La sala de exposiciones de la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León abre este viernes, 11 de septiembre, la exposición Cartelería leonesa: Juan Antonio Velasco y el Teatro Emperador, una muestra que reivindica la memoria gráfica, cinematográfica y teatral de León y que se presenta como antesala del Congreso Teatros y Cines en León y provincia, que se celebra en León y Ponferrada del 21 al 24 de septiembre. El acto de inauguración está programado para las 11.00 horas. Y la muestra podrá visitarse hasta el 30 de noviembre.

La exposición, que podrá visitarse en horario ininterrumpido de lunes a viernes de 10.00 a 21.00 horas, reúne una selección de obras del cartelista Juan Antonio Velasco (Bembibre, 1932 - León, 2009), que han sido prestados para la ocasión por Laia Redondo, junto a numerosos programas de mano y carteles de cines y teatros leoneses, cinematógrafos procedentes del Museo del cine de Veguellina de Órbigo y una colección de objetos emotivos y singulares relacionados con el Teatro Emperador de coleccionistas particulares. A través de estas piezas, la exposición propone un acercamiento a la evolución de la cultura cinematográfica y teatral en León. Lo hace recuperando materiales que permiten evocar tanto los espacios destinados a las artes escénicas y al cine como la experiencia de quienes durante décadas acudieron a ellos.

Además, la celebración de esta exposición adquiere un significado especial al desarrollarse como antesala del Congreso Teatros y Cines en León y provincia, que tendrá lugar en León y Ponferrada. En este contexto, Cartelería leonesa: Juan Antonio Velasco y el Teatro Emperador contribuye a poner el foco sobre el importante patrimonio material e inmaterial asociado a los teatros y cinematógrafos de la provincia. Los carteles, programas de mano, aparatos cinematográficos y todos aquellos objetos vinculados a estos espacios constituyen testimonios de una historia cultural que forma parte de la memoria colectiva de León.

La figura de Juan Antonio Velasco ocupa un lugar destacado en la propuesta expositiva. Sus dibujos y carteles permiten acercarse al lenguaje gráfico empleado para anunciar las propuestas cinematográficas y teatrales, mostrando asimismo el valor artístico y documental de una cartelería que hoy constituye una parte significativa de la memoria cultural leonesa.

Así, la exposición plantea un diálogo entre arte gráfico, patrimonio, cine y teatro, recuperando piezas que permiten reconstruir pequeñas historias y experiencias relacionadas con los lugares de ocio y cultura que durante generaciones ocuparon un espacio destacado en la vida cotidiana de los leoneses.

Con esta propuesta, la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León se suma a la reflexión en torno a la conservación y puesta en valor del patrimonio vinculado a los teatros y cines de León y su provincia, justo en vísperas del congreso que reunirá a investigadores, profesionales y personas interesadas en este campo.

Fundos y la Filmoteca de Castilla y León, con el apoyo del Goethe-Institut, organizan un ciclo de cine mudo que se celebra el miércoles 9 y el jueves 10 de septiembre a las 19.00 horas en la sala semisótano del Museo Casa Botines Gaudí de la capital leonesa. El programa permitirá acercarse a dos obras fundamentales del cine de la República de Weimar. El miércoles se proyectará Berlín, sinfonía de una gran ciudad (1927), de Walter Ruttmann, y el jueves La caja de Pandora (1929), de G. W. Pabstel. La entrada (por la entrada principal del Museo) es gratuita hasta completar aforo.

Inspirándose en las técnicas de montaje del cineasta soviético Dziga Vertov, Ruttmann realizó Berlín, sinfonía de una gran ciudad contando con los mejores fotógrafos alemanes de la época, y se convirtió en un referente del género de “sinfonías de ciudades” y del cine de vanguardia de los años veinte del siglo pasado.

La caja de Pandora (1929), de G. W. Pabstel, encumbró a la actriz americana Louise Brooks. Tras su estreno en Alemania, los críticos rechazaron la película por considerarla una “parodia” de las obras de Wedekind acusando al director de hacer una versión escandalosa que mostraba a Lulú como “una devoradora de hombres”. La película fue proyectada en diversos países con metrajes diferentes según los cortes de censura de cada lugar. Actualmente la película es considerada una obra de culto del expresionismo alemán.

La Fundación Jesús Pereda de Comisiones Obreras Castilla y León y CCOO León organizan este miércoles, 9 de de septiembre, un acto que servirá para conmemorar el 50.º aniversario de la que se considera como asamblea general fundacional del sindicato, celebrada todavía en la ilegalidad. Lo hará en la sede de la Fundación Sierra Pambley (calle Dámaso Merino de la capital leonesa) a las 19.00 horas con la proyección de un documental y un coloquio posterior, actos abiertos al público.

Fue en julio de 1976, menos de un año después de la muerte del dictador Francisco Franco, cuando se celebró en la ciudad condal la cita que supuso un punto de inflexión en la trayectoria del movimiento surgido en defensa de los trabajadores al comenzar su transformación en un sindicato del cariz de los actuales.

El acto conmemorativo comenzará con la proyección del documental Valor decisivo. 50 años de la Asamblea General de Barcelona (1976-2026), seguido de un coloquio en el que intervendrán el director de la cinta, Miguel Ángel Sánchez, el primer secretario general de CCOO en Castilla y León, Javier Fernández, la primera secretaria de Mujer confederal de CCOO, Begoña Sanjosé, y el adjunto a la Secretaría General, Bruno Estrada, que ejercerá como moderador.

En el acto también se pondrá de manifiesto “la importancia de lo aportado al sindicalismo desde la provincia de León”, uno de los puntos de origen del movimiento de las Comisiones Obreras durante las huelgas mineras de los años sesenta.

“Háblame, musa, de aquel hombre de multiforme ingenio”… así comienza La Odisea, describiendo a Ulises como un héroe intemporal que trasciende la épica precisamente porque representa no solo al guerrero, sino también y sobre todo al aventurero que trata e ir más allá en la aventura como el poeta trata de ir más allá en belleza y el filósofo más allá en sabiduría…

Uno va al cine Van Gogh a lo de siempre, que es a buscar la inmortalidad por un par de horas o a ver si le entra una pulmonía con el aire acondicionado, pero esta vez salí del cine con la sensación amarga de que me habían cambiado la Ilión de Homero por una de esas ferias mecánicas que montan los norteamericanos cuando quieren ponerse estupendos. Decidía yo meterme en el patio de butacas a contemplar esa Odisea que ha filmado Christopher Nolan con sus relojes, sus truenos, sus hombres de hierro y sus trompetas atronadoras, y me di cuenta enseguida, entre el crujido de las palomitas y el estruendo de los efectos digitales, de que uno no debe ir a ver estas cosas cuando lleva la verdadera Grecia clásica metida en el tuétano desde que nos diera clase doña Tere en el Instituto Juan del Enzina.

