Los Peaky Blinders fueron una pandilla juvenil, urbana y criminal que surgió en los bajos fondos de Birmingham a finales del siglo XIX. Sus actividades delictivas incluían un amplio catálogo de fechorías: apuestas ilegales, robos, extorsión, fraude, soborno, contrabando, secuestro... Las mismas y violentas tropelías que perpetraba cualquiera de las otras muchas bandas criminales que también emergieron en aquella época en los arrabales industriales de las principales ciudades británicas. Lo que les distinguía de todos esos otros grupos era el elegante y característico atuendo con que se paseaban ufanos y desafiantes por el barrio: chaquetas a medida, abrigos con solapa, chalecos con botones, pañuelos de seda, pantalones de campana, botas de cuero y las inconfundibles gorras planas con visera en cuyos bordes escondían sus temibles cuchillas de afeitar. En definitiva, lo que les distanciaba de los demás delincuentes de Inglaterra era una cuestión de estilo.

La serie que irrumpió en el panorama televisivo hace ya trece años tomaba algo más que el nombre de aquella banda criminal para situarnos en el Birmingham posterior a la Primera Guerra Mundial y presentarnos a los Shelby, una familia de gánsteres callejeros que ascendían en la escala social hasta convertirse en los reyes de la clase obrera. Otra historia de violencia, ambición y luchas de poder. Aunque, como en el caso de los originales Peaky Blinders, lo que acabo convirtiendo a esta impecable producción de la BBC en un fenómeno capaz de influir en la estética de su tiempo fue también una cuestión de estilo. 

En Peaky Blinders se fuma, se bebe whisky, se muere, se mata, se viste y se dice fuck you mejor que en ninguna otra serie. Bellamente diseñada y filmada con una espectacular fotografía, su poder de atracción residía más en el continente que en el contenido. Su sustancia dramática era buena, pero fue su hipnótica atmósfera, con sus colores grises y parduzcos tiñendo la perenne bruma inglesa, lo que finalmente atrapó a un público que seguía cada nueva temporada con auténtica devoción. Y para ellos, para esa numerosa legión de fans, es para los que también la BBC ha producido este largometraje con ínfulas de brillante epílogo pero evidentes lagunas. Es lo que se llama un fan service, productos destinados a satisfacer a todos esos fieles seguidores que se han quedado con ganas de más. Aunque por supuesto todo esto va de seguir exprimiendo la gallina de los huevos de oro, de unos productores que seguirán llevándose una pasta gansa mientras sea posible. 

Lo que ocurre con Peaky Blinders: el hombre inmortal es que da la impresión de que nadie se ha esforzado por armar un digno final para unos personajes tan rotundos e instalados en la memoria colectiva. Todo parece hecho a vuela pluma, con un aburrido guión y el abuso reiterado de esa estética tan particular que encumbró a la serie original. Uno esperaba que con Cillian Murphy, Rebeca Ferguson, Tim Roth, Barry Keoghan o Stephen Graham formando el impresionante elenco de actores, el filme fuera un digno cierre. Pero no, estamos ante un producto sin alma, un envase vacío cuyas carencias son aún más evidentes al ser comparado con aquella serie que derrochaba personalidad y estilo.

La vida de Salvador, un padre que surca los días intentando sobrevivir a sus adiciones y errores del pasado, da un nuevo vuelco cuando descubre que su hija está involucrada en las violentas y racistas actividades de un grupo neonazi. En principio y en estos tiempos que corren estamos ante un argumento muy jugoso para escarbar en los procesos de radicalización ideológica, en las razones que explicarían el auge de la extrema derecha, o en esas élites económicas que manejan los hilos y se aprovechan del caos para inundar redes y medios de comunicación de mensajes que desinforman y alimentan el odio. Además, la producción cuenta con un creador de solvente prestigio, un Aitor Gabilondo que es responsable de series como Vivir sin permiso (2018), Yo, adicto (2024) o esa incontestable obra maestra que es Patria (2020). Si a esto sumamos a Daniel Calparsoro tras las cámaras y a un estupendo elenco de actores liderado por el siempre imbatible Luis Tosar, la fórmula parecía contar con todos los ingredientes necesarios para alcanzar cierta excelencia. 

Decía Alfred Hitchcock que una buena película es como la vida, pero sin las partes aburridas. Y hasta hace bien poco esto era así, concretamente hasta que empezó esta moda de hacer películas de siete horas, miniseries que estiran tediosamente una trama que se podría y debería haber contado en noventa minutos, en esa hora y media que es como la vida pero sin las partes aburridas. Y es aquí donde encontramos el primer gran problema de esta serie, en sus capítulos inflados con subtramas que acaban desvaneciéndose, en ese afán por querer abarcar demasiados puntos de vista que aleja al espectador del drama íntimo y doloroso del padre protagonista. Es un retrato del ecosistema del fanatismo demasiado ambicioso que finalmente lastra nuestra atención y desdibuja el posible impacto del mensaje. 

En la era de la saturación audiovisual es cada vez más complicado separar la paja del grano, saber cuales son esas producciones que nos enriquecen y cuales son esas otras que simplemente sirven para llenar las horas vacías. La historia que nos ocupa navegaría entre los dos ámbitos, en un mar de grises, ni tan buena ni tan intrascendente, alternando momentos de una fuerza visual y narrativa muy potentes con otros disfrazados de una complejidad que no lo es tanto. Salvador (2026) es una de esas series que se ven con cierto interés y son entretenidas, pero que están condenadas a no perdurar en el tiempo, que definitivamente no son como la vida sin las partes aburridas.

El escritor, periodista y viajero berciano Valentín Carrera ha ganado la primera edición del Premio Altaïr de Literatura de Viajes con la obra El mundo desde abajo, donde relata el viaje del misionero benedictino Rosendo Salvado desde Roma hasta Australia Occidental, donde en 1846 fundó la misión de New Norcia.

