El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) ha impulsado la publicación de La rara troupe. Mediación artística, creación audiovisual y salud mental, un libro que recoge más de una década de trabajo de este colectivo que convirtió la creación audiovisual en una herramienta para cuestionar las categorías tradicionales en torno a la salud mental.

El volumen, coordinado por nombres como Belén Sola Pizarro, Chus Domínguez, Lucía Estrella Serra Domínguez o Diego del Pozo Barriuso, entre otros participantes del proyecto, documenta una experiencia que desbordó los límites convencionales entre arte, mediación y ámbito sanitario.

El proyecto nació en el marco del Laboratorio de Antropología Audiovisual Experimental (LAAV_), un espacio de investigación y creación del Departamento de Educación y Acción Cultural del museo que combina disciplinas artísticas y científicas para analizar y representar al ser humano y los grupos sociales desde una perspectiva crítica y experimental.

Basado en metodologías colaborativas, pedagogías críticas y enfoques propios de la antropología cultural, visual y la etnografía, el laboratorio articula su actividad en grupos de trabajo que buscan generar conocimiento colectivo y prácticas artísticas alejadas de los modelos convencionales.

En este contexto, La rara troupe se consolidó desde 2016 como uno de los proyectos más significativos del LAAV_, reuniendo semanalmente a personas con y sin diagnósticos de salud mental en torno a la reflexión, el visionado y la creación audiovisual.

“Nos interesa generar un lugar de encuentro al margen de lo que se supone que debemos ser”, explican sus integrantes, que trabajan para desmontar categorías binarias como enfermedad/salud, profesional/amateur o inclusión/exclusión.

A lo largo de este recorrido, más de un centenar de participantes construyeron un proyecto basado en la autodeterminación, la crítica a los modos de producción neoliberales y el cuestionamiento del paradigma biomédico.

Con la cámara como herramienta política y poética, defendieron el derecho a narrarse en primera persona, a desertar de la normalidad impuesta y a ensayar formas de apoyo mutuo.

El libro recoge ahora esos aprendizajes: la creación colectiva sin jerarquías, el cuidado como metodología, la mediación artística entendida como práctica militante y la potencia emancipadora de lo común.

Sus películas -difundidas en festivales y ciclos de cine, museos y espacios de arte- funcionan como memoria y semilla, testimonio de una experiencia que, aunque provisional, sigue abriendo futuros posibles.

Durante estos años, el colectivo desarrolló numerosas producciones audiovisuales, talleres y procesos colaborativos que abordaron cuestiones como la vulnerabilidad, el cuerpo o la identidad, además de participar en contextos nacionales e internacionales, con hitos como La humana perfecta o Ya habremos olvidado, y su presencia en espacios como la Bienal de Berlín.

Aunque el proyecto ha tenido un carácter provisional, desde el LAAV_ subrayan que su legado permanece activo en las metodologías y formas de trabajo que ha generado.

“La salud mental más que un centro de atención es un contexto desde el que ver y ser vistas”, destacan reivindicando una “normalidad-rareza” que cuestiona los marcos establecidos.

La publicación incorpora además materiales como una línea del tiempo del desarrollo del colectivo, y se presenta como una herramienta abierta para repensar la relación entre arte, mediación y salud mental desde prácticas colaborativas y críticas.

Fue un encargo para la primera sucursal del Banco de Santander en España, la de León hace cinco décadas, pero al final se expondrá en Zamora. El cuadro mural 'Vidrieras de la Catedral', inspirado en los coloridos vitrales medievales de la seo legionense, que el artista zamorano Antonio Pedrero pintó hace medio siglo por encargo de esta entidad bancaria, se mostrará a partir de ahora en el Archivo Provincial de Zamora, muy cerca de la casa del autor.

El nuevo espacio en el que se ubicará esta obra de arte es fruto de la cesión que el Banco Santander ha realizado a la Junta de Castilla y León para su exposición en ese nuevo espacio zamorano en el que este miércoles presentó la obra.

El consejero de Cultura y Turismo en funciones de la Junta de Castilla y León, Gonzalo Santonja, ha asistido a la presentación de la obra y ha explicado que el Banco Santander la ha cedido durante un periodo mínimo de quince años, con posibilidad de prórrogas posteriores para mostrarla en el Archivo Histórico Provincial de Zamora.

Ha agradecido la generosidad de la entidad bancaria, que ha permitido recuperar “un cuadro de un gran pintor” que permite mirar con “perspectiva” la obra de Antonio Pedrero, ya que se trata de un cuadro que pintó hace cerca de cincuenta años.

Por su parte, Pedrero ha mostrado su alegría porque esa obra mural se muestre en el Archivo Histórico de Zamora y ha destacado que se trata de una obra “bonita, espectacular”.

Ha recordado que lleva desde hace mucho tiempo reivindicando que regresen obras dispersas de autores zamoranos de una generación como la de los años 50 que fue “extraordinaria” en cuanto artistas locales y cuyos trabajos no hay que perder. Al respecto, ha admitido que esa idea se va a materializar en otro espacio próximo, el antiguo Palacio Provincial de la Diputación de Zamora, con la creación de un espacio artístico dedicado a los pintores de la provincia.

'Vidrieras de la Catedral', un óleo sobre lienzo con unas medidas de 1,92 metros de alto por 3,55 de largo, se podrá contemplar, al menos hasta el año 2041, en la sala de investigación del Archivo Histórico de Zamora que con la exposición de esta obra pretende reforzar su vertiente cultural.

La agenda cultural en la provincia de León para este jueves 7 de mayo incluye conciertos, presentaciones de libros, recitales de poesía y mucho más para pasar una jornada de lo más entretenida en León. 

Los poemas de Federico García Lorca llegan este jueves 7 de mayo al escenario del Auditorio Ciudad de León, pero lo hacen transformados en danza. La compañía de Antonio Najarro presenta en León el espectáculo de ballet español ‘Romance sonámbulo’, a las 20.30 horas, uno de los poemas más fascinantes y misteriosos del poeta granadino. 

La Casona de San Feliz de Torío acoge este jueves 7 de mayo un encuentro literario con el poeta y traductor Jesús Aguado, una de las figuras más destacadas de la poesía española contemporánea. La cita comenzará a las 20.15 horas y girará en torno a su último poemario, ‘Dulce fruta que nace al borde de un abismo’, publicado recientemente por Eolas Ediciones dentro de su colección de poesía ‘Aura’.

La Casona de San Feliz de Torío también acoge este jueves 7 de mayo la presentación del libro ‘Canciones de amor (levemente) desafinadas’, la nueva obra del escritor y sindicalista leonés Ignacio Fernández Herrero.

A continuación los detallamos uno a uno. Pincha en los titulares para conocer toda la información de utilidad de cada uno.

La Sala de Ámbito Cultural de El Corte Inglés (ubicada en la sexta planta) acoge desde las 19 horas del miércoles, 6 de mayo, y hasta el próximo día 30, la exposición de pintura ‘Donde nace el mar’, una muestra que representa el nuevo salto evolutivo en el imaginario del leonés Raúl del Pozo, en el que explora la capacidad del arte de generar estados de introspección y calma.

Fiel a su identidad matérica, Del Pozo destaca de nuevo por el uso magistral de la resina epoxi y el pouring, que aporta un acabado cristalino y fluido que emula la superficie y profundidad del agua. Estas piezas dialogan con obras de texturas orgánicas muy marcadas, elaboradas con pintura acrílica sobre soportes diversos como el lienzo, la madera o el DMF. Las obras de esta colección no solo buscan ser observadas, sino experimentadas. El juego de brillos de la resina y la volumetría de las texturas invitan al espectador a una inmersión visual y sensorial.

Raúl del Pozo Fonseca es un artista visual leonés cuya obra se sitúa en la frontera entre la pintura de relieve y la escultura. En ‘Donde nace el mar’, cada creación es un refugio emocional conectado con la esencia y el movimiento del océano.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), ubicado en la ciudad de León, alberga hasta el domingo 17 de mayola exposición ‘Yoko Ono. Insound and Instructure’, una extensa muestra que permite experimentar, a través de 1.700 metros cuadrados y más de 80 piezas, tanto las obras que la artista desarrolla a partir de los años 60 —que en buena medida se incluyen en la histórica publicación ‘Pomelo’ (1964)— como las instalaciones de gran formato que crea a partir de los años 90.

El título de la muestra tiene su origen en un concierto y exposición de Yoko Ono que tuvo lugar en julio de 1964 en el Yamaichi Hall de Kyoto. Ambos términos se refieren a la forma en que Yoko Ono integra sonido e instrucción en su práctica artística. El punto de partida de muchas de las obras de Ono se encuentra en las ‘Instrucciones’, obras en formato de texto que invitan al lector a imaginar, experimentar, realizar o completar la pieza. Las ideas, y no los materiales, son el principal componente de la práctica de la artista. La exposición en Musac incluye obras que, partiendo de estos conceptos, trazan un recorrido histórico por la trayectoria de Ono desde los años 60 hasta el momento actual.

‘Insound and Instructure’ incluye la amplia variedad de técnicas con las que ha trabajado Yoko Ono, desde la performance, el cine, la música, la instalación, la pintura o la fotografía. Entre la selección de obras realizada están algunos de sus trabajos más reconocidos, entre ellos piezas icónicas de los años 60 como ‘Cut Piece’ (1964), ‘Voice Piece for Soprano’ (1961) o ‘Draw Circle Painting’ (1964), que requiere la participación del público para realizarse. Esta participación de la audiencia supone una de las cuestiones singulares que definen su creación. 