A la ficción, señores, no se viene a que lo aturdan a uno con truenos de altavoz. El espíritu clásico griego, ese que Homero destiló entre la sal y la bruma del Egeo, entendía la ficción no como un pasatiempo de feria ni como un entretenimiento espectacular para adormecer el seso, sino como una búsqueda encarnizada, bellísima y brutal de la verdad, de la belleza y del sentido. Los antiguos griegos –nos lo dejó dicho muy claramente Carlos García Gual en ese librito imprescindible que es Grecia para todos–, aunque clasistas y misóginos, eran unos tíos formidables, inquietos, indomables, grandes amantes de la libertad y del saber. No eran monigotes de ordenador con armaduras relucientes dignas de Star Wars o cualquier otra space opera fílmica; eran hombres que miraban al horizonte y le pedían cuentas a los dioses sin arrodillarse del todo.

Decía Shelley, con ese ardor romántico que a uno todavía le conmueve en la penumbra de las cafeterías, que somos Grecia. Nuestras leyes, nuestras dudas, nuestros poemas, la forma en que nos enamoramos o nos desesperamos en la barra de un bar, todo nace allí en efecto. Por eso mismo, este empeño tan diletante y tan de nuestro siglo de querer modernizar el mundo antiguo no es más que la prueba palmaria de no haber entendido nada de su modernidad. Porque la modernidad griega no consiste en estar al día, ni en ponerse el traje de hoy, ni en la modernidad puntual y ramplona de la última moda. La de Grecia era –y es– una modernidad eterna. El olivo centenario, el mar que no se cansa, el vino denso, el teatro bajo el sol y la ciudad abierta a la palabra eran y son el signo distintivo de la Grecia clásica. Eso era lo moderno. Eso era el universo.

Por eso, cuando el cine de hoy pretende ponerse docto e imponerle al mito clásico los complejos de la ideología de turno –que si el postcolonialismo de salón, que si un sesgo de época para no herir susceptibilidades, hasta llegar al despropósito de plantarnos una Helena de Troya afro por imperativo de despacho–, uno solo puede llevarse la mano a la cabeza. Alterar el mito no es democratizarlo; es arruinar su lenguaje original y su esencia intemporal. Homero no necesitaba de nuestros folletos de corrección política, porque la suya era una libertad absoluta, trágica, inalcanzable para la mentalidad de un productor de Los Ángeles.

Nolan ha montado un engranaje perfecto, sí, una pirotecnia para deslumbrar a las masas, pero se le ha olvidado lo fundamental: el aliento de los dioses en la vela del barco, la mirada de Ulises hacia las costas de Ítaca, el olor a salvia y la dignidad tremenda de un pueblo que inventó la luz, y que era tan idealista que hasta llegó a ir a la guerra por una mujer: “Contemplad el rostro de la mujer que hizo zarpar mil barcos”...

Por eso, a uno le da hasta un poco de pena que Nolan no se haya enterado de que los griegos de la Hélade nos enseñaron que la búsqueda de la verdad va en serio, y por tanto ser desleal a Homero es como llevar los vaqueros rotos y que se te vea el culo: es dejar vergonzosamente patente nuestra decadencia.

Volví a casa, me serví un vaso de vino de Tridente (joya del Prieto Picudo de Pajares de los Oteros), y abrí el libro de García Gual para desintoxicarme de tanto artefacto, repasé el capítulo en el que nos habla del pasado heroico con sentido épico, ético y estético. A Grecia no se la moderniza, coño. Grecia ya nos estaba esperando al final del camino mucho antes de que nosotros naciéramos.

El cineasta berciano Chema Sarmiento será el protagonista de la reanudación del ciclo café-diálogo organizado por la Fundación Jesús Pereda de Comisiones Obreras Castilla y León. Será este jueves, 3 de septiembre, a las 17.00 horas en El Cafetín, establecimiento ubicado en la calle La Sal de la capital leonesa. Sarmiento dialogará con el expresidente de la entidad organizadora Ignacio Fernández.

Sarmiento, director de películas como Los Montes y El filandón, fue precisamente Premio Diálogo de la Fundación Jesús Pereda en el año 2012, año en el que estrenó la cinta Viene una chica, rodada en León capital sobre la base de varios cuentos del escritor lacianiego Luis Mateo Díez.

Berciano de Albares de la Ribera (Torre del Bierzo), Chema Sarmiento reside en París, donde fue profesor en la Escuela Nacional de Cinematografía en Francia. Es autor de documentales como una serie sobre Mahoma y Wolfram, la montaña negra, este último en torno a la explotación del wolframio en la Peña del Seo en los años cuarenta y cincuenta del siglo XX.

Por este ciclo de conversaciones vespertinas ya han pasado hasta la fecha Manuel Sierra, Aitana Castaño, José Luis Gutiérrez, Pilar Sancho y Celia Uve.

La presencia leonesa marca 'El camino borrado', el nuevo largometraje del director madrileño Isaac Berrocal, actualmente en fase de rodaje. La película está producida por El Ritual Producciones, compañía fundada por Chiti Abraira y Sonia Martín, y cuenta con la propia Abraira también como actriz. A ello se suma el leonés Javier Bermejo, que forma parte del reparto protagonista junto a Charo Gabella, Juan Olivares y Álex Mola.

El proyecto supone el segundo largometraje de Berrocal después de su debut con 'El Ritual de Huasao'. En esta ocasión, el cineasta se adentra en un drama social inspirado en hechos reales, concebido para abordar conflictos próximos que, pese a formar parte de la realidad, muchas veces permanecen fuera de la mirada de la sociedad.

La huella de León se extiende después a buena parte del equipo encargado de hacer posible la película detrás de las cámaras. Ricardo Fernández es el director de fotografía, acompañado por Iván Valdeón y David Méndez como ayudantes, mientras que Laura García Rodríguez ejerce como ayudante de dirección.

En el apartado de producción, Alejandro D. del Castillo ejerce como jefe de producción y trabaja junto a Nuria V. Martín y Marta Rodríguez. También participan Aran Gaspar, responsable de maquillaje y efectos especiales, y la cineasta leonesa Isabel Medarde, encargada del 'making of' y de la fotografía fija.

La relación entre Isaac Berrocal y los profesionales del audiovisual leonés no comienza con este largometraje. Buena parte del equipo repite colaboración con el director después de haber trabajado en proyectos como 'La Proeza' y 'La Ceremonia', dos producciones rodadas íntegramente en la provincia de León.