El jurado del premio, que impulsa la librería Altaïr junto con la editorial Folch&Folch, ha destacado este lunes la “riqueza lingüística, la profundidad de la investigación y la capacidad del autor para relacionar contextos y voces de distintos continentes” en este título.

Los integrantes del jurado, Pep Bernadas, Ernest Folch, Marc Cerrudo, Patricia Almarcegui, Cèlia Cernadas y Agus Morales, entienden que se trata de una obra que es “el ejemplo perfecto de lo que debe ser un libro de viajes”.

Valentín Carrera, que ha hecho recientemente un documental sobre la figura de Rosendo Salvado, reconstruye el viaje de este misionero y “enlaza su periplo vital con los grandes debates humanos, culturales y políticos del siglo XIX, ofreciendo una reflexión contemporánea sobre el sentido del viaje como experiencia de conocimiento y empatía”.

Nacido en Ponferrada (León), en 1958, Carrera está especializado en ecología y cambio climático. Licenciado en Filosofía por la Universidad de Santiago, doctor en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y diplomado en Comunidades Europeas por la Escuela Diplomática de Madrid, ha publicado una treintena de libros, además de realizar más de doscientos documentales y coproducciones internacionales, como la serie de televisión Rosendo Salvado. Aventura y misión de un gallego en Australia.

El Premio Altaïr de Literatura de Viajes, que se entregará el próximo mes de abril, es una iniciativa de la librería barcelonesa que nace con el objetivo de dar voz y reconocimiento a la literatura de viajes.

De la mano de la editorial Folch&Folch, el premio “busca reunir manuscritos de calidad procedentes de todo el mundo, con una mirada crítica y sensible sobre lo que significa viajar: un acto de empatía y reflexión que invita a comprender el mundo desde otras perspectivas”.

Es tiempo de recapitular, de escoger alguna de las mejores producciones que hemos podido disfrutar en este año 2025 que está a punto de cerrar sus puertas. Como casi siempre, ha habido de todo, mucha producción audiovisual en una dinámica que está consiguiendo trivializar el oficio de contar historias con una cámara, que está consiguiendo que el entretenimiento devore al arte. Aún así, se siguen gestando historias únicas, evasiones de salón que hacen pensar, que nutren esa cierta y maravillosa perplejidad que es tan hermosa cuando es apelada. 

Aquí les dejo una subjetiva lista con diez miniseries que cuentan cosas, que entretienen y en algunos casos también educan. Escojan una cualquiera y llenen cualquiera de estas tardes que se avecina con una buena historia. Porque de eso se trata desde el principio de los tiempos: una buena historia y nuestra imaginación.

Anatomía de un instante (España) – Movistar Plus+

La miniserie de Alberto Rodríguez es tan interesante como entretenida. Anatomía de un instante es una de esas series que, además de todos los valores artísticos que atesora, debería ser enseñada a los jóvenes en las clases de historia. Por eso, para qué piensen, para que descubran de dónde venimos, para que entiendan porque es tan necesario conocer nuestra propia historia.

The Studio (Estados Unidos) – Apple TV

Hollywood se mira a sí mismo en esta hilarante comedia que parodia con descaro y mucho sentido del humor la realidad diaria que se vive en una productora, las ansiedades que invaden a ejecutivos y creadores, las dudas y disparates que se suceden hasta encontrar esa serie o película que logre triunfar. Plagada de cameos y referencias que harán las delicias de cinéfilos.

Animal (España) – Netflix

Lo primero es reconocer que al recomendar esta serie que cuenta las andanzas de un veterinario rural gallego que termina trabajando en una tienda de mascotas, no soy nada objetivo. Después de trabajar durante años en la televisión de Galicia conozco personalmente a muchos de los implicados, tanto detrás como delante de la cámara. Y quiero que les vaya bien, algo que ha sucedido porque la serie protagonizada por Luis Zahera ha tenido un gran éxito de público. Es entretenida, sin más ni menos pretensiones que dejarse ver con agrado.

Task (Estados Unidos) – HBO Max

Brad Ingelsby, creador de esa otra maravilla que es Mare of Easttown (2021), vuelve a fijar su mirada en la parte fea del mundo, en los rincones de la derrota, en todos esos tipos perdidos y erráticos que vagan por la vida. Una trama muy potente que engancha desde el primer episodio y un tratamiento de personajes complejo y lleno de aristas. 

Blue Lights (Irlanda) – Movistar Plus+

Blue Lights es otro estupendo drama policial británico que cuenta con el infalible sello de calidad de la BBC. Saben construir mejor que nadie este tipo de producciones, con personajes reales, muy bien escritos y mejor interpretados. Te crees lo que ves, el mundo que retrata es cercano y los problemas de sus protagonistas podrían ser los de cualquiera de nosotros. Estamos ante una de esas inequívocas series que simplemente tratan al espectador como a un adulto. Y esto último puede parecer una perogrullada, pero créanme, no lo es.

Tierra de mafiosos (Reino Unido) – Movistar Plus+

Tierra de mafiosos es un juguete armado únicamente para cumplir su innegociable función de entretener y evadir nuestra mente. No se engañen, aquí no se busca la veracidad o se traslada a la pantalla la biografía real de algún reputado gánster. Esto es pura diversión, con personajes extravagantes y exagerados, con una violencia tan excesiva que roza la caricatura, con unas frases de dialogo que solo pueden ser escuchadas dentro de una ficción y con una rocambolesca trama que permite que todo sea posible, con esa libertad que da precisamente el vasto territorio de la invención.