La exposición en Musac no es solamente una ocasión única para tener acceso a las obras históricas de la artista, sino que también recoge algunos de sus proyectos más recientes, como la instalación ‘DOORS’ (2011) o ‘INVISIBLE FLAGS’ (2015), que reitera el pacifismo como una de sus preocupaciones vitales.

En el recorrido hay también una amplia selección de sus películas, realizadas en parte junto a John Lennon, y de las que podremos ver “RAPE” (1968), ‘FLY’ (1970/1971) o ‘Freedom’ (1970).

El horario de visitas tiene lugar de martes a domingo entre las 11 y las 14 horas y de tarde entre las 17 y las 20 horas. Las visitas guiadas se pueden reservar en la web del Musac.

La exposición Amalgama gráfica internacional contemporánea por la paz reúne en el Centro Leonés de Arte a cerca de ochenta artistas nacionales e internacionales vinculados al lenguaje gráfico. La muestra, inaugurada el viernes 1 de mayo a las 12.00 horas, podrá visitarse hasta el 22 de junio y está compuesta por 78 estampas pertenecientes a dos carpetas creadas por el artista y editor Fermín Santos. El proyecto ha sido comisariado por el propio Santos junto a José Luis Casas y Luis García, dentro de la línea del ILC centrada en abordar temáticas de actualidad y la defensa de los derechos humanos.

La entrada es gratuita y de acuerdo con el siguiente horario: de martes a viernes de 17.00 a 20.00 horas, sábados de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas, domingos y festivos de 11.00 a 14.00 horas. Pueden solicitarse visitas guiadas en el teléfono 987262423.

La exposición ofrece una gran diversidad de enfoques creativos y técnicos, con obras que abarcan desde técnicas digitales hasta procedimientos tradicionales como xilografías, serigrafías, aguafuertes o linograbados. Fermín Santos, con una amplia trayectoria como grabador y editor, mantiene además una estrecha relación con la provincia de León, donde dispone de un taller en Peredilla, y ha desarrollado una intensa labor como dinamizador cultural en conexión con figuras destacadas del ámbito artístico.

El objetivo principal de la muestra es denunciar la guerra y promover una reflexión sobre las consecuencias del conflicto, el terrorismo y la vulneración de los derechos humanos. En este sentido, se inscribe en una línea de trabajo del Departamento de Arte del ILC que ya ha abordado problemáticas sociales y políticas como la guerra en Ucrania, la violencia de género, los derechos del colectivo LGTBI+ o la ecología, reafirmando su compromiso con la libertad, la paz y la dignidad humana.

La iniciativa se vincula también con una tradición histórica de artistas comprometidos que han denunciado la violencia y la opresión, como evidencian obras icónicas de Picasso, Motherwell o Eduardo Arroyo. Los 78 artistas participantes, procedentes de diversos países, refuerzan el carácter internacional de la propuesta, que lanza un mensaje claro contra la guerra y reclama soluciones pacíficas a los conflictos, subrayando que la paz es un derecho fundamental que debe prevalecer.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), ubicado en la capital leonesa, ha programado un encuentro con el artista Tito Pérez Mora el martes 21 de abril a las 19 horas, en el marco de la exposición '¿No hay nada como el hogar?'. Durante esta actividad gratuita, el creador presentará su obra '1 y 5 puertas (la mirilla hace la puerta)' en una conversación abierta con el público, ofreciendo una aproximación directa a su proceso y a los conceptos que articulan su trabajo.

La pieza, producida específicamente para la muestra, está compuesta por cinco puertas elaboradas con distintos materiales y dispuestas de manera poco convencional en el espacio expositivo. Cuatro de ellas se sitúan en la pared, mientras que una quinta se coloca en el suelo, generando una sensación disruptiva. A través de elementos como la ceniza, la cera, el jabón, el plomo o el fieltro, la instalación propone una reflexión sensorial sobre la intimidad, la protección y los límites del hogar, invitando incluso a experimentar la obra mediante el olfato.

Esta intervención forma parte de una serie de nuevas incorporaciones a la exposición comisariada por Monserrat Pis Marcos, que reúne 45 obras de 24 artistas para analizar cómo ha evolucionado el concepto de hogar en la sociedad actual. En este contexto, el trabajo de Pérez Mora, artista, arquitecto y educador, profundiza en la relación entre espacio doméstico e identidad, explorando las múltiples dimensiones emocionales, sociales y culturales que configuran nuestra idea de habitar.

En efecto entramos ahora en la Galería de Arte Ármaga (pasaje de Alfonso V) y estamos en la maternal, espiritual, enamorada, erótica, lúcida, tolemaica, trascendente y visionaria exposición ultima del pintor de las veladuras, las capas de significado y la luz fluorada procedente del paraíso de Dante, don Adolfo Álvarez Barthe… ¡Un pintor especialmente sensible a la trascendencia!

Como quien aventara en la noche las cenizas de su madre muerta y llenara así la oscuridad de luciérnagas y de luz espiritual, comienza el viaje trascendente que es esta exposición. 

Y lo hace con un cuadro que aúna la mariología y la poesía, el titulado Virgen de Vladimir, una pieza que plásticamente homenajea al arte bizantino y a la poesía rusa de Ana Atjmatoma y Soloviev, y el cual conceptualmente se asienta en la idea del gran teólogo de la estética Hans Urs von Balthasar y de la mística Adrienne von Speyr, que son quienes enseñan a dúo que en la madre está en hijo; que la madre es el único aspecto espiritual cristiano no trinitario sino binario, sino doble; que en la madre está oriente y occidente, la luz y la sombra, la carne y el espíritu, la nada y el todo. Bello homenaje del pintor a su madre y la nuestra como punto de partida de una exposición cristiana y gnóstica repleta de vírgenes pitagóricas, de cristos que se acompañan de sátiros, del Camino de Santiago como itinerario espiritual pero a la vez también astral y como puerta abierta hacia la trascendencia (ya sea trascendencia religiosa, trascendencia cultural, trascendencia política o esa fundamental trascendencia del yo que suponen el amor, el deseo, la historia, la familia y la patria).

Hemos de hacer una parada especial ante el retablo-mosaico que hay en esta exposición donde contemplamos un Cristo originalísimo junto a los cuatro evangelistas. Nótense las referencias culturales, líricas, teológicas y críticas por la censura y el dogmatismo que hay en estos cuadros de fe no fundamentalista sino fundamental, en los cuales el propio autor se coloca en posición de humildad por su condición de cristiano marginal, heterodoxo y al riesgo (como Dante o Miguel de Molinos por ejemplo), pero rebosante de piedad... Uno ve con atención esta parte de la exposición, y, igual que le ocurrió a Simone Weil en Asís, algo le impele a arrodillarse. 

Pero luego está el críptico de los visionarios; de los que son trascendentes capaces de ver que el mundo puede ser de otra forma: Dante que vivió en un tiempo en el que los seres humanos aún tenían grandes visiones (ahora solo tenemos sueños), Santa Teresa de Jesús cuyo ímpetus orante y cuya mística unitiva era el don ascendente más potente que hemos conocido –más allá del de Cristo y del de la Madre- (por esto toda esta exposición se titula Ascensión), y Luis Saenz de la Calzada, representante del surrealismo, de la trascendencia por vía imaginativa y lítica más allá de la razón, esto es, por la vía de la intuición. 

Desde el cuadro de Luis Saenz de la Calzada la exposición se llena de poesía con sus homenajes a Luis Cernuda, el poeta en su laberinto, y a Virgilio, confluencias de sensibilidad carnal y de pasión homoerótica, que nos abren la puerta a otro de los componentes fundamentales de esta exposición: eso, la pasión homoerótica como expresión astral, espiritualizada y cósmica de lo que ya decimos que la Madre de Dios y madre nuestra representa teológicamente: lo binario, doble, lo mejor de los dos mundos. 

Como en la vida misma en esta exposición hay santos y sátiros, hay dioscuros, nubes de deseo, suspiros no diferenciados, la hispanidad trascendente y cartas astrales por doquier que son el summum artístico de un heterodoxo sentible, trascendente, cultísimo, intenso y generosamente irradiador de eso que solo lo divino y la belleza pueden darnos: el consuelo frente a la muerte de la madre y el sufrimiento del ser amado.

Nosotros los seres humanos somos nada, tímidos arroyos cuya fuente parece ignota, pero hay gente sensible y trascendente que ve eso, nuestra fuente inmaterial, y, mediante su obra, nos la muestra, y nos ilumina, y nos bendice…

Sí, ser sensible significa nieve en los dedos. O implica que de la música callada puedes extraer a la vez sed y arrullo. Un salto hacia el abismo: no más lejos, más hondo.

En 1971, John Lennon y Yoko Ono codirigieron el largometraje Imagine, en el que se entrelaza el universo musical de ambos artistas con imágenes de carácter íntimo; una obra que se proyectará en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) como complemento a la muestra de la artista japonesa 'Insound and Instructure'. La proyección será el jueves 16 de abril a las 19.00 horas en el marco de esta exposición que se podrá visitar hasta el próximo 17 de mayo y que recoge una extensa selección de obras producidas por Yoko Ono a lo largo de seis décadas, ha recordado el Musac este viernes en un comunicado. Se trata de una actividad gratuita previa inscripción en la página web www.musac.es a partir del lunes 13 de abril desde de las 8.00 horas.

