovisual de la Antigüedad ayuda a resituar toda esta polémica.

El ‘espíritu homérico’

En este sentido, se podría decir mucho sobre la denominada 'cuestión homérica'. La Odisea fusiona en su narración diversos periodos históricos (época micénica, Edad oscura e inicios de la época arcaica), con toda una serie de elementos mitológicos y ficciones literarias que, por otro lado, son una fuente histórica fundamental para conocer la sociedad del siglo VIII a.e.c. y, en menor medida, los siglos previos.

Hasta algún traductor reciente de la Odisea, filólogo de profesión, se ha preguntado, respecto a la fidelidad al texto original, “a qué debemos jurar dicha fidelidad: ¿a un supuesto ‘espíritu homérico’ acaso? Estaríamos de enhorabuena si lográsemos saber en qué consiste tal espíritu”.

La realidad es que la obra de Homero se reescribe y actualiza de forma ininterrumpida desde la propia Antigüedad. Ahí reside precisamente su naturaleza de obra clásica. Nolan solo ha elegido su propio estilo.

El cine de Nolan y otras referencias visuales

El despliegue de medios técnicos, la elección del reparto, la gama de colores, las referencias al género de superhéroes, Batman incluido, y muchos elementos más que el tráiler no permite adelantar, llevan la firma de Nolan. Es su Odisea, suya y de su equipo de producción, y, faltaría más, disponen de toda la libertad artística para que sea única y novedosa.

Por supuesto, somos libres de denostarla cuanto queramos, pero pienso que es más interesante analizarla críticamente. Está rodada, entre otros lugares, en diferentes enclaves del Mediterráneo, pero si no luce igual que unas vacaciones en una playa de Mykonos, quizá se deba a que los juegos cromáticos de la película también pretenden representar algo sobre la historia que cuenta: un hombre traumatizado por la guerra y obsesionado con regresar al hogar.

Tampoco podemos olvidar que esta estética puede responder a una tendencia muy familiar en el cine histórico-fantástico más reciente. Algo que con cierta ironía se ha llamado 'filtro medieval', pero que buena parte de las producciones recientes sobre la Antigüedad también aplican y que podría resumirse en un pasado sucio, oscuro y con mucho cuero.

La fórmula visual y la estética 'neomedieval' se ha popularizado a través de producciones como Vikingos, Juego de tronos y sus precuelas. Y funciona. A mi parecer, la caracterización de los lestrigones o de los barcos (vikingos) no es casual.

Homero y la cultura universal

La de Nolan es hija de su tiempo, como todas las odiseas. Claro que destila ideología; la de Homero también: la de las élites aristocráticas griegas del siglo VIII a.e.c. [antes de la Era Común, otra forma de indicar antes de Cristo]. La Odisea es una obra inmortal precisamente porque ha sido reinventada de forma ininterrumpida en todo tipo de formatos artísticos y también por culturas diversas a las occidentales, desde el islam medieval, al manga japonés de los 80.

Por supuesto, las culturas europea y estadounidense han sido las más prolijas en este sentido. Más allá de toda la pintura –desde la cerámica ateniense y los frescos romanos hasta la Nausicaa del pintor William McGregor Paxton– o la escultura, hay obras cumbre que no presentan precisamente una adaptación apegada al relato clásico, como el poema de Kostantínos Kafavis, Ulises de James Joyce, la Odisea de Nikos Kazantzakis u O Brother, Where Art Thou?, la película de los hermanos Coen.

La obra homérica se ha llevado a la pantalla en diversas ocasiones, si bien el personaje de Ulises está presente en otras tantas adaptaciones de la Ilíada o el ciclo troyano. Troya (2004) es sin duda la que más ha marcado el imaginario colectivo del siglo XXI. Una película también muy criticada en su momento, que ahora ciertos sectores de las extremas derechas han recuperada como supuesto emblema de la masculinidad y la épica perdida. Ahí sí que estarían bien representados Aquiles y Helena de Troya, dicen, no mediante un actor trans y una actriz negra.