El eternauta (Argentina) - Netflix

El eternauta no deja de ser otra enésima forma de contar un futuro apocalíptico. Lo que la hace mucho más original que otras series del género es su desacomplejada mirada argentina sobre el drama, con esos paisajes arrasados de Buenos Aires que son tan poco habituales en este tipo superproducciones, o con unos personajes más cercanos a la realidad y tamizados por ese cinismo o sentido del humor tan intrínsecamente porteños.

Yakarta (España) – Movistar Plus+

Posiblemente haya sido la mejor serie nacional de este año que cerramos. Es contenida, un tratado sobre la derrota que rebosa de elocuentes silencios, con unas frases de dialogo que lo dicen con toco con poco. Impresionante duelo actoral entre Javier Cámara y la joven Carla Quillas. Carreteras secundarias y familias rotas tejen este conmovedor relato de perdedores.

Bosh: Legado (Estados Unidos) – Amazon Prime

Bosh: Legado es una continuación de la serie original que no se sale del inteligente guión previsto, tiene las mismas hechuras que todas esas películas y series clásicas del género, es sosegada como una melodía de jazz de los años cuarenta, un elogio a la sencillez narrativa y estilística, una genuina rareza que se distancia discreta y elegantemente de tanto ruido catódico.

Adolescencia (Reino Unido) – Netflix

A estas alturas está casi todo dicho sobre este imperdible drama televisivo presentado en cuatro episodios que abordan desde distintos puntos de vista una tragedia inconcebible para cualquier ser humano con un mínimo de empatía social: el asesinato de una adolescente a manos de un compañero de clase. Obra maestra que remueve conciencias, contundente ensayo social sobre la complejidad del estado actual de esta sociedad que viaja tan rápido como un tren a punto de descarrilar.

La secuencia televisiva que muestra a Adolfo Suárez levantándose de su escaño para ayudar a su vicepresidente, Manuel Gutiérrez Mellado, zarandeado por los guardias civiles que asaltaron el Congreso el 23F, es sin duda una las imágenes más icónicas de la democracia. Los únicos que no se escondieron bajo sus escaños mientras el golpista Antonio Tejero descargaba su pistola en el techo del hemiciclo fueron Gutiérrez Mellado, Santiago Carrillo y Suárez. Esto es algo que sabemos porque una de las cámaras de televisión que estaban grabando la sesión parlamentaria en el momento de producirse los hechos permaneció encendida sin que los golpistas se percataran de ello. Es así como tenemos constancia real de lo sucedido. ¿Quién sabe cuál hubiera sido el relato final y establecido sin ese documento fílmico?

Javier Cercas asegura que dedicó ocho horas diarias durante cuatro años al estudio e investigación de la documentación y testimonios disponibles para elaborar la novela que ahora adapta con fidelidad y eficacia para la televisión Alberto Rodríguez: Anatomia de un instante. Su disección de uno de los momentos más cruciales de la Transición es tan exhaustiva y profunda como objetiva, ajena a cualquier opinión subjetiva que pudiera contaminar lo más importante, los hechos. Tiene la misma e indeleble naturaleza de documento histórico que esas imágenes grabadas por casualidad y que permitieron que nadie inventara ninguna otra versión que no fuera la verdad: esos tres políticos que eran considerados unos traidores en sus respectivos ámbitos fueron los únicos que mantuvieron viva la dignidad de nuestra entonces joven democracia. Su recorrido vital hasta llegar a ese instante, a esa histórica imagen, explica la lucha por superar todos los obstáculos que surgieron en el camino para consolidar el estado de derecho que ahora disfrutamos. Todos fueron capaces de ceder para llegar a acuerdos, de tener la suficiente visión política como para comprender que era el momento de olvidar el pasado y mirar al futuro con afán de concordia, haciendo país.

La miniserie de Alberto Rodríguez es tan interesante como entretenida. El brillante guión esconde el mismo dominio del suspense del thriller político que ya mostraba el director en aquella otra estupenda película que contaba los tejemanejes de Paesa y Roldán: El hombre de las mil caras (2016). También son excelentes su fotografía de colores mate y su dirección artística, con esas habitaciones llenas de humo y esa estética tan reconocible y ligada a la época que retrata. Aunque lo más fascinante son sin duda las interpretaciones, todos están deslumbrantes en la difícil tarea de llevar a la ficción a unos personajes que el espectador está cansado de ver en imágenes reales de reportajes o documentales.

Anatomía de un instante es una de esas series que, además de sus valores artísticos, debería ser enseñada a los jóvenes en las clases de historia. Por eso, para qué piensen, para que descubran de dónde venimos, para que entiendan porque es tan necesario conocer nuestra propia historia.

Nunca es mala idea volver a los clásicos, a esas películas o series que son tan buenas como para aguantar todos los visionados que haga falta, cuya calidad es tan atemporal e indiscutible como para resistir el paso del tiempo. Hay obras de arte que simplemente son tan trascendentes como para pervivir ajenas a las modas coyunturales de cada generación. Hace un par de semanas este espectador, abrumado por el ingente pero también banal menú audiovisual que ofrecen las distintas plataformas, tuvo la feliz idea de regresar a las calles de Baltimore para volver a disfrutar de la que probablemente sea la mejor serie de televisión de la historia, para recordar que una ficción televisiva puede ser una forma de arte relevante y compleja, para constatar que The Wire (2002) es una deslumbrante obra maestra.

La explosión de ese puñado de series que cimentarían idea de que desde la televisión también se podía hacer cine con mayúsculas llegó con el cambio de siglo, especialmente bajo la firma de una productora como HBO que se erigiría como sinónimo de calidad con series como Los Soprano (1999) o este magistral drama policial que ahora nos ocupa. En aquellos años todavía no habían aparecido todas esas plataformas de streaming que ahora gobiernan el consumo audiovisual y que ofrecen tal cantidad de contenido como para poder afirmar que el entretenimiento está devorando el arte, como para ser incapaces de dilucidar las pequeñas joyas entre tanta paja. En aquella época dorada de la televisión se compraban los DVD y se intercambian con amigos lo mismo que se empezaron a intercambiar opiniones sobre la última serie vista o sobre ese capítulo que tanto nos había impresionado en conversaciones y veladas. Ver todas esas maravillosas series y hablar sobre ellas te daba cierto prestigio intelectual, era una nueva forma de cultura popular cuyo impacto social aún reverbera dos décadas después.