Imagine (70’) refleja el universo de ambos artistas y también aparecen en ella su equipo de trabajo y otras figuras destacadas como Fred Astaire, Jack Palance, Dick Cavett o George Harrison.

La proyección contará con una introducción a cargo de Pablo Encinas Alonso, coordinador de exposiciones del Musac y tendrá lugar en versión original en inglés sin subtitular.

A través de este programa, el museo propone un acercamiento al universo creativo de Yoko Ono y a la comunidad artística a la que estuvo vinculada desde puntos de vista complementarios a la exposición.

Por esa razón, además de la proyección de la obra codirigida con Lennon, el martes 28 de abril a las 19.00 horas se emitirá también Antología Fluxfilm, un programa cinematográfico proveniente de la colección del MoMA de Nueva York compuesto por 24 cortometrajes experimentales de diversos artistas del movimiento Fluxus, al que estuvo vinculada Yoko Ono.

A principios de la década de 1960, con la visión de democratizar el arte, un grupo internacional y flexible de artistas intentó disolver la separación entre el arte y la vida cotidiana.

Surgió así el movimiento Fluxus, denominado de este modo por el arquitecto y diseñador George Maciunas, y centrado en acciones que implicaban la participación del público con operaciones basadas en el azar y prácticas colaborativas.

A mediados de los años sesenta, George Maciunas comenzó a recopilar las películas experimentales -en algunos casos muy breves- realizadas por artistas Fluxus, que se proyectaban en eventos y happenings en Nueva York y que todavía hoy constituyen el canon del cine Fluxus.

Publicada en 1966, la compilación reúne películas realizadas entre 1963 y el año de su publicación por los artistas Eric Andersen, George Brecht, John Cale, John Cavanaugh, Albert M. Fine, Joe Jones, Owen Land (anteriormente George Landow), George Maciunas, Yoko Ono, James Riddle, Paul Sharits, Mieko Shiomi, Pieter Vanderbeck, Wolf Vostell y Robert Watts.

La proyección será introducida por Luis David Rivero Moreno, doctor en Estudios Avanzados de Historia del Arte (Universidad de Granada) y profesor en la Universidad de León (ULE), quien realizará una presentación para contextualizar la Antología Fluxfilm.

Jueves 16 de abril. 19.00 horas

Musac. Avenida de los Reyes Leoneses, 24

Entradas: gratuita previa inscripción

El Instituto Leonés de Cultura (ILC) acoge entre abril y junio la exposición 'El tiempo de la interferencia', un proyecto de arte contemporáneo comisariado por Jorge Quijano y Silvia Argüello que reúne a artistas nacionales e internacionales en torno a una reflexión sobre la imagen, la tecnología y la percepción.

La iniciativa establece encuentros inéditos entre artistas y colectivos internacionales como Laurent Grasso, el colectivo fuse* o la Galería Pedro Cera junto a figuras de referencia presentes en la exposición a través de préstamos institucionales del Musac, como Jenny Holzer, Abelardo Gil-Fournier y Joan Fontcuberta.

El presidente de la Diputación, Gerardo Álvarez Courel, ha presentado este viernes una muestra de vanguardia que abrirá sus puertas el 11 de abril.

Junto a él han estado el diputado de Cultura, Emilio Martínez Morán; los comisarios de la muestra; Nicolas Lemoine, del estudio Laurent Grasso, y el director del Departamento de Arte y Exposiciones del ILC, Luis García Martínez.

Álvarez ha señalado que la muestra reúne a “artistas de tres continentes” y propone “un recorrido por distintas formas de entender el tiempo en el contexto actual, desde la transformación del paisaje hasta el impacto del lenguaje y los dispositivos tecnológicos” y lo hace a través de “obras lumínicas, piezas audiovisuales, pintura y literatura”.La participación en este proyecto de artistas de trayectoria internacional, ha añadido, “refuerza la visibilidad exterior del ILC y sitúa a la provincia de León dentro del circuito internacional del arte contemporáneo”, al tiempo que “conecta a la institución y a la provincia dentro de un diálogo más amplio con circuitos especializados y públicos profesionales”.

Por su parte, Martínez Morán ha remarcado que es muy importante que esta muestra esté en la Sala Provincia porque “abre las puertas del ILC y de la Diputación a artistas de gran renombre y proyección internacional”.

Propone, en esencia, un recorrido por distintas formas de entender el tiempo en el contexto actual, desde la transformación del paisaje hasta el impacto del lenguaje y de los dispositivos tecnológicos en nuestra forma de mirar.

A través de instalaciones, obras lumínicas, piezas audiovisuales y trabajos textuales, 'El tiempo de la interferencia' plantea una experiencia que “invita al visitante a detenerse y a observar cómo las imágenes influyen decisivamente en la construcción de la realidad contemporánea”, ha reflexionado Jorge Quijano.

El proyecto ha sido desarrollado íntegramente por Interface Studio, un colectivo radicado en la ciudad de León, cuyos miembros han establecido un diálogo entre creadores de diferentes contextos y trayectorias.

La colaboración con el ILC ha permitido presentar en la Sala Provincia una propuesta conectada con los principales debates actuales del arte contemporáneo y ampliar la proyección cultural de la ciudad, todo ello con la colaboración de la Junta de Castilla y León, el Instituto Castellano y Leonés de la Lengua (ILCYL), el Ayuntamiento de León, el Musac y la Fundación Caja Rural.

Napalm, mucho Napalm. El contundente artista leonés Luis Melón Arroyo, conocido por su obra 'Semen de Artista' y la performance de escribir con tiza los nombres de los represaliados de San Marcos en la plaza del hoy Parador que, durante la Guerra Civil fue Campo de Concentración (para que luego los borrara el camión de la limpieza del Ayuntamiento de León con un manguerazo al amanecer siguiente), inicia una nueva etapa expositiva con el atractivo de exponer precisamente eso: Napalm, una obra del conocidísimo pintor callejero Banksy.

Será en Trobajo del Camino, donde su espacio artístico Paraíso Laboratorio de Arte, a la vez estudio y sala de exposición permanente del artista leonés Luis Melón Arroyo, inaugura con esta obra el ciclo expositivo ‘Diálogos sobre el Presente’, “una propuesta que busca transformar el escaparate del local en un punto de reflexión accesible desde la vía pública”, según el artista leonés.

Ubicado en Trobajo del Camino, en la avenida Párroco Pablo Díez número 29, el proyecto arranca con esta obra de especial relevancia cultural: Napalm (2004), del artista británico Banksy, perteneciente a la colección privada del propio Melón Arroyo.

La iniciativa nace con una intención clara: que el arte visible desde la calle no sea un mero elemento decorativo, sino una herramienta de pensamiento. Bajo este planteamiento, cada mes una nueva pieza ocupará el escaparate, proponiendo una lectura crítica de los acontecimientos políticos, sociales y culturales contemporáneos.

Qué significa el Banksy expuesto en Trobajo del Camino

La obra elegida para inaugurar el ciclo es una de las imágenes más contundentes de Banksy. En Napalm, el artista reinterpreta la célebre fotografía de la Guerra de Vietnam The Terror of War, tomada en 1972 por el fotógrafo Nick Ut. En la imagen original aparece Phan Thị Kim Phúc, una niña que huye desnuda tras un ataque con napalm.

Banksy extrae a la niña de ese contexto histórico y la sitúa entre dos iconos de la cultura popular global, Mickey Mouse y Ronald McDonald, ambos sonrientes y tomándola de las manos. El contraste entre el sufrimiento humano y la alegría artificial del imaginario consumista genera una escena de enorme potencia simbólica.

Con esta apropiación visual, el artista cuestiona las contradicciones del mundo contemporáneo, en el que conviven la expansión global del entretenimiento y la persistencia de conflictos armados cuyas consecuencias recaen, en gran medida, sobre las poblaciones más vulnerables.

“La elección de esta pieza subraya la vocación del proyecto: utilizar el arte como herramienta de diálogo público. Desde el escaparate de Paraíso, visible a cualquier hora, cada obra se plantea como una invitación a detenerse, observar y reflexionar sobre el presente”, explica Luis Melón en una nota de prensa.

Paraíso funciona simultáneamente como estudio de trabajo y espacio expositivo permanente de Luis Melón Arroyo, quien impulsa esta iniciativa con el objetivo de generar un pequeño observatorio artístico desde el ámbito local hacia las tensiones del contexto global. “El proyecto pretende demostrar que incluso un espacio independiente y de escala íntima puede convertirse en un lugar activo de pensamiento cultural”, apunta el artista leonés.

Con ‘Diálogos sobre el Presente’, el espacio inicia una programación continuada que, mes a mes, presentará nuevas obras destinadas a provocar conversación y cuestionar narrativas dominantes.

Con enorme candidez, como leonés de a pie, pero muy celoso de todo lo nuestro, de modo especial desde que políticamente nos obligaron a estar en un ente autonómico que rechazábamos, hoy siento cierta inquietud, temor mejor, al comprobar el rumbo que 'Nuestra Casa Botines' ha ido tomando.

Una salvedad pronta: rumbo no maligno, faltaría más. Culturalmente interesante por lo de museo, pero en cuanto al condominio, ahí empezamos unas curvas con peralte para mí dudoso, en lo ciudadano, en lo político y en lo sentimental.