'El Camino Borrado' se presenta además como una producción “micro” por su reducido presupuesto, aunque sus responsables aspiran a que el resultado sea “mega” gracias a la experiencia, implicación y trabajo del equipo. El proyecto busca demostrar así que una película no necesita una gran inversión para abordar una historia ambiciosa y suma una nueva producción a la trayectoria de actores, productores, técnicos y cineastas leoneses que continúan abriéndose camino en el audiovisual.

La historia del Gordo de Villamanín tenía ya todas las características para convertirse en un guion de cine y, finalmente, así será. Una de las productoras más relevantes del sector audiovisual español (Sandra Hermida, cofundadora de la productora Colosé) ruedan una película documental sobre este incidente navideño que incluirá la grabación de un concierto de Carolina Durante el 1 de septiembre en la localidad leonesa durante sus fiestas patronales.

El documental, que tiene como título provisional 'El Gordo de Villamanín' cuenta con la producción conjunta de Morada Films y Colosé, esta última la empresa de Sandra Hermida, una de las figuras más relevantes del sector audiovisual español, quien ha producido las películas más taquilleras de Juan Antonio Bayona, como 'Lo imposible', 'La sociedad de la nueve' o 'Un monstruo viene a verme'.

Después de hacerse cargo de la producción de películas como 'Los domingos', recientemente galardonada con cinco premios Goya, la productora Colosé suma fuerzas con Morada Films para llevar a las pantallas la rocambolesca historia que rodea el sorteo del premio Gordo del año 2025, cuando cientos de personas pasaron de la ilusión a la confrontación en Villamanín tras descubrir un 'agujero' de 4 millones de euros en el premio. Poco más se sabe por ahora de este proyecto, a pesar de que ILEÓN ha preguntado a las dos productoras por más detalles.

Fue el pasado miércoles cuando las redes sociales de la Comisión de Fiestas de Villamanín y de las dos productoras anunciaron el evento 'El Día Gordo' en la localidad de la Montaña Central leonesa. A pesar de que la organización del evento ha jugado con el suspense, todo parece indicar que se trata de un concierto gratuito del popular grupo Carolina Durante, que se celebrará en el pueblo el 1 de septiembre. Este jueves por la tarde han confirmado la actuación de la banda liderada por Diego Ibáñez, una de las más populares de la escena española en los últimos años.

La actuación es gratuita, aunque es necesario reservar un lugar en campo de fútbol de Villamanín. Primero, por un motivo de aforo, pero también (y especialmente) porque es la forma de autorizar el uso de las imágenes del público que asista al concierto. Y es que el concierto forma en realidad parte del rodaje de este documental, tal y como figura en la confirmación de la reserva de las entradas.

“Después de todo lo vivido, nos merecemos un buen final. Y si vamos a hacerlo, vamos a hacerlo a lo grande”, explica la web que informa de este evento. Hay que destacar que durante la euforia que siguió al anuncio del premio Gordo, la Comisión de Fiestas se comprometió a celebrar las mejores fiestas patronales de su historia, aunque pronto se impuso la tensión al descubrir que los propios agraciados tendrían que acabar pagando (en este caso, de forma literal) el error de las papeletas.

Por otro lado, las fiestas patronales de San Juan Degollado de la localidad leonesa este año cuentan con una programación similar a fechas anteriores y comparable a otros pueblos similares de la provincia de León. Por ejemplo, algunas de las actividades son comidas populares, discomóvil, torneos deportivos y un 'supermegabingo'.

El origen de estos hechos que ahora serán la premisa del documental se remonta al final del año pasado, durante el tradicional Sorteo de Navidad de la Lotería Nacional. La Comisión de Fiestas de la localidad leonesa de Villamanín, en la Montaña Central de León, había sido la encargada de la venta de participaciones del sorteo de Navidad.

La mañana del lunes 22 de diciembre el Gordo el número 79432 resultó premiado con el Gordo de Navidad, del que la comisión de fiestas había vendido 450 participaciones. El total del premio rondaba los 26,5 millones de euros (con las retenciones fiscales) y, sin embargo, la alegría por esta lluvia de dinero pronto se transformó en un grave problema al comprobar que se habían impreso y vendido más participaciones que billetes de Lotería.

La Comisión de Fiestas de la localidad se vio obligada a reconocer que había un 'agujero' de 4 millones de euros en las cuentas, ya que un taco extra de 50 participaciones no contaban con el respaldo de los 10 décimos que le correspondían. La conmoción se apoderó del pueblo y la noticia protagonizó titulares y debates en las reuniones navideñas de toda España.

Después de varios días de crispación en el pueblo y tras una tensa reunión en la que participaron cientos de 'agraciados' del premio, se llegó al acuerdo de una 'quita' del 10% del premio de cada papeleta y, así, hacer que cada uno colaborase para cubrir el vacío de los 4 millones de euros. Finalmente, la cantidad que se repartió tras la retención fiscal fue de 26,5 millones de euros.

El Cineclub Luz de Cine de Astorga cierra su programación de agosto este jueves, 27 de agosto, con la proyección de La sala de baile (1983), del director italiano Ettore Scola. La sesión, que excepcionalmente se traslada al jueves en lugar del miércoles habitual, comenzará a las 20.30 horas en el Cine Velasco y permitirá recuperar en versión original una película construida sin diálogos y en la que la música asume el peso principal de la narración.

La película recorre la historia de Francia entre 1936 y 1983 sin abandonar un mismo salón de baile. A través de las sucesivas parejas y personajes que ocupan la pista, Scola refleja acontecimientos como la Segunda Guerra Mundial, la ocupación nazi, la Liberación, la llegada del Plan Marshall, la Guerra de Argelia o Mayo del 68. El paso del tiempo queda marcado por los cambios en los bailes, la indumentaria, los comportamientos y, especialmente, por una banda sonora que funciona como hilo conductor del relato.

La sala de baile es una adaptación cinematográfica de la creación teatral colectiva Le Bal, dirigida por Jean-Claude Penchenat. Scola mantuvo buena parte del reparto de la obra y suprimió por completo los diálogos, apoyándose en la expresión corporal, el humor y la música para reconstruir varias décadas de transformaciones sociales y políticas. En la banda sonora aparecen referencias que van desde Charles Aznavour y Charles Trenet hasta Django Reinhardt y Stéphane Grappelli, junto a piezas como La Marsellesa, Lili Marleen, Only You o La Vie en rose.

Ettore Scola (1931-2016) fue uno de los nombres fundamentales del cine italiano de la segunda mitad del siglo XX y una figura destacada de la commedia all'italiana. Tras comenzar su carrera como guionista, debutó como director en 1964 y firmó películas como C'eravamo tanto amati, Brutti, sporchi e cattivi, Una jornada particular y La familia. Su filmografía combinó con frecuencia la sátira y el retrato social con una mirada a los grandes acontecimientos históricos.