¿Y por qué The Wire es posiblemente la mejor serie de la historia? Pues porque cada capítulo es de una lucidez abrumadora, donde los personajes y las tramas transpiran un realismo complejo y poliédrico, lleno de matices. Hay violencia, corrupción e ironía bajo una textura fotográfica que consigue que casi podamos tocar u oler las calles de esa ciudad en continua decadencia, gobernada por arribistas o individuos cuyo idealismo acaba devorado por un sistema que mantiene una frágil convivencia social haciendo malabarismos. Hay malos que no lo son tanto y buenos llenos de debilidades, hay pobreza y carencias enquistadas en la calle, en todas esas esquinas pobladas por adolescentes que mercadean con droga como quien va al quiosco.

Esta fascinante radiografía de las instituciones que manejan el estado de las cosas derrocha inteligencia y estilo. Su forma de indagar en el sistema policial, laboral, educativo, político o periodístico de Norteamérica es la demostración de que una ficción debe ser algo más que una mera evasión, de que debe emocionar y educar, de que debe hacernos sentir y pensar.

Faltaban años para que aparecieran las pantallas planas cuando Diego Merayo aprovechaba la caja de un electrodoméstico como improvisado televisor: soñaba de niño con ser presentador de mayor. Todavía no se habían generalizado los mandos a distancia cuando con lo que soñaba era con ver todos los canales simultáneamente: un día probó a pulsar a la vez los botones, se estropeó el aparato y le valió un castigo en casa. Cuando sus padres lo premiaron por sacar buenas notas, los puso a conducir entre Priaranza del Bierzo y Villaviciosa de Odón (Madrid) para visitar los Estudios Picasso en los que se rodaba Al salir de clase. No fue raro, por lo tanto, que cuando el sello GeoPlaneta le hizo el “regalazo” de ofrecerle escribir un libro, este periodista y comunicador preparara ¡Esto da para una serie! Más de 900 ficciones televisivas para el recuerdo. Tampoco resulta extraño que ahora, recién publicado, hable de un spin-off (derivada): el suyo propio al trasladar el espíritu de su perfil @TeloCuentoSinSpoilers, una suerte de prescriptor audiovisual en las redes sociales, a su debut literario.

Diego Merayo estaba echando la siesta cuando le llegó una notificación al correo. “Yo siempre tengo proyectos nuevos”, dice como punto de partida este berciano que se enroló en el periódico del Instituto Europa de Ponferrada y que pasó también en la ciudad por Radio Cima antes de desarrollar su carrera profesional en la Cadena Ser en Valladolid, desde hace años al frente del A vivir que son dos días Castilla y León. “A veces falta un empujón o tener los medios suficientes”, añade. El trampolín lo puso esta vez GeoPlaneta, sello especializado en libros de no ficción del Grupo Planeta. “Que el grupo editorial más importante del país te apoye ha sido un regalazo”, admite tras avalar la “libertad absoluta” que le dieron para elegir su proyecto. Y este apasionado de la comunicación que creció en los ochenta durmiéndose con la radio y haciendo de presentador de televisión detrás de una caja recortada de la lavadora eligió las series.

Merayo no quiso hacer un libro más ni quedarse en un simple inventario de producciones. La obra resulta original ya en la forma: ha seguido el esquema de una serie para poner el índice con temporadas (por décadas desde los ochenta hasta la actualidad) y capítulos. El volumen también incluye apartados en los márgenes con curiosidades y hasta códigos QR para, por ejemplo, recrear sintonías convertidas en bandas sonoras de una o varias generaciones. Sugerir listados de favoritas, contar detalles de su vida como si fuera un guion, salpicar las páginas con un glosario y hasta proponer pasatiempos añaden alicientes a la obra. El tono es heredero de sus vídeos en redes sociales, una forma de interpelar directamente al lector. Y el contenido trasciende al título al contextualizar el recorrido cronológico de forma paralela entre acontecimientos históricos y la propia biografía de este berciano nacido en 1983.

El autor tiró primero de memoria. Como quiera que muchas de las series extranjeras que llegaron a España en los años ochenta se produjeron en décadas anteriores, hubo que bucear en otras épocas para armar un proceso exhaustivo de documentación. El resultado es un híbrido entre referencias casi a modo de consulta enciclopédica y episodios personales de este comunicador que se crio frente a una pantalla con dos canales y ahora reconoce cierta saturación en el actual escenario multimedia. Fue en los noventa cuando se incorporaron las cadenas privadas, Telecinco estrenó Al salir de clase y a Merayo le cambió la vida. “Todos hemos tenido un fan dentro y yo lo fui de esa serie”, dice para destacar su condición de cantera de actores sin dejar de lado otra circunstancia. “Ayudó a muchos adolescentes a superar momentos complicados”, añade para valorar la importancia de las series también como “refugio” personal cuando algo no encaja: “Y a veces convertías a los personajes de Friends en tus propios amigos”.