Tiempos que han ido pasando, y el edificio estable y bien ubicado, nos ha estado diciendo con su presencia a los convecinos, a los legionenses: ¡Aquí estoy! Como lo están, salvando las distancias constructivas, la Casa Roldán, la de Goyo, Ciriaco, Luben, Alfageme… bien nombradas por sus promotores, desde que empezó a tener empaque de ciudad Legio, dentro de su necesaria expansión.

Puede hoy Fundos, me pregunto, manejar la Casa Botines, leonesa y patrimonio heredado de Caja España, dando al conjunto, continente y contenido, el rumbo que considere oportuno, esto es, una formulación museística en loor gaudiniano. Y respecto a León, y lo que significó en origen para los legionenses el edificio de viviendas, espacio comercial, luego bancario (con esencias leonesas y para los leoneses), más tarde Caja España que acabó con una extraña fusión (luego absorción) con Unicaja… ¿De todo ello, qué?

Van de retóricas las preguntas, toda vez que a la vista tenemos que Fundos, está en el empeño de dar al conjunto una globalidad museística que Gaudí, tirando de raciocinio, entiendo que no pretendió imprimir. A su vez, me fundamento parcialmente en lo escrito por el profesor César García Álvarez que ha estudiado con afán el edificio y los espacios interiores hasta encontrar otras simbólicas sorpresas, que hoy no toca enumerar.

Estamos pues ante un plan pleno patrimonial, dentro de un contesto gaudiniano, según he leído, tratando de dar una mayor condición de museo, dixit: 'Plan Especial de Renovación del Museo Casa Botines Gaudí' (obsérvese la denominación)... con sede en León, que fueron a presentar a Valladolid.

Han dicho que “no es un proyecto local, sino de vocación universal, que hunde claramente sus raíces en Castilla y León”. Si esto es así, y al menos fuerza dialéctica no les falta para decirlo, con no menor candidez formulo otra pregunta: ¿Dónde encontramos lo apical, la piloriza de las raíces, en León capital y provincia originarias donde afloró todo, o allende los límites oficiales regionales establecidos en 1833 (y nunca abolidos) por el político Javier de Burgos?

Presentando el proyectso Gaudí... en Valladolid

Para tal presentación estuvieron en el centro del poder autonómico. Mas, el edificio es inamovible, pero el concepto representativo, sí se puede sutilmente variar con la ubicación nominal deseada en el momento autonómico que vivimos. Unos alimentan el manzano, de buena reineta leonesa, y en otros lares, otros participan de la cosecha como propia. En un supuesto... “¡Todos cosechamos!”.

Hay otro trasfondo, de no menor calado. Estamos dedicando a Gaudí, al arquitecto catalán que accedió a venir a León, en distintos momentos, pero en su juventud creativa –¡Y que fue de agradecer!–, para dejar dos obras bien distintas. La social, de viviendas y bajos comerciales, un edificio en Legio, conocido como Casa Botines (en el mismo contexto ciudadano de las otras casas que ya anuncié), realizada para dos legionenses, gracias a la mediación de Eusebi Güell, por muchos asimilado a la condición de mecenas de Gaudí, para que el arquitecto dejara su impronta en Legio, con vitola catalana, no lo olvidemos. Y a fe que lo consiguió.

Es el otro momento, anterior, el connotado con el ampuloso, casi de cuento, Palacio Episcopal de Astorga. Por lo tanto ya conocía Gaudí nuestra provincia cuando vino a Legio. Le había pedido el diseño y ejecución para sede episcopal en Astorga, el obispo catalán ejerciente en la diócesis asturicense, Joan Bautista Grau, año 1889. Y al fallecimiento de éste, 1893, Gaudí interrumpe las obras, que años más tarde otros, vicisitudes aparte, rematarán.

Bien sea por esto último, o por distinta interpretación del momento y los hechos, en Astorga, que también se mueven en torno a lo gaudiniano, y su centenario, pues vende, como no podía ser de otra manera, también tienen, pero a su manera, musealizado el interior palaciego. Y acaban de adquirir un compromiso como colaborador estratégico, con la Fundación Caja Rural, lo que agradecen con el nombramiento de embajadora del edificio episcopal.

Cristal berciano para el remate de la Sagrada Familia

El grandioso templo de la Sagrada Familia, en Barcelona, su más alta y genial obra, 'hoy' ha sido rematada en altura, esto es colocada la barra vertical (hueca para observatorio) de una inmensa cruz cuya transparencia, pues va generosa en de vidrio curvo dispuesto en figuras geométricas, será también fuente de luz; todo un símbolo: 'La luz del mundo'. No ha sido gracioso el encargo catalán, la fina aportación de la empresa Tvitec radicada en el Bierzo, León, fue decisoria.

En el culmen de la torre de Jesucristo del gran templo de la Sagrada Familia en barcelona ha quedado el sello de León, con las reminiscencia del que fue el mayor reino de la cristiandad en su momento histórico. En Roma lo saben y en la historia está escrito.

¿Se sabe esto y se reconoce? Es la pregunta que queda ahora a gran altura…

Llegados hasta aquí, cada cual es libre de conjeturar lo que estime oportuno sobre el tema y sus vertientes, dando a las connotaciones, de un caso y otro, la interpretación que merecen.

'Discursos Polifónicos', de Natalia Jimenez Gallardo y Ernesto Rosa, es una performance que se presenta el 26 de febrero a las 20.30 horas en la Sala de Exposiciones Ateneo Cultural El Albeitar, dentro de la programacion de Artes Escenicas.

El artista sonoro Ernesto Rosa y la bailarina y coreografa Natalia Jimenez articulan esta propuesta que se configura como un espacio de escucha en el que el formato de entrevista se convierte en el dispositivo escenico para indagar en la complicidad. Performers y publico comparten tiempo y espacio desde la percepcion de sus propios cuerpos, situandose como sujetos activos de una experiencia comun.

Ademas, la creadora impartira el taller 'Radriografias en Movimiento' en el Aulario ULE el viernes 27 de febrero, ampliando el marco de reflexion en torno al cuerpo y la escucha.

Dibujar es recrear mundos. No sólo imaginarios, sino también pasados. Y también la forma de enseñar a los demás conceptos de investigación muy complejos y novedosos. La ilustración histórica, hoy amenazada por monstruos de IA, es una de las herramientas más poderososas para transportar cómo era la antigüedad a día de hoy. Y abrir una ventana a como eran aquellas tierras lejanas en el tiempo, de hace miles de años, que hoy pisamos en la actualidad.

Este es el objetivo del Museo Nacional de Altamira, y también, desde principios de siglo, de la arqueóloga leonesa Esperanza Martín. El mostrar una serie de imágenes que acerquen a los humanos de la prehistoria a los ojos de los del siglo XXI dentro de su programa colaborativo 'Redibujando Altamira: Más allá del relato único'. Una iniciativa basada en la perspectiva de género en la que superar las viejas concepciones de los hombres cazando y las mujeres en las cuevas, mostrando la vida cotidiana de todos los seres humanos de los grupos del paleolítico. Humanizar más si cabe la Historia.

Quién le iba a decir a Esperanza Martín que su afición de niña, dibujar mundos, iba a darle la oportunidad de que sus ilustraciones se expongan en los mejores museos de España –también tuvo el inmenso honor de ilustrar la exposición 'Alas para la guerra' de los cascos íberos de Aratis en el Museo Arqueológico Nacional (MAN) el año pasado–, y en el encargo de Altamira (una serie de ilustraciones históricas rigurosas para mostrar de forma cercana el paleolítico a los visitantes representando las cuatro estaciones del año) ha comenzado rememorando precisamente la infancia.

La arqueóloga e ilustradora leonesa, especializada en las excavaciones de campamentos romanos en la vía de La Carisa –la línea de ataque romana a los astures en las Guerras Astur-Cántabras de Augusto con posiciones fortificadas a más de 1.500 metros de altura– y con un espectacular descubrimiento antropológico en el yacimiento de Lucus Asturum (Lugo de Llanera, que el Principado de Asturias pretende protegerlo como Bien de Interés Cultural), ha iniciado su colaboración con el Museo de Altamira con una preciosa estampa del invierno, en la que un grupo de niños y adolescentes se divierten viendo nevar falampos [como se llama en asturleonés a los trapos de nieve, los copos más grandes] en la costa Cantábrica entre sonrisas y jugando con ellos. La recreación del invierno paleolítico está ahora mismo expuesta en gran formato en la entrada del museo.

“Con esto quería mostrar las emociones humanas ante un hecho como una nevada, que siempre hace mucha ilusión en los críos, porque en las demás ilustraciones de la antigüedad sale la gente sin que se sepa qué piensan, con expresiones neutras”, explica Esperanza Martín. “Se trata de representar la vida en la antigüedad siempre con perspectiva de género, claro, y mi intención es pues eso, que se vean emociones, pero siempre representando el pasado con el máximo rigor trabajando con dos investigadores de Altamira. Es una visión bastante personal nuestra, mía y de los científicos del museo. Si te fijas la mayoría de las ilustraciones que hay del paleolítico la gente está muy seria siempre, con un halo de seriedad que yo creo que no es lo más correcto, porque el ser humano una de las cosas que lo define es que tiene muchas emociones”.