La película cuenta entre sus intérpretes con Francesco De Rosa, Rossana Di Lorenzo, Monica Scattini, Marc Berman, Geneviève Rey-Penchenat, Christophe Allwright, Jean-Claude Penchenat y Jean-François Perrier. Su trayectoria internacional estuvo acompañada de importantes reconocimientos: fue candidata al Óscar de 1984 a la mejor película en lengua extranjera, en representación de Argelia; Scola recibió el Oso de Plata al mejor director en el Festival de Berlín, y el filme obtuvo tres premios César, correspondientes a mejor película, mejor dirección y mejor música para Vladimir Cosma.

Jacques-Bénigne Bossuet (teólogo, escritor y obispo católico que vivió entre 1620 y 1704) tuvo, entre otros insignes menesteres, el de fungir como preceptor de Luis XV, para cuya educación personal escribió su Discurso sobre la Historia Universal, texto en el que se argumenta la evolución de la sociedad desde una óptica providencial. Considerado por muchos historiadores como el mayor apologeta del Antiguo Régimen (sistema de monarquía absoluta de ‘origen divino’ al que puso fin la Revolución Francesa), a los motivos de su celebridad podríamos agregar, no solo sus cualidades de gran orador (puestas de relieve en Oraciones fúnebres y en Sermones), sino la escritura de Máximas y reflexiones sobre la comedia, obra en la que arremete contra el teatro (en especial, contra el de Molière), acusándolo de ser surtidor de pecados y fuente de podredumbre moral.

¿Pero por qué todo este discurso sobre un personaje que, solo interesándonos por alguna razón muy especial, poco podría venir al propósito del tema que hoy nos ocupa?

Pues la razón es simple: mencionar a Jacques-Bénigne Bossuet no es un capricho sin más, sino una magnífica ocasión para citar una de sus frases más famosas, la cual nos conduce a explorar la necesidad de aparentar lo que no somos: ‘La más peligrosa de todas las debilidades es el temor de parecer débil.’

La debilidad de querer mostranos fuertes

Por lo general, de forma inconsciente, tendemos a aparentar lo que no somos como ‘mecanismo de defensa’ contra el miedo. Así, rechazamos lo que consideramos poco virtuoso o insuficiente para ‘competir’ con los demás en el concurso por ganar el éxito. A tal propósito, ponemos a disposición tanta energía, que corremos el peligro de quedar exhaustos en el terreno de la competición (nos viene a la mente Danzad, danzad, malditos, película dirigida por Sydney Pollack en 1969, cuyo título original es ‘The Shoot Horses, Don’t They?’ también traducido como Baile de ilusiones).

Según Carl Gustav Jung, rechazamos involuntariamente lo que nos molesta en nosotros mismos para asumir máscaras, escondiendo, en lo más profundo y oscuro del subconsciente, el miedo y sus variopintas formas de manifestación (las ‘sombras’ que se tornan vez más fuertes hasta llegar a dominarnos). Un ejemplo de fácil comprensión podría ser el siguiente: al sentirnos incapaces de realizar algo con éxito, estando limitados por el resquemor de ser rechazados, interpretamos nuestro sentimiento de debilidad como humillación o ridículo a ojos de los demás. Así, el reto personal de alcanzar una meta puede llegar a convertirse en obsesión de ser eficientes, productivos, geniales, guapos, etcétera a toda costa. Entonces, lejos de liberarnos de nuestra –por lo general muy subjetiva– concepción de ‘debilidad’, nos hacemos esclavos incondicionales de nuestro miedo al fracaso.

Resumiendo, no son esas caritas sonrientes y rebosantes de felicidad –esas que solemos mostrar en el perfil de las redes sociales– nuestro verdadero rostro, sino una respuesta a la presión de hacer ver que todo va bien, que estamos encantados de la vida y que solo nos falta dar un pequeño paso para alcanzar la gloria celestial.

¿Pero de dónde viene esta presión de querer aparentar que todo va bien?

Podríamos culpar a la sociedad, a la vida, al sistema político y a todo lo que se nos ocurra. Y sí, es cierto que la sociedad de la que somos ‘súbditos’ tolera que gastemos tiempo en hacer lo que nos venga en gana, siempre y cuando seamos eficientes y, sobre todo, económicamente solventes. De hecho, sin dinero no funcionaría jamás el régimen de consumo al que servimos y del que nos llenamos cual botellas de vino fino. Tener ‘posibles’ para consumir nos pone por encima de los demás y, a su vez, deviene requisito indispensable para conservar la apariencia de que todo va bien.

Sin embargo, como ocurre en cualquier historia de suspense (en las que ansiedad y tensión tienen que mantenerse en la trama para causar esa angustia que nos retuerce el estómago), ante esta necesidad de mantenernos activos en la competición por ser fuertes, guapos, eficientes, etcétera, surgen contratiempos que nos aplastan.

Podríamos hablar, por ejemplo, de quienes con más de cincuenta y cinco años no somos ya fácilmente aceptados en el mercado laboral, paradójicamente cuando la ley establece una jubilación a los sesenta y siete. Entonces, de nada valen la lipoescultura ni el lifting facial ni las dietas intermitentes ni cualquier otra técnica destinada a mejorar la apariencia física. Cuando llegamos con nuestro curriculum vitae repleto de experiencias y méritos, pero con fecha de nacimiento que supera el límite de aquella que ha sido estipulada para ser considerados ‘aptos’, se acaba el juego. Es este un maravilloso ejemplo de cómo la presión de querer aparentar que todo va bien (cuando posiblemente todo va de mal en peor) pasa a ser nuestra enemiga acérrima.

¿Vale la pena, pues, derrochar nuestra energía en apariencias?

Por supuesto que no. No obstante, nos empeñamos al máximo en creer que somos los protagonistas de una película –tan taquillera como salvaje– en la que ganaremos el primer premio de un concurso llamado ‘Baile de ilusiones’. Y de esta forma, además de la presión que sobre nosotros ejerce el sistema, nos exprimimos como limones a los que queremos extraer el mayor zumo posible, quedando, al final, ‘más secos que beso de suegra’.

¿Por qué lo hacemos? No sabemos responder a ciencia cierta. El príncipe Hamlet expresa en su soliloquio: ‘Ser o no ser, esa es la cuestión’… y quizá para ser, tengamos que aparentar lo que no somos, aunque preferiríamos tomarnos la vida con más calma.

Una película en la 'palra del Rebollar', dialecto del asturleonés que todavía sobrevive en el sur de Salamanca. Pastoris se estrenó este viernes 21 de agosto en los Cines Van Gogh de León y se seguirá proyectarándo este sábado y domingo a las 17.30 horas. La cinta de Pablo Moreno, ambientada en el mundo de la trashumancia del siglo XIX también llegará en septiembre al Cine Velasco de Astorga.