Las plataformas han democratizado el escenario, pero ahora cada uno va a lo suyo. Ha cambiado la forma de consumir y de hablar de las series

Diego Merayo — Autor del libro '¡Esto da para una serie! Más de 900 ficciones televisivas para el recuerdo'

“Si la tele nos unió desde su nacimiento, el resto de la tecnología nos ha separado”, escribe Diego Merayo para situarse ya en el cambio de siglo. “Hasta el año 2000 nos sentábamos todos juntos después de cenar a ver la tele”, evoca por teléfono. No cumplir el ritual significaba al día siguiente estar “desalojado de la conversación” en el patio del colegio o la oficina de la empresa. Merayo cita Perdidos como el punto de inflexión. “Cambió la forma de consumir y de hablar de las series”, dice. La “conversación” se fue volcando hacia las redes sociales, al tiempo que se multiplicaban los canales y entraban en juego las plataformas. “Las plataformas han democratizado el escenario, pero ahora cada uno va a lo suyo”, contrapone. La transformación dejará para la historia audiencias millonarias y cuotas de pantalla que superaban el 50% en casos como Farmacia de guardia o Médico de familia en los años noventa, sostiene el autor, que en libro cita el día en que en que Nacho Martín (Emilio Aragón) visitó a Lourdes Cano (Concha Cuetos) en la rebotica. Frases como “¡para dentro, Romerales!” pasaron entonces con total naturalidad de la tele a la calle.

Merayo, que relaciona aquel día en que se propuso ver al mismo tiempo todos los canales en la tele analógica con el mosaico de previsualización que ofrecían las antiguas plataformas Canal Satélite Digital y Vía Digital ya a finales de los noventa, reconoce que el panorama actual se presta menos a fenómenos fan como los de décadas pasadas. “Se estrenan tantas series que ya es difícil empatizar”, apunta para reconocer una “presión social” por verlas todas. “Y llegar a todo es imposible”, admite el autor, que en su repaso cronológico ha dado con alusiones que “chirrían” desde la perspectiva actual (“y ahí lo importante es detectarlo y evolucionar”) o con curiosidades como el hecho de que, en plena tragedia nacional por los atentados terroristas del 11 de marzo de 2004, el capítulo de Los Serrano de aquel día tuviera una audiencia de 6,6 millones de personas y un 36,4% de cuota de pantalla.

La curiosidad es también reveladora de otra época. El escenario ha cambiado tanto que el autor se atreve a hacer algunas predicciones. “Las series van a terminar desapareciendo en el prime time de la televisión lineal”, pronostica Merayo, quien, no obstante, sostiene que el aparato en torno al cual se han configurado los domicilios desde que sustituyó a la radio como epicentro familiar pervivirá en un mundo que ahora se articula en torno a las pantallas más pequeñas de los teléfonos móviles. “La tele tiene larga vida porque necesitamos esa sensación de familia”, afirma con matiz añadido en la vida ajetreada actual: “Y necesitamos sentarnos al final del día y disfrutar de algo”.

El berciano, que recuerda especialmente producciones como El súper, historias de todos los días porque la veía junto a su abuela Julia sin obviar que la estampa de toda la familia reunida ante el televisor quedará en el recuerdo y en la cabecera de Los Simpson, ha escrito ahora sobre series tras lanzar en 2006 siendo estudiante Tr3 Son Multitud en YouTube, Vecinos que… en pleno confinamiento por la pandemia del coronavirus en 2020 vía Instagram y haber patentado la idea de otra todavía inédita. “¿Por qué no novelar ahora ese guion que se quedó en un cajón?”, sugiere Diego Merayo asegurando que seguirá embarcándose en proyectos poniendo entre interrogantes los detalles. Lo que es seguro es que, como en las buenas series, su trayectoria multimedia continuará.

Ronan Bennett y Guy Ritchie regresan con Tierra de mafiosos al territorio que mejor conocen, a ese Londres cool y canalla en el que han firmado sus mejores obras, a ese cine de pulso eléctrico y actitud gamberra que les ha convertido en unos realizadores muy reconocibles. La suya es una particular forma de contar historias que abusa intencionadamente de ingeniosos y acelerados diálogos, de gánsteres imposibles y de una negra comicidad que les define (especialmente en el caso de Guy Ritchie) como una especie de alternativa británica a Quentin Tarantino. Vaya por delante que uno había decidido no mencionar las evidentes similitudes que abundan en la obra de estos cineastas, por aquello de no redundar en el tópico y evitar lugares comunes. Pero también la labor de un texto de estas características ha de ser la de proporcionar a potenciales espectadores referencias o indicios que le ayuden a contextualizar la obra que trata. En fin, 'excusatio non petita accusatio manifesta'.

Lo primero que habría que comentar sobre Tierra de mafiosos es que estamos ante un juguete armado únicamente para cumplir su innegociable función de lidiar con aburrimientos otoñales y estériles, de entretener y evadir nuestra mente. No se engañen, aquí no se busca la veracidad o se traslada a la pantalla la biografía real de algún reputado gánster. Esto es pura diversión, con personajes extravagantes y exagerados, con una violencia tan excesiva que roza la caricatura, con unas frases de dialogo que solo pueden ser escuchadas dentro de una ficción y con una rocambolesca trama que permite que todo sea posible y que los guionistas jueguen a matar o a dejar vivir a sus personajes con total arbitrariedad, con esa libertad que da precisamente el vasto territorio de la invención. Esto conviene aclararlo para que ese casual espectador que se haya situado ante esta serie atraído por la palabra mafiosos que aparece en el título pueda enfrentarse a ella con unas claras expectativas, sabiendo que aquí lo que vamos a encontrar es únicamente eso: un violento divertimento, un cínico disparate.  