La cuestión es que la imagen de la nevada impacta, precisamente por eso, porque se ve en primer plano a un niño sonriendo extasiado con los grandes copos de nieve y los demás jugando alrededor. Algo que ocurriría hoy, y que es perfectamente trasladable al pasado de los seres humanos si cualquier persona recuerda la ilusión que hacía levantarse y ver todo nevado. No es presentismo, es ese residuo histórico que se traslada al presente por la misma esencia de las emociones humanas ancestrales.

“Yo entiendo que cuando unos niños ven la nieve se ponen así. No sé los demás, pero yo siempre me alegro un montón porque es una cosa que mola mucho bien. Sirve para jugar, sirve para revolcarse... Entonces, lo que hicimos fue representar un momento puntual en la costa cántabra en en este momento. Y en realidad el aporte cronológico lo ponen, pues eso, los colgantes que llevan los críos y tal”, confiesa la ilustradora refiriéndose al final que el niño protagonista lleva un colgante magdaleniense que se ha encontrado en excavaciones arqueológicas y que se reproduce con exactitud. Aunque no todo es certificado científicamente, pero sí por lógica, que es como se trabaja preferentemente al interpretar una época como la prehistoria (de la que Esperanza Martín reconoce que no es especialista, pero que se ha tenido que informar mucho para realizar este trabajo) en la que no hay fuentes escritas y sólo objetos antiquísimos que hay que interpretar: “Hay unas cuantas cosas que evidentemente me las saco del coleto. Quiero decir, ponerle al crío un abrigo que es mucho más grande y que está roto es porque estoy segura que en la antigüedad pasaba igual que ahora, que tú heredabas la ropa de tus padres y de tus hermanos”.

Y con dientes caídos. “Como es lo que le ocurriría a los niños de seis o siete años en el cambio dental. Aunque en este caso también he pretendido ponerle uno mellado, porque yo entiendo que estos críos y los humanos de la época tenían bastantes problemas con la dentadura”, puntualiza.

Los personajes representados son Homo sapiens, no neandertales. En esencia aunque parezca una familia disfrutando de la nieve, unos niños con una cuidadora mayor, es algo más complicado. Algo que tiene que ver con la perspectiva de género, pero no centrada exclusivamente en las mujeres. La vida en el paleolítico era complicada, de supervivencia, no muy distinta de las personas que vivían en el siglo XIX en zonas tan poco pobladas como la comarca de La Cabrera en León, en la cual todos los miembros de un grupo tenían que hacer de todo para sobrevivir al invierno.

“Bueno, en realidad hay que tener en cuenta que en esta época el constructo ideológico que tenemos ahora mismo de familia no existía –especifica Martín– porque posiblemente al final todos tenían que estar copulando con todos. No existía la monogamia de la que hoy hacemos gala o por lo menos no lo sabemos. Habría que ver estudios paleantropológicos, pero yo entiendo que la monogamia no sería lo común [Nota del autor de este artículo: a día de hoy tampoco es que la gente sea fiel en el matrimonio]. O sea, en todo momento hemos entendido que la monogamia no se daba como tal en aquella época. Entonces, más que hablar de familias, en este caso habría que hablar de grupos, personas que evidentemente, conviven juntas. Y en la escena posiblemente no todos sean hermanos ni muchísimo menos, pero se vivía en grupo, se defendía el grupo. Hay gente que habla de clanes, pero a mí me gusta la me gusta hablar de grupos. Entonces, familia creo que es un término un poquito más actual que nos sirve para componernos una explicación rápida, pero el concepto es mucho más profundo. Se trata de repensar las circunstancias humanas, y es el objetivo de mostrar momentos distintos a lo que en los libros salen del paleolítico, para que la gente pueda reflexionar sobre ello”.

En el fondo lo que se pretende es destacar que no es que seamos los seres humanos actuales, en lo básico, muy distintos emocionalmente a nuestros antepasados –algo que influye en nuestros actos en sociedad– y esto es lo que se quiere divulgar con este programa de género en el Centro de Interpretación de Altamira con el objetivo de que los visitantes piensen de otra manera más extensa y comprender así que se puede estudiar la historia de forma inclusiva de todo tipo de personas y situaciones.

Las técnicas usadas para ilustrar una nevada en la prehistoria

Esperanza Martín no sólo es una dibujante excepcional, sino que también es modelista de piezas arqueológicas e históricas. Tiene una capacidad de comprensión de la naturaleza de los objetos notoria; aparte de una inmensa capacidad de trabajo, siendo directora de varias excavaciones en el Principado de Asturias, especializada en la arqueología de tiempos de los romanos. Concretamente la campamental de los legionarios que conquistaron a los astures siguiendo la Vía Carisa.

Con el tiempo, su afición le sirvió para encargarse también de los dibujos arqueológicos de sus informes, pero poco a poco fue colocando ilustraciones divulgativas en varias exposiciones hasta llegar al Museo Arqueológico Nacional en la temporal de los cascos de Aratis. Sus estampas históricas, de una gran calidad artística y rigurosidad documental, la han convertido en una de las mejores ilustradoras históricas de España. Las de la exposición del MAN lo confirman. En este caso de Altamira, ha utilizado una técnica mixta analógica-digital que ha ido destilando a lo largo de los años. La carrera de un dibujante ha cambiado mucho en el uso de las técnicas, desde los lápices a los rotuladores y las distintas imprimaciones de color, ya que este mundillo de la pintura ha avanzado en este siglo cosa fina. También los programas de ilustración, sobre todo con las Apps de las tabletas. Y todo eso ha confluido en su trabajo artístico.

En el caso de la ilustración del invierno de Altamira, comenzó con un boceto a lápiz, que entinta, escanea y pasa a la tableta. “Empiezo así y luego lo que hago es un lápiz escaneado porque yo ahora para colorear lo hago en digital: dibujo a lápiz, paso a tinta y luego coloreado en digital. Entonces, poco a poco voy añadiendo cosas y luego primero haces acuarela, la pones por delante y luego la digitalizas porque es muchísimo más fácil, pero infinitamente más fácil dibujar en digital por la muy sencilla circunstancia de que se puede corregir, echar para atrás el coloreado si algo no te satisface”, reconoce. Y también que esto fue un proceso de aprendizaje y algo de humildad con lo de la tecnología. “Que yo al principio y me negaba de manera rotunda, pero claro, es que luego no sabes cantidad de tiempo que se ahorra”.

Al final, el uso de la tecnología –también es experta en fotogrametría digital, el escaneo 3D digital de sus yacimientos arqueológicos por pura necesidad al principio para adelantar trabajo con puntos digitales XYZ generados por escáneres láser y, por tanto, en manejo de software de procesamiento de nubes de puntos– hace que estas técnicas confluyan con la ilustración histórica de forma natural. Si bien es cierto que los dibujantes valoran mucho las habilidades analógicas (pintar a mano, vaya), la realidad profesional lleva a considerar que el uso de la tecnología para cierto tipo de trabajos es más que adecuada, hoy imprescindible. La cuestión no es la pureza de la imagen mostrada, sino el resultado a conseguir.

El debate de las mujeres en la prehistoria

No hay que olvidar que el encargo del Museo de Altamira tiene que ver con la visión de género en la Historia. En esto Esperanza Martín trabaja mucho desde casi el principio de su carrera como arqueóloga e ilustradora. Y ha tenido varias críticas por representar, por ejemplo, mujeres cazando o realizando actividades considerados por la historiografía tradicional –completamente copada por hombres hasta no hace mucho– de esencia puramente masculina. No es el concepto total de lo que quiere transmitir en el museo de Cantabria, magnificar sólo a las mujeres “sino también a niños, jóvenes, ancianos... la visión de género es intentar reflejar la igualdad de todos, incluso de los hombres adultos, en la Historia”, opina.

Gracias a la investigación histórica que se ha realizado durante todos estos años la historia ha cambiado bastante, aunque la mayoría del público se ha quedado atrasado en lo que estudió en el colegio y el instituto. La cuestión es que los estudios históricos de los últimos 25 años han permitido reflexionar sobre ciertos descubrimientos que han cambiado esa imagen tradicional del hombre cazando y la mujer en la cueva. En el paleolítico vivían en grupo y como tales tenían que sobrevivir como podían, no necesariamente tenía que haber una estructura de clan muy cerrada, sino que sería el grupo en conjunto el que haría lo que tendría que hacer. Y cada individuo realizaría sus cosas específicas por su capacidad natural personal, pero al final en momentos difíciles todos arrimarían el hombro en todo tipo de actividades. Es un 'Me cambian la Historia' que, por desgracia, mucha gente no acepta aunque las pruebas y la lógica así indique que sería. Que las mujeres no podían cazar en la prehistoria no tiene mucho sentido en circunstancias de supervivencia pura, pero como hasta ahora la prehistoria la habían estudiado hombres preferentemente nunca se había pensado en este tipo de cosas.

“Lo que es la perspectiva de género en este sentido nos puede ayudar a avanzar en el estudio de estos grupos humanos del paleolítico. Porque cuando estamos haciendo ahora investigación, y de hecho hay mucha gente muy buena trabajando en el tema, vemos que lo de la mujer con un papel pasivo y el hombre activo no es así porque no hay más que ver las propias representaciones prehistóricas en la antigüedad. Lo de la ilustración del siglo veinte con la mujer dibujada siempre quedándose en la cueva y demás no cuadra con lo que se está descubriendo, cuando en realidad hay que considerar el papel del grupo femenino como completamente activo”, apunta la arqueóloga leonesa. “No solamente como madres y supervisoras de todo lo que es el grupo humano, porque aparte de las que paren son las que cuidan siempre o casi siempre, y de hecho se las dibujado, representado muchas veces como las controladoras del saber médico y demás, porque hacía falta. Pero lo que no tenía sentido es que se las desplazara de otras actividades productivas del de tipo cazador y recolector, cuando en realidad tiene lógica que realmente al trabajar como un grupo hay algunas actividades que realmente se tenían que estar haciendo en conjunto”.