El asturleonés llega a la gran pantalla con esta película que busca recuperar las formas de vida, las costumbres y las tradiciones vinculadas al mundo pastoril y que se podrá ver todavía en los Cines Van Gogh de León este sábado y domingo en sesión de 17 horas. La cinta tiene además la particularidad de ser la primera ficción rodada íntegramente en la 'palra del Rebollar', una variedad lingüística del asturleonés que pervive en el sur de Salamanca y el norte de Cáceres y que se encuentra en peligro de desaparición.

Dirigida y escrita por Pablo Moreno, Pastoris es un drama histórico y etnográfico de 108 minutos que se proyecta en versión original en palra y subtitulada al castellano. La película está producida por Stellarum Films, Invértebra Films y Pocas Nueces, con un reparto encabezado por Sergio Cardoso, Marian Arahuetes, Laura Contreras y Antonio Reyes, además de las colaboraciones de Assumpta Serna y Denis Rafter.

Tras la Guerra de la Independencia contra el francés

La historia se sitúa a comienzos del siglo XIX, después de la Guerra de la Independencia, y tiene como protagonista a Domingo, un pastor al que su comunidad había dado por muerto durante la contienda. Cuando regresa a casa descubre que el mundo que conocía ha desaparecido y, convertido prácticamente en un extraño, acepta conducir un rebaño desde tierras salmantinas hasta los pastos de invierno de Extremadura.

Ese recorrido por las antiguas Cañadas Reales sirve a la película para reconstruir el universo de la trashumancia, pero también para plantear un viaje interior marcado por el desarraigo, la culpa y la búsqueda de una identidad perdida. La dureza del camino, la convivencia con otros pastores y la relación con la naturaleza obligan al protagonista a enfrentarse a las heridas que arrastra desde la guerra.

Un rodaje de un año para mostrar las cuatro estaciones

El rodaje se prolongó durante un año y pasó por escenarios naturales de las provincias de Cáceres, Salamanca y Burgos. El paisaje adquiere así un peso protagonista en una producción que pretende reivindicar el patrimonio inmaterial de las zonas rurales y rescatar costumbres, caminos ganaderos y formas de vida que prácticamente han desaparecido.

La recuperación lingüística es uno de los elementos más singulares de Pastoris. El uso de la 'palra del Rebollar' convierte la película en un vehículo para dar visibilidad a una variedad del asturleonés que cuenta actualmente con un ámbito geográfico muy reducido, al tiempo que vincula la historia con las culturas tradicionales de la frontera entre Salamanca y Extremadura.

Tras su estreno este viernes en León y sus dos funciones para sábado y domingo, la película ampliará su presencia en la provincia, ya que el Cine Velasco de Astorga tiene previsto incorporar Pastoris a su programación a partir del próximo mes de septiembre.

La Fundación Cerezales Antonino y Cinia, en Cerezales del Condado (León) proyecta el jueves, 20 de agosto, a las 19.00 horas la película 'Atlas oculto' realizada por la artista Anne-Laure Boyer, centrada en los pueblos que desaparecieron bajo las aguas como consecuencia de la construcción de grandes embalses.

'Atlas oculto' forma parte de un proyecto de investigación artística que Boyer desarrolla desde 2012 en torno a la desaparición de cerca de quinientos pueblos europeos debido a la construcción de grandes presas. Concebida como una fábula ecológica, la iniciativa indaga en las capas menos visibles del territorio y en las huellas que estos procesos de transformación han dejado en el paisaje.

La película se aleja de una reconstrucción histórica convencional para plantear un recorrido entre diferentes tiempos, lugares e imaginarios y hacer visible un particular atlas de territorios borrados por las narraciones vinculadas al progreso.

Tras la proyección se celebrará un breve coloquio con Anne-Laure Boyer, en el que además se dará a conocer una convocatoria abierta destinada a reunir fotografías, documentos y archivos familiares relacionados con los pueblos desplazados por la construcción de embalses. Las aportaciones recopiladas servirán para la escritura del libro 'Atlas oculto', concebido como la última etapa de esta investigación desarrollada durante más de una década. La Fundación invita así a participar a aquellas personas y familias que conserven materiales capaces de contribuir a recuperar la memoria de estos territorios desaparecidos.

El Cine Velasco proyecta, de la mano del club Luz de Cine, este miércoles, 19 de agosto, a las 20.30 horas, Father Mother Sister Brother (VOSE), la última película del director y guionista estadounidense Jim Jarmusch. Con 110 minutos de duración, la cinta propone una mirada a las relaciones entre padres, madres, hijos e hijas a través de tres historias aparentemente independientes, pero conectadas por una misma línea temática, distintos elementos comunes y un ritmo narrativo que aporta unidad al conjunto.

La primera de las historias presenta el reencuentro de los hermanos Jeff y Emily con su padre, que vive aislado en una antigua granja de Estados Unidos. En el segundo relato, las hermanas Lilith y Tim viajan hasta Dublín para visitar a su madre, residente en una vivienda de un barrio de la capital irlandesa. La tercera parte traslada la acción a París, donde los hermanos Skye y Billy vuelven a encontrarse tras la muerte de sus padres con el objetivo de recoger sus pertenencias. Jarmusch utiliza estos tres escenarios para explorar los vínculos familiares, las ausencias y las dificultades de comunicación entre generaciones.

Father Mother Sister Brother cuenta además con un amplio reparto encabezado por intérpretes de reconocida trayectoria internacional. Por la pantalla pasan Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling, Cate Blanchett, Vicky Krieps, Sarah Greene, Indya Moore y Luka Sabbat, que dan vida a los protagonistas de las distintas historias. La película combina la comedia con el característico tono contenido e irónico del cineasta estadounidense para abordar situaciones familiares marcadas tanto por lo cotidiano como por aquello que permanece sin decir.

La cinta plantea así una observación sobre la familia y sus relaciones internas, condicionadas por la distancia física y emocional y por el paso del tiempo. A través de los tres relatos, Jarmusch pone el foco en la progresiva pérdida de conexión entre sus personajes, inmersos en una sociedad en la que el trabajo, las responsabilidades y el ritmo de vida dificultan el mantenimiento de los vínculos personales. La proyección de Father Mother Sister Brother tendrá lugar a las 20.30 horas de este miércoles en el Cine Velasco.

El Ayuntamiento de Astorga ha aprobado por primera vez una ordenanza municipal específica para regular los rodajes cinematográficos, televisivos y publicitarios en la vía pública, una actividad que ha ganado protagonismo en los últimos años en una ciudad y un entorno que han servido de escenario para películas, documentales y series vinculadas al patrimonio histórico y al Camino de Santiago.