En cualquier caso, si usted es otro de esos amantes de las series que retratan con crudeza toda la complejidad moral que cabe en esas abyectas sociedades mafiosas, puede encontrar en las distintas plataformas auténticas joyas. Aunque antes de nada deberíamos aclarar que el termino mafia, a pesar de referirse originariamente al ámbito siciliano, se popularizó tanto que en la actualidad se usa de manera genérica para todo tipo de organizaciones criminales; sean clanes familiares, gánsteres o narcos; sean italianas, americanas o japonesas. Dicho esto, aquí van unas cuantas recomendaciones que aúnan clásicos de la televisión con otras más desconocidas: Los Soprano (1999), El capo de Corleone (2007), Boardwalk Empire (2010), Gomorra (2014), Narcos (2015), Fariña (2018), ZeroZeroZero (2019), Tokyo Vice (2023), Las buenas madres (2023)…

El fantástico iberoamericano nada encorsetado ni prefabricado pues no emula fórmulas anglófonas y luego se hace pasar por nuestro (igual que esos decorados que pretenden ser China y solo engañan a los que no han estado nunca en China)…

Eso, el fantástico de nuestra tradición literaria tipo Alejandra Pzarnik (La Condesa sangrienta) o Silvina Ocampo (La calle Sarandí) o Mariana Enríquez (Bajar es lo peor) o Valeria Correa Fiz (Hubo un jardín) escrito, como la mística (¿Noche oscura del alma de San Juan de la Cruz no son los apuntes para una novela de terror?) con una prosa heredera y propia de la tradición literaria en español…

Sí, el fantástico que no juega con la realidad ni la sortea ni la tacha ni la miente, sino que la completa desde dentro (llámalo realismo visionario al modo de José María Merino, Manuel Mollano y Juanjo Millás, o llámalo fantasía estética al modo de Ana María Matute en Olvidado rey Gudú)…

En efecto, el fantástico que niega (con sofisticación, elegancia verbal y talento compositivo) que la tradición literaria en castellano sea exclusivamente realista (una premisa ésta que, según los estudiosos del fantástico David Roas y Ana Casas, proviene de los curas católicos que manejaron desde el medievo nuestro canon, y no querían más fantasías que las suyas)…

En verdad, ahora que entre nuestra peña friki (donde todo es tan menudo y vibrátil pero ya no hermético) se lleva mucho el terror escrito con prosa como traducida, con prosa funcional sin más, va y gana el Premio Kelvin del Festival Celsius de Terror Fantasía, y Ciencia Ficción (que es el premio a la novela fantástica del año en español) el novelista y estilista David Ucles. ¡Y lo hace con un novelón desde luego fantástico que narra toda la Guerra Civil Española mediante un exhaustivo viaje de documentación y memoria por la geografía de este país (La península de las casas vacías, un novelón de ambición decimonónica; uno sobre esa guerra nuestra que se repite como el ajo y de esos polvos estos lodos, escrito con una prosa que busca de verdad esa perfección que nunca se alcanza, y que viene a ser un cruce entre Borges, Francisco Ayala, Olga Tokarczuk y Guillermo del Toro: fantásticos todos)!

¡Un novelista tan joven y con esta audacia y personalidad literaria a la contra es la esperanza de nuestra narrativa!

Verdaderamente, ahora que se llevan tanto las americanadas, va y gana de nuevo un premio a la mejor novela del año en español (también acaba de ser premiado en la Semana Negra de Gijón, otro festival literario que es también una fiesta de la literatura degenerada o de género presentada con entusiasmo, dinamismo y alergia al academicismo) una novela fantástica que no huye de la realidad sino que la dota imaginativamente de efecto, verdad y sentido.

¡Es tan alucinante como esperanzador tal hito!

Ahora que vivimos en la dictadura de la imagen, bueno es saber y hacer saber ,que, como nos enseñaron los clásicos grecolatinos, la imaginación verbal es la verdadera imaginación.

Enhorabuena David Uclés.

Luis Artigue, “el Kurt Vonnegut español”, es un escritor leonés con seis poemarios y ocho novelas a sus espaldas. La última, Trumpsilvania, editada por Eolas este mismo año año 2025. “Solo una novela como ésta puede ser a la vez una película escrita y dirigida a cuatro manos por George A. Romero y Dario Argento, protagonizada por Brad Pitt y Marilyn Monroe y con música compuesta expresamente por Johan Sebastian Bach”, afirma la crítica. Es tambiébn miembro de la Asociación CylCon cuya web se puede conocer pinchando en el anterior enlace.

Las historias ambientadas en el entorno del fútbol que vemos en cine y televisión suelen mostrar en paralelo los conflictos profesionales de los deportistas con su vida personal.

En general el fútbol sirve como excusa argumental para esbozar un retrato mayor, el de la sociedad que lo acoge. En lo particular estos relatos se suelen centrar en la épica de un equipo humilde o en la proyección como modelo social de una estrella del balompié.

En cualquier caso, el fútbol nos ha regalado unas cuantas y brillantes series, estas cuatro recomendaciones son un buen ejemplo de ello.

Sunderland ‘Till I Die (2018-2021) Reino Unido — Netflix

Muchos la descubrimos en plena pandemia y nosenganchó sin remisión. Serie documental que cuenta los entresijos y dificultades que conlleva gobernar un equipo de fútbol, en este caso el Sunderland, un histórico de la liga inglesa que no vivía sus mejores momentos. Retrato intimo sobre el funcionamiento interno de un club, la pasión de una ciudad y el innegociable amor por unos colores.

Un juego de caballeros (2020) Reino Unido — Netflix

Miniserie que nos lleva a conocer los orígenes del futbol moderno en el siglo XIX en Inglaterra. Drama de época que nos presenta a dos jugadores de distinta clase social pero con la misma ambición por impulsar el deporte del fútbol. Cuenta con todos esos alicientes de la buena televisión británica: una base histórica, brillantes interpretaciones, el exquisito retrato de una época y unas buenas dosis de melodrama.

Ted Lasso (2020-2023) Reino Unido — Apple TV+                          

Un ingenuo entrenador de fútbol americano es contratado para dirigir un club de fútbol inglés, el AFC Richmond. Todo forma de un plan de venganza y se espera que fracase estrepitosamente, pero su sentido del humor y amable personalidad acabará conquistando a todo el mundo. Humor blanco y reconfortante a raudales, de esas series que uno ve con una sonrisa perpetua esbozada sobre su rostro. Extravagante y divertida.