Esperanza Martín dibuja mujeres cazando porque “resulta que los estudios antropogenéticos y paleoantropológicos que se están llevando a cabo en algunos en algunos yacimientos donde se pueden recuperar restos demuestran que las mujeres son, por ejemplo, enterradas con toda una serie de elementos que nos hace pensar no en matriarcados duros, pero sí en un papel realmente preponderante de la mujer. Avanzando un poco más en el tiempo, pero también en la prehistoria, si miras, pues eso, yacimientos como Panoría y también Cerrillo Blanco, y muchos otros, se encuentra que las que las tumbas dominantes son las de mujeres. Dominantes me refiero porque son las más grandes y ricas”, arguye.

Es tal la cantidad de yacimientos, más allá de los ejemplos que pone la ilustradora leonesa, que “realmente demuestran el tratamiento de la mujer como un individuo de alta importancia que se comprende ahora que estaba muy, muy arriba en la sociedad. O sea, no estamos hablando de la mujer como un elemento secundario dentro de la cadena productiva, sino, como realmente una parte tan importante como los hombres en ella”. Pero la pregunta que todos tenemos para desmontar esta aparente visión woke de la prehistoria es obvia: ¿Quién se encargaba del el cuidado de la familia? Esperanza Martín responde con calma y visión didáctica, nada de wokismo: “Sin ningún tipo de duda en las mujeres. O sea, ahí no me cabe ni la más mínima duda –reconoce–, pero es que hay muchísimas otras actividades que incluso hoy están ligadas ahora mismo a la mujer. Se han hecho estudios, por ejemplo, de las mujeres de El Argar por el desgaste que tienen de las rodillas y de las caderas y demás... y se ve que eran las que estaban encargándose de todo lo que es el producto de consumo (las harinas y demás), por las posturas que tenían que adquirir y demás, aparecen enterradas siempre con ajuares que incluyen también agujas y demás, por lo cual todo lo que es el elemento textil lo están tejiendo ellas... y además hay algunas mujeres que son claramente cazadoras, porque han sido enterradas y descubiertas con toda su impedimenta cazadora, que hasta ahora siempre se había creído propia del sexo masculino. Entonces, no sé, desvirtuar la historia, dándole un papel secundario extrapolándola al momento actual, de ama de casa, no parece correcto. No deja de ser minusvalorar un poco todo ese todo ese trabajo que realizar el sector femenino en la antigüedad, que era mucho y variado”.

Pero las críticas son constantes, aunque van bajando y mucha gente se va dando cuenta de que todos los seres humanos en situaciones de subsistencia se apoyan entre sí sin mirar sexo y condición. Pero hay ejemplos de protestas que tienden a ser completamente absurdos: sólo hay que observar la historia que compartió en Facebook por la ilustración de justo aquí abajo. ¿En qué cabeza cabe que dibujar tres mujeres en un ritual pudiera considerarse sexista? Ella misma lo explica en esta entrada con mejores palabras.

No es cuestión, con los datos arqueológicos en la mano, de decir que lo hacían todo las mujeres. Es cierto que había actividades propias masculinas como la guerra generalmente (aunque en algunas ocasiones se puedan encontrar mujeres guerreras), pero la división del trabajo productivo por sexos no era ni siquiera común hace un siglo en España en la agricultura y la ganadería. Las mujeres y los niños trabajaban en el campo al igual que los hombres, y eso todos lo tenemos presente todavía de nuestros abuelos. La cuestión es que no se debe de interpretar que se restringía la actividad de la mujer con el presentismo de nuestras costumbres contemporáneas y, además, que no se debe perder de vista que el desconocer el cincuenta por ciento del conocimiento humano no es una buena política. El trabajo en la Historia de las Mujeres es fundamental para recuperar el conocimiento, nada menos, que de la mitad de la humanidad y darle el reconocimiento debido a sus avances y descubrimientos.

“De hecho, cuando hablamos de la 'tercera mano' –que son los dientes– si uno se fija en el desgaste interdental que han sufrido gran parte de las mujeres que se encuentran en los yacimientos paleolíticos, eso te indica que estaban cortando el cuero y las cuerdas con los dientes, lo que implica que eran ellas las que estaban haciendo toda esa toda esa cadena productiva”, remacha la arqueóloga.

En todo caso por mucho que la algunos protesten no es nada descabellado que las mujeres cazaran, sobre todo animales pequeños, o llevaran un arco (un arma a distancia) o pequeños cuchillos. Y que de vez en cuando participaran en la caza de animales grandes como grupo de apoyo para dirigir a la presa a un una trampa, llevando armas ligeras para intentar defenderse en caso de que se desbocaran, y que allí los hombres los mataran con lanzas cuerpo a cuerpo.

“Si tú te pones a mirar un pueblo de La Cabrera en el siglo pasado, las mujeres hacen de todo porque es que es necesario porque es supervivencia y aquí el individuo importa. Es que yo no sé por qué razón la mujer la consideramos siempre como ama de casa. ¿Nunca nos imaginamos a una mujer ganadera en el pasado? Pues en la actualidad no hay problema, y tampoco debería ser así pensarlo en la Antigüedad. Al final todos los individuos del grupo tenían que estar realizando todas las actividades. Y de hecho en ese cuando te digo que no sé, imaginamos siempre a las mujeres como médicas y demás, es precisamente porque bueno, al estar al cuidado de la de los de lo que es el grupo humano, evidentemente la lógica te lleva a pensar que es la mujer la que cuida y la que aprende, ¿no? Y sobre todo, la encargada, que nos olvidamos de esto y es hiperimportante, la encargada de la transmisión oral de conocimientos”, continúa argumentando la arqueóloga.

De hecho, lo que más le satisface de su visión de que “todos hacían de todo” y de que “las mujeres también” es, se congratula, “de poder trabajar y ver cómo las niñas se dan cuenta de que pueden hacer lo mismo que los niños, que antes que ellas hay otras chicas que lo han hecho y, claro, si ellas pudieron, por qué no ellas. Pero no sólo eso, que es muy importante para que cojan confianza de que pueden proponerse lo que sea, sino también que los niños lo vean igual, que no piensen que ellas no pueden, que lo vean natural”. “Es que ese es el verdadero camino para la igualdad, que todos respeten a todos el deseo de hacer lo que quieran en la vida, sin que nadie les diga qué pueden o no por ser de un lugar o de un sexo determinado”, esgrime la arqueóloga e ilustradora.

“O sea, tú piensas ahora mismo en el paleolítico. ¿A que te imaginas a un montón de cazadores cazando un mamut, por ejemplo? Porque el rollo es que no se ha representado ninguna otra actividad de manera prioritaria. Y siempre dicen, pues eso, 'un montón de cazadores transportando un ciervo que acaban de cazar o cazando un mamut o peleando contra el lobo y tal'. Y como mucho en segundo plano dibujas a una mujer en la cueva cuidando de los niños. Eso suponiendo que aparezca la mujer. Entonces, muchas veces el centrar el protagonismo de una imagen en determinadas figuras, lo que hace es trastocar de una manera bastante notable la percepción que los que hemos investigado en yacimientos tenemos de la de la de la realidad y de la Antigüedad. Entonces, si yo te hablo hablo de Roma, si tú le pides a un niño que te dibuje Roma, posiblemente te dibuje el circo romano con las cuadrigas y los gladiadores. Y van a ser siempre señores, evidentemente. Si tú a un niño le pides que te dibuje un astronauta, va a dibujar un señor que sea astronauta. Si tú le pides a un niño que dibuje un medieval, te va a dibujar a un cruzado medieval. Bajo ninguna circunstancia te va a dibujar una mujer”, pormenoriza la ilustradora sobre este asunto. “Bueno, igual en España ahora mismo sí dibujan una astronauta”, reconoce sonriendo tras darse cuenta de que su paisana leonesa Sara García Alonso es la más conocida en el país por sus charlas científicas motivadoras debido a que el otro paisano que irá al Espacio, Pablo Álvarez, está en entrenamiento.

¿Esto quiere decir que se le tenga que echar la culpa a los hombres de esta visión masculina del pasado? No pretende Esperanza Martín acusarles de ello. Es de entender que centrados en su trabajo y viviendo en tiempos pasados más machistas no pensaran en las mujeres, porque al desconocer sus circunstancias y sus capacidades los hombres tienden a no pensar en lo que realmente no conocen. “Eso sí, todo lo que se va descubriendo debe de hacer reflexionar a los señores que hay otras formas de vivir la vida y de realizar actividades y que también estamos las mujeres, y que sabemos hacer de todo”, reivindica.

Más allá de polémicas vanas –“En realidad quienes protestan por una ilustración de una mujer prehistórica cazando son pocos, muy gritones, pero sólo en las redes porque en los museos la gente se maravilla porque les hace pensar”, puntualiza–, Esperanza Martín pretende contar la Historia de forma visual como algo que es común a todos los seres humanos, incluso de la actualidad. Mostrar las emociones humanas para explicar al hombre de la Era Digital que sus antepasados vivían las cuestiones cotidianas como él.