La nueva normativa, publicada este martes en el Boletín Oficial de la Provincia (BOP), establece una tasa para la ocupación del dominio público por parte de producciones audiovisuales y fija las condiciones de utilización de calles, plazas y espacios municipales.

En concreto, la ordenanza contempla una tarifa de 0,50 euros por metro cuadrado y día para los rodajes ordinarios, mientras que aquellos que impliquen reservas exclusivas de espacios públicos o cortes intensivos de tráfico deberán abonar una cuota fija de 150 euros por jornada.

La regulación forma parte de una ordenanza más amplia destinada a ordenar la ocupación temporal del espacio público por ferias, atracciones, puestos ambulantes, espectáculos y actividades audiovisuales.

Una tradición como escenario

La medida llega en un territorio con una larga relación con el cine y la televisión. Astorga y su comarca han acogido desde mediados del siglo XX numerosos rodajes gracias al atractivo de su patrimonio monumental y de localidades cercanas como Castrillo de los Polvazares, uno de los conjuntos históricos mejor conservados de la provincia leonesa.

A esa tradición se suma una actividad cultural ligada al séptimo arte que mantiene vivo el vínculo de la ciudad con la producción audiovisual, como demuestra la celebración del XXIX Festival de Cine de Astorga, que se desarrollará del 5 al 13 de septiembre y convertirá de nuevo a la localidad en punto de encuentro para profesionales, creadores y aficionados al cine.

Entre las producciones más conocidas destaca 'El desencanto' (1976), de Jaime Chávarri, considerado uno de los documentales más influyentes del cine español. La película convirtió en protagonistas la Casa de los Panero y otros espacios de Astorga vinculados a la familia del poeta Leopoldo Panero.

También la localidad maragata de Castrillo de los Polvazares fue escenario de 'La esfinge maragata' (1950), adaptación de la novela de Concha Espina, y de 'El mejor alcalde, el Rey' (1973), basada en la obra de Lope de Vega.

Otro de los títulos rodados en la ciudad fue 'El bosque del lobo' (1970), dirigida por Pedro Olea y protagonizada por José Luis López Vázquez, que incluyó escenas en la plaza de la Catedral y en la Casa de los Panero.

Más recientemente, la serie de Amazon Prime Video '3 Caminos' (2021) llevó a la pantalla distintos enclaves de la comarca, como Astorga, Murias de Rechivaldo o la Cruz de Ferro, en Foncebadón, reforzando la imagen de la zona como uno de los lugares más emblemáticos de la ruta jacobea.

La decisión municipal se enmarca en el auge del llamado turismo cinematográfico, un fenómeno que ha ganado fuerza en España al calor del éxito internacional de series y películas cuyas localizaciones se han convertido en reclamo turístico para miles de visitantes.

El Festival Internacional de Cine de Astorga reforzará este año su posición como escaparate del cortometraje español y cantera de nuevos talentos con una vigésimo novena edición que ha recibido 640 obras a concurso y que, por primera vez, incorporará a Portugal como país invitado, en un paso más hacia la internacionalización de un certamen que vuelve a ser puntuable para los Premios Goya.

El encuentro cinematográfico se celebrará del 5 al 13 de septiembre con una programación que combinará proyecciones, actividades culturales y encuentros en distintos espacios de la ciudad maragata, según han presentado este viernes el delegado territorial de la Junta en León, Eduardo Diego; el alcalde de Astorga, José Luis Nieto, y el concejal de Cultura, Tomás Valle.

La consolidación del festival como cita de referencia para el cortometraje se refleja en el elevado número de trabajos recibidos, un respaldo que llega además en el segundo año consecutivo en el que el certamen es calificativo para los Premios Goya en esta categoría.

La principal novedad de esta edición será la apertura internacional a través de Portugal, cuya cinematografía tendrá una presencia destacada y contará con un premio específico dotado con 1.000 euros.

Durante la presentación, Eduardo Diego ha destacado que la trayectoria del festival supone “un reconocimiento a la calidad del certamen” y al trabajo desarrollado durante casi tres décadas para situar a Astorga en el mapa cinematográfico nacional. También defendió el apoyo institucional a este tipo de iniciativas por su papel en el impulso a los creadores emergentes y en la dinamización cultural de las localidades.

La sección oficial se desarrollará principalmente en el Cine Velasco, mientras que otros espacios como la Biblioteca Municipal y el Teatro Gullón acogerán actividades complementarias. La gala de clausura y entrega de premios se celebrará el 12 de septiembre en el Teatro Gullón.

Juan Echanove, Premio de Honor

Uno de los momentos más destacados del certamen será la entrega del Premio de Honor al actor y director Juan Echanove, una de las figuras más reconocidas del cine y la televisión españoles. El festival distinguirá así una trayectoria vinculada a títulos como 'Madregilda', 'La flor de mi secreto' o 'Las chicas de hoy en día'.

Junto a los galardones principales, el festival mantendrá categorías orientadas a impulsar las nuevas generaciones de cineastas, entre ellas el Premio a Jóvenes Realizadores, destinado a participantes de entre 14 y 20 años, y el reconocimiento a la Mejor Interpretación Novel. También se entregarán premios al mejor cortometraje de Castilla y León, documental, animación, guion, fotografía y banda sonora, entre otras distinciones.

La programación paralela estará marcada este año por la figura de Antonio Gaudí, con la proyección de trabajos cinematográficos dedicados al arquitecto catalán coincidiendo con las actividades del Año Gaudí.

Además, el festival ampliará su presencia más allá de la capital maragata mediante sesiones de cine de verano en Villafranca del Bierzo y una colaboración con el Cortonaos Film Festival de La Palma, que permitirá intercambiar y exhibir una selección de obras entre ambos certámenes.

El XXIX Festival Internacional de Cine de Astorga cuenta con el apoyo de la Junta de Castilla y León, la Diputación de León a través del Instituto Leonés de Cultura, la Embajada de Portugal y diversas entidades locales.

La agenda de ocio de la provincia de León para el fin de semana entre los días 14 y 16 de agosto vendrá esta vez condicionada por las innumerables fiestas patronales en torno a las celebraciones de Nuestra Señora y San Roque en multitud de localidades. Por eso, en concreto el sábado 15 de agosto, fiesta nacional y en muchísimos pueblos de la provincia leonesa, destacan por encima de todo numerosas romerías tradicionales y populares que resaltamos una a una en esta información detallada.

Además, uno de los nombres propios del fin de semana será el de la cantaora Estrella Morente, que pondrá el domingo el broche a cuatro días de flamenco en León, con hasta ocho actuaciones desde el jueves.