Welcome To Wrexham (2021-) Estados Unidos — Disney+

Los actores Ryan Reynolds y Rob McElhenney deciden comprar y empezar a administrar el Wrexham AFC galés, uno de los clubes de fútbol profesional más antiguos del mundo. Esta serie documental cuenta todas las vicisitudes que le suceden al club, a los aficionados y a este par de estrellas de Hollywood que saben reírse maravillosamente de sí mismas. Apasionada, ingeniosa, humana e inteligente mirada sobre todo lo que rodea a un equipo de fútbol, sobre las ambiciones deportivas, la fidelidad de los aficionados o la importancia de unos colores para una ciudad deprimida del norte de Gales. Todo un descubrimiento.

Una noche de verano comienza a caer una terrible nevada sobre Buenos Aires que acaba con casi toda la población, una tormenta de nieve tóxica que mantiene aislados en pequeños grupos a unos pocos supervivientes que asisten atónitos a la catástrofe. Es un apocalipsis blanco que nadie sabe porqué se ha producido y que podría ser perfectamente como el que describe Cormac McCarthy en su novela La carretera: “El frío y despiadado girar de la tierra intestada. Oscuridad implacable. Los perros ciegos del sol en su carrera. El aplastante vacío negro del universo. Y en alguna parte dos animales perseguidos temblando como zorros escondidos en su madriguera. Tiempo prestado y mundo prestado y ojos prestados con que llorarlo”. 

La novela gráfica que cuenta este cataclismo sureño comenzó a publicarse en el diario Hora Cero Semanal entre 1957 y 1959, alcanzando enseguida un gran éxito y teniendo en los años posteriores numerosas secuelas y reediciones. La historieta (así es cómo se denominan los cómics en Sudamérica) de Héctor Germán Oesterheld es considerada una obra cumbre del género en lengua castellana, y su influencia en la toda la producción de Ciencia Ficción posterior ha sido enorme. Prueba de ello es esta estupenda miniserie de seis episodios (se ha confirmado segunda temporada) que adapta la historia original para la televisión, trasladando la distopía al presente pero manteniendo el mismo tono en cuanto a la atmósfera, los lugares retratados, la desorientación de los personajes o los arcos narrativos. Es una interesante y finalmente acertada relectura que yace sobre unos miedos más vinculados al hombre contemporáneo.

El eternauta no deja de ser otra enésima forma de contar un futuro apocalíptico. Lo que la hace mucho más original que otras series del género es su desacomplejada mirada argentina sobre el drama, con esos paisajes arrasados de Buenos Aires que son tan poco habituales en este tipo superproducciones, o con unos personajes más cercanos a la realidad y tamizados por ese cinismo o sentido del humor tan intrínsecamente porteños. Porque por lo demás da igual que sean zombis o extraterrestres, tragedias naturales o radiaciones tóxicas. Lo importante es la lucha de los hombres que superan el desastre inicial, que son capaces de apelar a la unión del grupo y a aquellas creencias antiguas que han sido arrasadas por el voraz instinto de supervivencia. “La gente buena tiene que seguir existiendo. Nadie se salva solo”; escuchamos decir a Juan Salvo, el protagonista de esta odisea blanca y alucinada que interpreta brillantemente Ricardo Darín.

Los cónclaves en los que se elige al nuevo Papa están gobernados por unas liturgias que permanecen imperturbables al paso del tiempo y que poseen una clara dimensión cinematográfica, tanto en su pomposa teatralidad como en su suspense argumental.

A la reunión de los cardenales bajo los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina, los cánticos gregorianos, el vestuario cardenalicio o la fumata blanca se unen todos esos elementos de misterio y secretismo que caben en las votaciones y que son tan propios del cine de intriga. 

Estas son algunas de las películas que han retratado a Papas y cónclaves, a ese misterioso universo que gravita entre la fe y el poder, entre la política y el misterio religioso:

Las sandalias del pescador (1968) · Estados Unidos — Michael Anderson

Superproducción que adapta la novela de Morris West para anticipar la figura de Juan Pablo II al contar la historia de un Papa que viene de un país de la órbita soviética. Mezcla de geopolítica y espiritualidad impregnada por los grandes cambios del Concilio Vaticano II que se acababa de celebrar.

Francisco: el padre Jorge (2015) · Argentina — Beda Docampo

Cinematográficamente este edulcorado biopic del último pontífice no tiene un pase. Es previsible y dogmático, armado con la única intención de elevar la figura de Bergoglio. El único interés que tiene es recordar ese cónclave que aparece al final de la película y dónde los nombres que se van citando en las votaciones se corresponden con los reales de los cardenales del momento. 

The Young Pope (2016) · Italia — Paolo Sorrentino

Irreverente y divertida miniserie de diez episodios que visita las intimidades del Vaticano desde la extravagancia más hipnótica. Visualmente poderosa, esta sátira es una profana visión del poder que descansa sobre las tradiciones vaticanas. Un Paolo Sorrentino desatado y excesivo, una vez que consigues entrar en su universo te atrapa irremisiblemente.

Los dos Papas (2019) · Reino Unido — Fernando Meirelles

Magistral duelo interpretativo entre unos Jonathan Pryce y Anthony Hopkins en estado de gracia (nunca mejor dicho). Explora la relación que mantuvieron Benedicto XVI y su sucesor el Papa Francisco partiendo de un brillante guión, con diálogos agudos y momentos de ternura que ponen sobre el tablero muchos de esos temas que distancian la tradición eclesiástica del cambiante mundo real.