— ¿Tú ves en lo que he dibujado una imagen del paleolítico? Yo veo unos niños pasándoselo en grande viendo nevar. Nada distinto de lo que sería hoy. En el fondo somos los mismos pero con móviles y electricidad, pero nuestra esencia a la hora de sentir emociones y vivir esos momentos de la vida es igual en todos los seres humanos. Los de hoy y los del pasado.

“Elije una mujer, pasada o presente, que haya tenido un impacto en un campo STEAM (Ciencia, Tecnología, Ingeniería, Artes o Matemáticas). Investiga su trabajo y legado para comprender sus logros y reflexionar sobre lo que la hace tan inspiradora.Luego, crea un prototipo, obra de arte o pieza digital que muestra por qué ella es importante — para ti, para tu comunidad y al mundo”.

Con esta llamada a la acción FabLab León ha abierto la inscripción para el desafío 'Fab & Fierce', que propone celebrar a mujeres destacadas en los campos STEAM (ciencia, tecnología, ingeniería, artes y matemáticas) mediante la creación de un prototipo o proyecto digital inspirado en su legado.

La actividad gratuita dirigida a chicas y jóvenes mayores de 16 años plantea este reto como parte del proyecto europeo Fab Connect Her, que busca impulsar el talento femenino en tecnología y fomentar el reconocimiento de referentes históricas y contemporáneas en ámbitos tradicionalmente masculinizados. La actividad se desarrollará los días 13 y 14 de febrero en las instalaciones del Fab Lab León, con la obligación de asistir a ambas jornadas.

Durante esas sesiones, las participantes deberán elegir a una mujer influyente en un área STEAM, investigar su vida y su impacto, y diseñar un prototipo creativo utilizando herramientas de fabricación digital como impresión 3D, corte láser, electrónica o textiles tecnológicos.

El proceso culminará con la elaboración de un vídeo corto en el que presentarán su proyecto y explicarán por qué consideraron inspiradora a la figura seleccionada.

El desafío invita a combinar creatividad y tecnología para contar historias de mujeres que abrieron camino y para reflexionar sobre la representación femenina en ciencia y tecnología. Según la organización, la propuesta busca desarrollar competencias técnicas, pensamiento crítico y habilidades narrativas, además de generar un espacio de encuentro entre jóvenes interesadas en la innovación.

Las sesiones se celebrarán el viernes 13 de febrero y el sábado 14 de marzo, con plazas limitadas y bases que se pueden consultarse en la web oficial del proyecto europeo.

El Musac de León y la Fundación Cerezales Antonino y Cinia se han colado entre las 50 principales referencias en el Ranking Nacional ('Lo mejor de la Cultura en España 2025') que cada año elabora la Fundación Contemporánea y publica a través de un informe presentado este jueves en Santander.

Un año más, pese a bajar un puesto (19), la Seminci es el primer acontecimiento cultural de Castilla y León en un listado que encabezan el Centro de Arte Reina Sofía, el Museo del Prado y el Festival de Cine de San Sebastián, entre las preferencias de los especialistas consultados para la confección de este informe.

El Musac (22), gracias a las exposiciones de Yoko Ono y de Ai Weiwei, escala trece puestos en ese escalafón nacional donde le siguen, entre los representantes de Castilla y León, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (45), en Cerezales del Condado, que asciende más de treinta posiciones.

Sube tres puestos, hasta el 57, la Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo (Salamanca), y desde el 93 hasta el 59 el festival de música Sonorama Ribera en Aranda de Duero (Burgos) por delante del Museo Patio Herreriano de Valladolid (66), que asciende más de sesenta puestos.

Los restantes representantes de Castilla y León en este listado nacional con más de un centenar de citas culturales son el Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (71), que remonta más de veinte escalones; el Hay Festival Segovia (77); y la Fundación Díaz Caneja en Palencia (91).

Lo mejor de Castilla y León

El Musac ha arrebatado al Museo Patio Herreriano (6) el liderato al que llega ahora desde el tercer puesto de 2024 y que en este informe de 2025 ocupa la Feria de Teatro de Castilla y León.

La Seminci continúa en el segundo escalón y le siguen Sonorama Ribera (4), Fundación Díaz Caneja (5), Museo de Escultura (7), Fundación Cerezales (8), Domus Artium de Salamanca (9) y Fundación Las Edades del Hombre (10).

Por comunidades autónomas, Castilla y León mejora dos puestos hasta el lugar octavo, dentro de una clasificación que abren Madrid (1) y Cataluña (2) y que cierran Castilla-La Mancha y Región de Murcia.

Entre los quince 'Museos y centros de arte imprescindibles', otra clasificación, Castilla y León está representada por el Musac (9) y la Fundación Cerezales (15).

Otros imprescindibles, en diferentes apartados, son la Seminci (festivales de cine), en tercera posición de diez; Sonorama Ribera (festivales de música), en sexto lugar de diez; la Feria de Teatro de Castilla y León, sexto de diez, y el TAC de Valladolid, en décima posición (teatro); y el Hay Festival Segovia, el cuarto de cuatro (festivales de literatura y pensamiento).

Entre los imprescindibles del medio rural, otra categoría, Castilla y León aporta al mapa nacional la Fundación Cerezales, el Sonorama Ribera, la Feria de Teatro de Castilla y León, el Festival de Teatro Clásico de Olmedo, el FETALE (Teatro) en Urones de Castroponce (Valladolid), y el festival de Mujeres Creadoras en la comarca burgalesa del Arlanza.

Insignia Cultural 2025

La Insignia Cultural, el galardón que destaca lo mejor del año en cada territorio, ha recaído en el Musac, que sucede en este privilegiado lugar al Museo Patio Herreriano, mientras que Valladolid sigue siendo la primera de Castilla y León en el ranking de las ciudades que en 2025 tuvieron mejor oferta cultural.

Madrid lo encabeza y además de Valladolid (9), figuran León (24), Salamanca (29), Burgos (34), Segovia (35) y Zamora (42) en un listado de medio centenar de municipios, en su mayoría capitales de provincia.

Por último, entre las novedades culturales del año, el informe ha saludado la puesta en marcha en Valladolid del Museo Casa Delibes, inaugurada el pasado octubre, al igual que otras iniciativas a escala nacional que ha referido en orden alfabético.

Como novedad de esta edición, se ha presentado una guía cultural digital para todos los públicos que podrá consultarse durante todo el año, y que incluye cerca de 600 propuestas de toda España recogidas en las últimas clasificaciones anuales y permite consultar por lugares, fechas y disciplinas artísticas con el valor añadido de su prescripción por los profesionales del sector.

El Espacio Factor de San Feliz de Torío acoge este viernes 23 de enero, a las 20.00 horas, la inauguración de la exposición ‘Orgánico versus geométrico’, una propuesta escultórica compartida por los artistas José Luis Casas y Carlos Rodríguez. La apertura contará con una performance inaugural y una visita guiada que permitirá al público adentrarse en el planteamiento conceptual de la muestra desde el primer momento.

La exposición plantea un diálogo entre dos maneras de entender la forma escultórica aparentemente opuestas, pero complementarias. Por un lado, la geometría, la precisión matemática y las estructuras modulares. Por otro, la fluidez, la asimetría y las referencias directas a los procesos de la naturaleza. A través de este contraste, la muestra invita a reflexionar sobre cómo ambos lenguajes conviven, se tensionan y se enriquecen mutuamente en el espacio expositivo.

José Luis Casas (León, 1979) presenta un trabajo centrado en la exploración de formas geométricas como cubos y poliedros, con esculturas que juegan con el lleno y el vacío y mantienen una clara vocación arquitectónica. Su trayectoria incluye exposiciones en distintas ciudades españolas y obra permanente en espacios públicos y fundaciones, además de reconocimientos como la Ayuda a la Creación Artística del Instituto Leonés de Cultura (ILC, dependiente de la Diputación de León) en el área de escultura.

Frente a esta aproximación más racional, la obra de Carlos Rodríguez (Valdestillas, 1969) se nutre de formas orgánicas y procesos naturales. Sus esculturas en hierro, de carácter figurativo y abstracto, incorporan curvas, huecos y texturas que evocan crecimiento, movimiento y una conexión directa con el entorno humano y natural. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Rodríguez combina su producción artística con la docencia y la divulgación del dibujo y la creación plástica.

‘Orgánico versus geométrico’ se presenta así como una oportunidad para acercarse a dos miradas escultóricas distintas pero complementarias, en un espacio que continúa consolidándose como punto de referencia cultural en el entorno rural leonés. La inauguración de este viernes marca el inicio de una exposición pensada para el diálogo pausado entre obra, espacio y espectador.

El artista Ai Weiwei dona al Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac) la obra El tres de mayo (2023), su versión de la obra de Goya elaborada bloques de Lego que fue producida específicamente para la exposición Ai Weiwei. Don Quixote que albergó el centro hasta mayo del año pasado.

Esa obra pasa a formar parte de la colección Musac que se incrementó en 2025 con once nuevas tras la inversión realizada por la Junta de Castilla y León, que ha dedicado un presupuesto de 70.000 euros a la adquisición de obras para el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, según ha informado este sábado la Junta de Castilla y León en un comunicado.

El tres de mayo [The Third of May] (2023), un gran cuadro que Ai Weiwei produjo específicamente para la exposición Ai Weiwei. Don Quixote, en el que versiona la obra de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid.