La oferta musical del fin de semana tendrá también raigambre minera, en este caso asturiana, la que llevará Marisa Valle Roso este viernes al Museo de la Siderurgia y la Minería de Sabero.

Habrá cancha para literatura en diferentes formatos: la presentación en Villadepalos (Carracedelo) del libro de relatos de María José Montero ¿Nos echamos unas risas? Historias cotidianas; o la conferencia de Adolfo Álvarez Barthe sobre Dante en San Martín de la Tercia (Villamanín).

La agenda cultural se completará con más exposiciones, conciertos y otras citas, en ocasiones enmarcadas en las celebraciones festivas del 15 de agosto. A continuación puedes comprobar el calendario de eventos.

El eclipse solar se cuela esta semana en la programación de la II Semana Cultural, Rural y Sostenible Xuntanzas Argallando, que mantiene su esencia con una marcada apuesta por el cine en Villasinde, localidad perteneciente al municipio berciano de Vega de Valcarce. La cita se extiende entre el martes 11 y el sábado 15 de agosto.

La Asociación Sociocultural y de Desarrollo Rural Argallando organiza la programación, que incluye filandón, palabreiro de Villasinde (con expresiones típicas en el pueblo), árbol das familias, mercadillo sostenible, talleres de cardado y fiado de lana, restauración de muebles, cestería y madera, taller de pandereta y juegos de mesa, entre otras actividades.

Al coincidir la semana cultural con el eclipse solar, una de las citas destacadas del programa llegará el propio miércoles 12 de agosto, en El Campelín, bajo la dirección del experto en astronomía Mauricio González del Pliego, quien expondrá detalles del fenómeno y claves para conocer las estrellas. La jornada comenzará a las 19.00 horas con la entrega de las gafas protectoras. Y la organización anima a los asistentes a llevar silla, manta y algo de merienda.

Y el broche se pondrá el sábado 15 con el IV Festival de Cine Rural, que comenzará a las 20.30 horas con una cena popular, seguida de la entrega de premios del concurso de fotografía, el visionado de los cortos seleccionados, la entrega de premios del III Concurso de Cortos Rurales y música, baile y filandón para cerrar la noche.

El Museo de la Siderurgia y la Minería de Castilla y León, con sede en Sabero, cumple una nueva cita con su ciclo de cine de verano, centrado en los grandes clásicos del cine de comedia en blanco y negro. Lo hace este martes, 11 de agosto, a las 22.00 horas con la proyección de la película Una tarde en el circo, la novena en orden cronológico de los hermanos Marx, estrenada en 1939, dirigida por Edward Buzzell y producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Los interesados podrán disfrutar de la exhibición, con entrada gratuita, previa inscripción en el museo, en el teléfono 987718357 o en el correo didactica@museosiderurgiamineriacyl.es.

En la obra, de 87 minutos de duración, el joven Jeff Wilson es el heredero de una gran fortuna, pero decide romper con su adinerada familia para cumplir su sueño de trabajar en el circo. Tras invertir todos sus ahorros en comprar el espectáculo, las cosas se complican: el malvado gerente del circo, John Carter, planea apoderarse del negocio. Con la ayuda de unos cómplices, Carter roba los 10 000 dólares que Jeff guardaba en su camarote para pagar las deudas del circo.

Para evitar que el negocio quiebre y Jeff lo pierda todo, su fiel amigo Antonio (Chico Marx) y el ayudante Punchy (Harpo Marx) deciden buscar ayuda. Es entonces cuando contratan al abogado más incompetente y astuto del país: J. Cheever Loophole (Groucho Marx).

A partir de ese momento, el trío desatará el caos más absoluto en el circo. Juntos registrarán las instalaciones, se enfrentarán a forzudos y acróbatas, y trazarán un loco plan para recuperar el dinero. Su última esperanza consiste en asaltar la gran gala de la alta sociedad que organiza la rica tía de Jeff (Margaret Dumont), transformando una elegante fiesta aristocrática en una auténtica y disparatada función de circo.

Martes 11 de agosto. 22.00 horas

Museo de la Siderurgia y la Minería de Sabero. Plaza San Blas, 1

Entradas: gratuitas, con inscripción previa

El Cineclub Luz de Cine de Astorga no descansa en verano. Y abre su programación de agosto este miércoles 5 con la proyección de Fedora, una de las últimas películas dirigidas por el genial Billy Wilder. La cinta se exhibe a las 20.30 horas en el Cine Velasco.

Estrenada en 1978, Fedora es uno de los filmes más personales de Wilder, que ya para entonces había pasado a la historia del séptimo arte por rodar obras maestras como Perdición, El apartamento, Con faldas y a lo loco o Sabrina.

Protagonizada por William Holden y Marthe Keller, Fedora es también un emotivo homenaje al viejo Hollywood y una reflexión sobre el ocaso del sistema de estudios, narrada con la inteligencia, la ironía y la maestría visual de uno de los grandes cineastas de todos los tiempos.

El cine ha desplegado infinitos veranos sobre la pantalla, derroches de calor que se han instalado para siempre entre nuestros recuerdos. Algunas de esas películas han retratado veranos sureños y tórridos, relatos que quedan suspendidos sobre un calor húmedo y asfixiante.

En otras las altas y sofocantes temperaturas atraviesan la pantalla para arrebatarnos, para sumergirnos bajo oscuras tentaciones. Y otras nos hablan de primeras veces, de veranos que pertenecen a otras edades.

En cualquier caso, aquí les dejo cinco clásicos para refugiarse del bochorno que invade las calles ante ese otro calor que desprende el buen cine.

Un tranvía llamado deseo (1951) — Elia Kazan

La obra de Tennessee Williams encuentra su mejor expresión en este opresivo drama que derrama deseos y excesos sobre la pantalla. Marlos Brando sin camiseta como símbolo sexual de una época y Vivien Leigh descendiendo hacia la locura en ese piso diminuto donde las frases de dialogo suenan como puñales.

Doce hombres sin piedad (1957) — Sidney Lumet

Drama judicial de una vigencia argumental y estilística totalmente intacta. Teatro llevado al cine con una magistral realización y unas interpretaciones exactas y llenas de elocuencia expresiva. Doce desconocidos deliberando sobre la vida de un hombre bajo un calor asfixiante. Sudor y palabras impacientes para llegar a un veredicto.

La gata sobre el tejado de zinc (1958) — Richard Brooks

De nuevo Tennessee Williams llevado al cine y de nuevo otra memorable e icónica pareja protagonista. Paul Newman y Elisabeth Taylor despliegan sobre la pantalla un derroche interpretativo bajo la luz ardiente de un verano abrasivo y sureño. La avaricia, la mentira y el bourbon se cocinan a fuego lento en esta obra que es perfecta para disfrutar en una noche insomne de verano.