Si lo que buscan son antecedentes culturales, la primera actriz negra, que sepamos, que interpretó a Helena, lo hizo junto a Orson Welles en el París de 1950 y el muy recomendable cómic La Cólera (2020) presenta un Aquiles que experimenta una transición de género.

¿A quién pertenece La Odisea? A la humanidad, yo diría.

¿Qué Antigüedad para el siglo XXI?

De la diversidad de reacciones al tráiler podemos extraer una conclusión incuestionable: la importancia que aún damos a la Antigüedad y a las figuras históricas y míticas de la época antigua para conformar nuestros propios imaginarios e identidades en el siglo XXI. Como muestran estos TuiX de Elon Musk quejándose de la nueva adaptación de Nolan.

No es un tema baladí. Elon Musk y las ultraderechas internacionales lo entienden como un elemento más de su 'guerra cultural', en su defensa de una 'civilización occidental' en realidad inventada por el supremacismo blanco.

Por su parte, una Helena negra apela a la identidad cultural afroamericana, aferrándose a una supuesta verosimilitud racial con argumentos historiográficos que fueron un revulsivo importante en su momento, pero que se han superado.

Las versiones (eco)feministas, pacifistas, o proLGTBIQ+ del mito proliferan, frente a lecturas reaccionarias que nunca dejan de resurgir. Se trata de un eterno diálogo con un pasado mítico que no pierde utilidad para repensar el presente.

Las y los profesionales de las Ciencias de la Antigüedad bien lo saben. El inminente estreno ya estimula la divulgación y la investigación sobre Homero y su recepción. Los ecos y viajes de la Odisea siempre resuenan. Estamos, sin duda, ante el regreso de Ulises. Buen momento, por tanto, para unirse al evento de nuestro proyecto y reflexionar sobre qué Antigüedad queremos para el siglo XXI.

Oskar Aguado-Cantabrana es profesor Ayudante Doctor en el área de Historia Antigua del Departamento de Estudios Clásicos de la Universidad del País Vasco. Esta tribuna se publicó originalmente en The Conversation España e ILEÓN cuenta con derechos de republicación

Comentaba el propio Sistiaga, director y narrador del documental, que no creía que fuera casualidad que los más jóvenes no supieran absolutamente nada de lo que fue uno de los episodios más sangrientos y vergonzantes de la reciente historia de España: los 60 años de asesinatos, secuestros, extorsiones y fanatismo dogmático de ETA.

Una banda de miserables que se paso décadas intentando sabotear la incipiente democracia española poniendo muertos encima de la mesa bajo la abyecta premisa de cuanto peor, mejor. Y con una sociedad vasca que, hasta el punto sin retorno que marcaría para la banda el secuestro y asesinato de Miguel Ángel Blanco, reaccionaba con una deleznable tibieza ante los crímenes de ETA, con una incomprensible especie de esquizofrenia que rechazaba en gran medida el terrorismo pero que también lo consideraba algo tan inherente al país como el chirimiri o salir de potes con la cuadrilla. Por eso resulta tan chirriante que en el País Vasco contemporáneo se haya silenciado que el partido más votado es el mismo que hasta hace cuatro días amparaba a todos esos criminales que tenían el totalitarismo como objetivo, el nacionalismo extremo como credo, la violencia como instrumento, el fanatismo como dogma y un tufillo asqueroso a superioridad racial y étnica.

Todo cambiaría con las 48 horas que cuenta este necesario documental. El rescate de Ortega Lara después de 532 días de ominoso secuestro había sacudido a una bestia que apenas unos pocos días más tarde volvería a mostrar sus fauces amorales y criminales con la ejecución programada de Miguel Ángel Blanco. Este secuestro y el posterior asesinato del concejal de Ermua fue la gota que colmó el vaso, un punto de inflexión en el que la sociedad vasca y española mostraría sin ningún atisbo de duda que ya no aguantaba más, el principio del fin para ETA.