La exposición del artista y activista chino en el Musac se articulaba en torno a sus obras producidas con bloques de Lego, por lo que resulta especialmente relevante que esta destacada obra realizada con esta técnica pase a formar parte de los fondos del museo.

En su versión de la obra maestra de Goya, Ai Weiwei se sitúa como uno de los rebeldes asesinados, posicionándose así entre los oprimidos por el poder y establece una comparación entre los sanguinarios sucesos de aquella noche y los actos contemporáneos de castigo y dominación.

En palabras del artista: “La sociedad siempre ha estado sujeta a cambios políticos drásticos y, con cada giro, hay quienes mueren o se sacrifican. Esta pintura lo captura de manera tan vívida y directa que parece que estuviese animada, expresando la profunda empatía que Goya, un artista que admiro enormemente, tenía por el sufrimiento humano”.

Además, ingresan piezas de los artistas Ai Weiwei (Pekín, 1957), Yasumasa Morimura, Saelia Aparicio (Valladolid, 1982) y Luis Moro (Segovia, 1969).

Se incorporan a través de donación las obras El tres de mayo [The Third of May] (2023), de Ai Weiwei; siete fotografías de la serie Autorretratos a través de la historia del arte, de Yasumasa Morimura; Tiempos modernos (2024-2025), de Luis Moro; y Luz interior (2022), de Saelia Aparicio y además se adquiere la obra Esfinge absorta. Amanecer (2022), de Saelia Aparicio.

Estas piezas cuentan con el informe favorable de la comisión asesora de la Colección Musac, formada por la comisaria independiente y crítica de arte Bea Espejo, la artista Ana Prada, el subdirector artístico del CAAC de Sevilla y C3A de Córdoba Gilberto González y el director del Musac, Álvaro Rodríguez Fominaya.

De este modo, se suman a la Colección Musac obras que fueron producidas específicamente para el museo y que funcionan como memoria activa del mismo tanto de destacados artistas internacionales, como es el caso de Ai Weiwei, como del contexto de Castilla y León, como es el caso de Saelia Aparicio y de Luis Moro.

Además, se profundiza en el conjunto de obras que el museo posee de un artista de relevancia internacional como Yasumasa Morimura.

Con las últimas incorporaciones, la Colección Musac pasa a estar compuesta por 1.182 obras de 438 artistas internacionales y nacionales, entre las que se encuentran 160 obras de 51 artistas de Castilla y León.

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), con sede en la capital leonesa, recibió durante el año 2025 un total de 116.217 visitantes, lo que supone un aumento de más de 29.000 personas respecto a las 86.831 del 2024 y un récord desde hace 15 años.

El museo ha alcanzado al cierre del año pasado un total de 1.737.060 visitas desde su inauguración el 1 de abril de 2005.

Con seis exposiciones temporales inauguradas a lo largo del año, la programación expositiva del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ha contribuido a afianzar al centro como uno de los referentes en el panorama artístico a nivel nacional.

En cuanto a su procedencia, el público local representa el 55% del total de las visitas, lo que evidencia el arraigo y la aceptación del museo en su entorno más cercano. Asimismo, el público de ámbito nacional concentra el 37,2% de las visitas, consolidando una tendencia de crecimiento sostenido y una mayor proyección del museo a nivel estatal. Por último, las visitas de procedencia internacional, que suponen el 7,4 % del total, aumentan un 2,4 % respecto al 2024.

El primer cuatrimestre del 2025 estuvo protagonizado por la exposición “Ai Weiwei. Don Quixote”, que tras inaugurarse en noviembre de 2024 pudo visitarse hasta el mes de mayo de 2025. La muestra del reconocido artista y activista chino supuso un revulsivo a nivel artístico, social y económico, avalado por un informe de la Universidad de León que evaluó en 33 millones de euros el impacto económico de la muestra.

La programación de los primeros meses del año se completó con dos muestras de obras pertenecientes a la Colección Musac: ‘Así como suceden las cosas, también nada sucede’ y Yasumasa Morimurara. Autorretratos a través de la historia del Arte’.

El verano estuvo definido por la primera exposición en España de las poéticas esculturas cinéticas creadas por estudio holandés DRIFT y por dos muestras individuales de los pintores Secundino Hernández y Luis Moro, premio Castilla y León de las Artes 2019.

La programación del 2025 se completa, a partir del pasado 8 de noviembre, con la esperada muestra ‘Yoko Ono. Insound and Instructure’, que celebra la relevancia y trascendencia de la obra de esta artista pionera del arte conceptual y participativo, el cine y la performance; relevante música y activista por la paz mundial.

La exposición, que puede visitarse hasta el próximo 17 de mayo, revisa la trayectoria de Yoko Ono a través de más de 80 obras, desde sus célebres piezas de los años sesenta hasta proyectos recientes.

El Ayuntamiento de León se lleva por delante estos días una de las pocas fuentes de estilo brutalista que tiene la ciudad de León, una escuela arquitectónica que destaca en todo el mundo y del que la capital leonesa tiene muy pocos ejemplares, como ya explicó ILEÓN en este reportaje.

La fuente preside la glorieta, la de Carlos Pinilla, doblemente polémica y con una curiosidad inesperada. La primera polémica es la propia elección de la fuente que se está derribando, tras la creación de la misma glorieta y la instalación de un vagón de ferrocarril para honrar al barrio ferroviario que no gustó y los vecinos llenaban de basura; para que en 2004 el Ayuntamiento construyera esta instalación acuática tras una consulta al barrio... que tampoco terminó precisamente aceptada por una población que no es admiradora del estilo brutalista. La segunda polémica es el nombre de la propia glorieta, dedicada a un gobernador civil franquista (Carlos Pinilla) del que se dice sustrajo los terrenos a una familia para construir el barrio que sigue llevando su nombre, pese a incumplir la Ley de Memoria Democrática.

La curiosidad inesperada es que la fuente que se derriba está en una glorieta que va a dar a la calle de Laureano Díez Canseco, un potentado del siglo XX cuyo familiar Miguel Díez-Canseco tuvo una finca en Armunia llamada La Fontana, donde se descubrió hace unos meses otra fuente de extraña factura que sí va a recuperar el Ayuntamiento de León en este caso.

Derribo para colocar una estructura de acero cortén

La glorieta Carlos Pinilla, un punto neurálgico que articula el tráfico de seis vías principales en el oeste de la capital leonesa será transformada por tercera vez en este cuarto de siglo. Con la llegada de las piquetas, la ciudad se despide de una estructura ornamental de 1.800 metros cuadrados de hormigón armado que, durante 21 años, representó una apuesta por una estética industrial y rotunda, muy vinculada a la arquitectura brutalista por su uso del material de hormigón en basto y su organización en potentes planchadas de cinco niveles.

Inaugurada en 2004, esta fuente no era una instalación convencional. Se trataba de un complejo sistema de cinco niveles con juegos de agua y luces, diseñado para albergar medio millón de litros de agua. Su funcionamiento dependía de 135 chorros –con un surtidor central que alcanzaba los siete metros de altura– e iluminación mediante 249 focos. A pesar de ser un ejemplo de una arquitectura de hormigón poco frecuente en el catálogo urbano de León, su mantenimiento y diseño generaron debate desde el primer día.

El Ayuntamiento ha justificado su retirada no solo por las críticas vecinales acumuladas, sino por su elevado impacto económico. La factura eléctrica de la fuente rondaba los 1.500 euros mensuales, a lo que se sumaban problemas prácticos como el ruido constante del agua, las molestias por salpicaduras en días de viento y una escasa visibilidad que llegó a provocar que algún vehículo terminara dentro del recinto.

Dada la complejidad de la estructura, los trabajos se han dividido en fases para minimizar el impacto en los veinte mil vehículos que circulan diariamente por la zona. Antes de proceder a la demolición masiva del bloque de hormigón, se realizó un desmontaje selectivo de elementos reutilizables como motores, bombas, luminarias, cuadros eléctricos y válvulas, con el fin de que tengan una segunda vida en otras fuentes de la ciudad.

Una nueva imagen de 'hierros' con vegetación

El futuro de la glorieta contempla un nuevo ajardinamiento y la instalación de una escultura de acero corten, obra del artista Conrado Zurdo Álvarez, cuyo diseño no se ha hecho público. La pieza, de 7,5 metros de altura, representará dos árboles que se abrazan, buscando una integración más orgánica y sostenible con el entorno.

La obra es creación del artista leonés Conrado Zurdo Álvarez. Su propuesta consiste en una serie de piezas de acero, uno de los elementos favoritos de la escultura contemporánea, corten laminado que simulan dos árboles que se abrazan o se cruzan. Este diseño busca representar un vínculo natural en medio del entorno urbano. Será de grandes dimensiones para asegurar su impacto visual en con 7,5 metros de altura y 5,5 metros de anchura.

La pieza no se colocará de forma aislada sobre el terreno; se asentará sobre una plataforma o estructura de sustentación diseñada específicamente para soportar el peso y las dimensiones del acero. Además, se instalará un sistema de iluminación dedicado para resaltar la obra y ponerla en valor durante la noche.

Para garantizar la integración paisajística la obra de Zurdo será el elemento central de un nuevo proyecto de ajardinamiento. Este espacio contará con redes de riego y drenaje, además de la plantación de arbustos y árboles reales que complementarán la temática del armazón de acero que sustituirá a la fuente escultórica brutalista.