Verano del 42 (1971) — Robert Mulligan

Hay veranos habitados por la nostalgia de las primeras veces. Veranos sentimentales como este que narra el despertar sexual de un adolescente atraído por una bella mujer que acaba de perder a su marido en la Segyba Guerra Mundial. Bella película que nos transporta a esa edad del descubrimiento, a esa piel encendida que pertenece a su tiempo irrepetible.

Fuego en el cuerpo (1981) — Lawrence Kasdan

Película que revitalizó el cine negro a principios de los ochenta con una historia donde el deseo y la traición atraviesan la pantalla. Pocas veces se ha retratado ese sofocante calor que nos aturde hasta perder la cabeza como en este thriller que combina crimen y sudor a partes iguales. Kathleen Turner llegaría para quedarse y convertirse en mito erótico de los ochenta.

Apuesto a que muchos habéis visto El curioso caso de Benjamin Button, obra cinematográfica del dos mil ocho dirigida por David Fincher, basada en el relato homónimo de Francis Scott Fitzgerald cuya publicación vio la luz en 1922 (aclaramos que la película representa una versión adaptada a la gran pantalla, en la que se incluyen –como casi siempre sucede– situaciones y escenas que no aparecen en el texto original).

Se trata de la historia de un niño que nace con la apariencia y atonía de un anciano que va rejuveneciendo durante el transcurso de su vida. A pesar de que la historia es ficticia, hay quienes aseguran que hubo un Benjamin Button en la vida real, aseveración desestimada por falta de pruebas. Pero lo cierto es que existe una enfermedad genética muy rara, conocida como progeria o Síndrome de Hutchinson-Gilford, que consiste en el envejecimiento acelarado a partir de etapas muy tempranas de la vida (por lo general, desde el primer año de edad) y que trae consigo la muerte precoz de la persona a causa de afecciones (sobre todo, cardíacas) propias de la edad avanzada. Según datos actuales de la Progeria Research Foundation, en el mundo se cuentan doscientos veintitrés casos de infantes y adolescentes que sufren esta patología (véase). En España, a día de hoy, la enfermedad afecta solo a una niña, la pequeña Alexandra Pereaut, de diez años de edad.

El tiempo y su sentido

No es mi intención, sin embargo, meterme a profundizar en la extraña enfermedad, citada y resumida en renglones anteriores. Más bien, me gustaría detenerme en el relato escrito por Francis Scott Fitzgerald, en el que subyace una explicación subliminal del valor del tiempo en nuestra existencia.

El texto inicia con el nacimiento de Benjamin Button, en septiembre de mil ochocientos sesenta, en la ‘Clínica de Maryland para Damas y Caballeros’ de Baltimore. Al llegar al mundo, dicha criatura aparentaba unos setenta (hay versiones del texto que refieren ochenta) años, inexplicable acontecimiento que representó, ya no solo un horror, sino una vergüenza, tanto para el personal sanitario de la clínica como para el padre del crío. No obstante, este último, no teniendo otra posibilidad, accede a llevarse a casa al estrafalario bebé, sometiéndolo a atenciones inadecuadas para un adulto de edad avanzada. Así, a sus cinco años, Benjamin es enviado al parvulario, donde intenta jugar con otros niños. Sin embargo, su inexplicable contradicción entre edad cronólogica y edad biológica hace que no pueda librarse del bastón que lo sostiene, como tampoco de los achaques y dolencias propios de su ‘niñez anciana’.

Sucede, pues, que habiendo cumplido los doce, un buen día se mira al espejo y nota que sus arrugas han desaparecido. A partir de entonces, ‘nuestro protagonista’ comenzará a remozar progresivamente, pasando por variopintas vicisitudes que representarán importantes cambios en su vida y en su relación con sus semejantes, hasta el punto de que este proceso de paulatino ‘remozamiento involuntario’ (contrario a la ley natural) hace que llegue a ser más joven que su esposa, su hijo y su nieto…

Y así avanza por la vida, terminando sus días en el parvulario de su ‘vieja infancia anciana’, sometido a un rejuvenecimiento cada vez más acelerado que lo aproxima a la Nada, pues en la extraña regresión de su edad biológica, al llegar a bebé, merman sus capacidades cognitivas y físicas ‘hasta que todo se convierte en total oscuridad’. Benjamin Button ha realizado, en fin, un viaje circular en el tiempo, regresando al punto del que partió.

¿Hasta dónde podría ser real 'El curioso caso de Benjamin Button'?

A pesar de su inclusión dentro de la literatura de ficción, este relato describe una realidad mucho más veraz de la que podamos imaginar. Y es que –al igual que Benjamin Button– cuando llegamos a este mundo, lo hacemos con nuestras capacidades cognitivas a nivel cero, que son las del recién nacido que da sus primeros pasos por la vida, no con un bastón, pero sí absolutamente dependiente de sus progetinores. Luego (muy de acuerdo con el jesuita Pierre Teilhard de Chardin en su obra El fenómeno humano), nuestro recorrido consciente no es otra cosa que el proceso de evolución en el que ‘Alfa’ y ‘Omega’ se unen, teoría esta en la que ‘tiempo’ y ‘existencia’ se reiteran como conceptos que, a día de hoy, ni siquiera la Física Cuántica alcanza a explicar del todo.

Sin embargo, pensándolo bien, el tiempo es la única moneda de valor con la que contamos para pagar nuestro pasaje por la Tierra. Y por supuesto, no queremos derrochar ‘nuestro caudal de oro’ así como así. Sin embargo, lo hacemos –¡Y cuánto!–, convencidos de que ‘no perder el tiempo’ significa estar haciendo cualquier cosa sin parar y a toda prisa: ‘¡Yo sí que no pierdo mi tiempo!’, exclamamos con satisfacción por estar cumpliendo metas, la mayoría de ellas consideradas de suma importancia para nuestra existencia –¡Oh, insensatos que no reconocemos il dolce far niente!–…

¿Pero toda esta velocidad en nuestro hacer cotidiano, acaso nos vale para ser felices?

No sé, pero me gustaría hacerle esta pregunta –por ejemplo– a la cajera del supermercado que, cuando todavía no hemos terminado de guardar la compra ni hemos logrado meter debidamente la tarjeta de crédito en el bolso, invita a ‘pasar por caja’ al próximo cliente, que es ese otro esclavo de la velocidad que nos pisa los talones.

Me encantaría, en fin, poner igual interrogante a todo aquel que, imperceptiblemente, día a día roba nuestra ‘preciosa moneda de oro’, obligándonos a cumplir objetivos sin sentido para llenar, con calderilla barata, la billetera de los hijos de la Matrix, que somos.

La pobre cajera del supermercado, nosotros, vosotros...

¡Todos