Este documental Miguel Ángel Blanco: las 48 horas que lo cambiaron todo sirve entre otras cosas para recordarnos que aquello sucedió de verdad, que esos miserables que ahora van dando lecciones de paz estuvieron matando o encubriendo a los terroristas hasta hace muy poco. Eso es lo que más indigna, que los mismos que miraban para otro lado o que incluso tuvieron el poder de parar mucha de aquella sangre (léase por ejemplo la despreciable figura de Otegui) vayan ahora predicando buenas palabras y dando a entender a las nuevas generaciones que ellos trajeron la paz. Es de una crueldad indignante que aún no hayan pedido perdón a muchas de las víctimas, o a la sociedad en su conjunto; que se hayan negado a colaborar con la justicia española en la resolución de los más de trescientos asesinatos que aún siguen en el limbo; que todavía se celebren homenajes institucionales a muchos de aquellos asesinos, con todos esos carteles triunfalistas que vemos en cualquier casco viejo de los pueblos y ciudades del País Vasco y que dan ganas de vomitar.

Hasta que ese mezquino relato no se agote, hasta que este país no asuma que tiene otra memoria histórica que revisar con justicia moral, no se habrán cerrado las heridas. Porque siempre se trata de lo mismo: una sociedad que quiera avanzar hacia formas de civilización más sofisticadas y justas nunca debe olvidar sus episodios más infames.

Ya saben, para no estar condenada a repetirlos.

La ciudad de Astorga acogerá del 21 al 23 de julio de 2026 el Congreso Internacional A medio siglo de El desencanto: cine y literatura en la Transición, una cita impulsada por la Asociación de Amigos de la Casa Panero para conmemorar los cincuenta años del estreno de la película de Jaime Chávarri, considerada una de las obras más influyentes y debatidas del cine español contemporáneo.

El encuentro analizará las relaciones entre cine y literatura tras el fin del franquismo, con especial atención al legado cultural de la familia Panero y al impacto de El desencanto, el documental que retrató a Felicidad Blanc y a sus hijos Juan Luis, Leopoldo María y Michi Panero tras la muerte del poeta Leopoldo Panero, una obra que muchos estudiosos interpretan como una metáfora del final del franquismo y de las profundas transformaciones sociales y culturales que vivió España en aquellos años.

La organización ha confirmado además la participación (finalmente de forma telemática) del propio Jaime Chávarri, director de una película que supuso una ruptura con las convenciones documentales de la época y que abrió camino a nuevas formas de cine de no ficción durante los primeros años de la Transición.

Medio siglo después de su estreno, El desencanto continúa siendo una referencia para el estudio de las relaciones familiares, la memoria, la creación literaria y los límites entre realidad y representación cinematográfica.

Entre las líneas temáticas del congreso figuran la saga cinematográfica de la familia Panero, el cine de Jaime Chávarri y Elías Querejeta, las adaptaciones literarias durante la Transición, las relaciones entre literatura y lenguaje audiovisual o los documentales dedicados a escritores y poetas.

El congreso se enmarca en la programación académica y cultural que la entidad desarrolla en Astorga desde 2016 y que ha convertido a la ciudad en un punto de referencia para el estudio de la obra de los Panero y de la literatura española contemporánea.

El Cineclub Luz de Cine de Astorga apuesta esta semana por un título reciente. Se trata del filme Valor sentimental, dirigido por el noruego Joachim Triel y galardonada con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2025. La proyección será este miércoles, 15 de julio, a las 20.30 horas en el Cine Velasco.

Valor sentimental llegó a las pantallas de España en diciembre del año pasado para poner a los espectadores ante un espejo incómodo sobre los silencios familiares. La obra narra cómo un director de cine se plantea rodar una película autobiográfica en su antigua casa familiar. Reconocido en su profesión pero ausente como padre, Gustav ofrece el papel principal a una de sus hijas, que lo rechaza. Finalmente, lo acaba interpretando una famosa estrella de Hollywood.

La cinta, a la que se atribuyen resonancias del cine de Ingmar Bergman, resultó seleccionada para representar a Noruega como Mejor Película Internacional en los Óscar. El reparto está encabezado por Renate Reinsve, Inga Ibsdotter Lilleaas, Stellan Skarsgård, Elle Fanning y Cory Michael Smith.

Tras Valor sentimental, la programación de julio del cine club concluirá el jueves 22 tirando de clásicos: en este caso será La diligencia, mítica película de 1939 dirigida por John Ford.