Cónclave (2024) · Reino Unido — Edward Berger

La última en llegar y en volver a las salas oportunamente tras la muerte del Papa Francisco. Centrada en ese mismo proceso de elección que ahora el mundo sigue con atención y curiosidad, la cinta se eleva en la representación de todos esos rituales de interior, con una exquisita puesta en escena y unas brillantes interpretaciones. El suspense de los secretos y los murmullos de pasillo dura lo que el guión tarda en pasarse de vueltas entre tanto giro argumental.

El pasado 28 de abril la península ibérica sufrió una caída de su sistema eléctrico que paralizó la vida durante varias horas. Durante todo ese tiempo el apagón parecía emular el prólogo de cualquiera esas distopías que ya nos había anticipado la ficción.

Son series de televisión o películas que cuentan cómo ciudadanos normales se ven arrastrados a sobrevivir sin todas esas comodidades que damos por sentadas, que fallan repentinamente o son saboteadas por el enemigo en nuevas formas de combate. Estas son algunas de esas ficciones:

El colapso (2019) — Francia (Filmin)

En este miniserie francesa se desconocen los motivos que originan el colapso del sistema, solo vemos cómo la sociedad queda suspendida en una anomalía que pronto provocara que saquemos lo peor de nosotros mismos. Seis capítulos que muestran de forma cruda lo que pasaría en nuestro mundo si dejaran de llegar los suministros y la energía. Una exploración del caos que alcanzó cierto renombre cuando volvió a ser estrenada tras la pandemia, cuando todos teníamos la vulnerabilidad encendida después del confinamiento.

Apagón (2022) — España (Movistar+)

En este caso es una tormenta solar la que provoca el colapso energético y tecnológico del planeta. Cinco capítulos con historias independientes y dirigidas por cinco directores que son los encargados de transmitir el caos y el pavor que se desatan tras la catástrofe: Rodrigo Sorogoyen, Raúl Arévalo, Alberto Rodríguez, Isa Campo e Isaki Lacuesta. Ambiciosa e inquietante serie, uno de los mejores acercamientos al tema que podemos disfrutar en estos días de resaca emocional tras el apagón real.

Día cero (2025) — Estados Unidos (Netflix)

Día cero nos cuenta los días posteriores a un ciberataque sufrido por todos los sistemas informáticos de Estados Unidos y la gestión de la catástrofe encomendada a un expresidente del país. Un atractivo argumento en estos tiempos en los que el pánico a la vulnerabilidad del aparato informático que sostiene nuestra forma de vida es una de las más sofisticadas formas de terror. Aunque finalmente este thriller político que se cree mucho más inteligente de lo que realmente es se queda en casi nada y los que vemos no pasa de ser un banal entretenimiento.

El eternauta (2025) — Argentina (Netflix)

Miniserie de seis episodios que aterriza de forma oportuna esta semana en Netflix. Adaptación contemporánea de la novela gráfica y homónima de Héctor Germán Oesterheld. Una noche de verano comienza a caer una terrible nevada sobre Buenos Aires que acaba con casi toda la población y aísla al resto. Una tormenta de nieve tóxica que enseñará a un pequeño grupo de amigos que la única manera de sobrevivir es luchando juntos. El gran Ricardo Darín encabeza el reparto de esta apocalíptica ficción.

La Semana Santa se presenta como el momento perfecto para sumergirse en algunas de las series más impactantes y sugerentes del panorama audiovisual actual. Ofrecen una mirada profunda y fascinante a la complejidad humana, el poder, la violencia y las contradicciones de la sociedad contemporánea.

Desde dramas que remueven conciencias hasta sátiras mordaces sobre la élite y thrillers policiacos que exploran los rincones más oscuros del alma, la oferta es tan variada como estimulante, ideal para disfrutar de un maratón en casa durante las vacaciones.

Estas series, diversas en tono y temática, comparten la ambición de retratar, con distintos matices, las luces y sombras de la condición humana en escenarios tan glamurosos como inquietantes. Cada historia invita al espectador a reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos y los dilemas morales que nos definen.

The White Lotus 3 (Estados Unidos) — HBO Max

La tercera temporada de la exitosa serie creada por Mike West vuelve a incidir en la misma trama que tanta popularidad dio a sus predecesoras: un grupo de personas llega a un lujoso hotel en algún idílico lugar del planeta para disfrutar de sus vacaciones y, poco a poco, los oscuros presagios que sobrevuelan de forma sutil y premonitoria la narración se van concretando hasta dibujar una tragedia. Cáustica sátira social, toxicidad entre millonarios y espléndidos diálogos.

Cuando nadie nos ve (España) — HBO Max

Ambientada en la Semana Santa de 2024, este potente drama policiaco dirigido por Enrique Urbizu lleva a dos mujeres policías a tratar de resolver una serie de crímenes en Morón de la Frontera: frontera política y cultural de esa España olvidada y una de las mayores bases militares estadounidenses en el extranjero. Es sobria, con una trama que se cocina a fuego lento, desasosegante y dura.

The Studio (Estados Unidos) — Apple TV+

Hollywood se mira a sí mismo en esta hilarante comedia que parodia con descaro y mucho sentido del humor la realidad diaria que se vive en una productora, las ansiedades que invaden a ejecutivos y creadores, las dudas y disparates que se suceden hasta encontrar esa serie o película que logre triunfar. Plagada de cameos y referencias que harán las delicias de cinéfilos. 

Adolescencia (Reino Unido) — Netflix

A estas alturas está casi todo dicho sobre este imperdible drama televisivo presentado en cuatro episodios que abordan desde distintos puntos de vista una tragedia inconcebible para cualquier ser humano con un mínimo de empatía social: el asesinato de una adolescente a manos de un compañero de clase. Obra maestra que remueve conciencias, contundente ensayo social sobre la complejidad del estado actual de esta sociedad que viaja tan rápido como un tren a punto de descarrilar.

Vicios ocultos (Estados Unidos) —  Apple TV+

Tras ser despedido con deshonor y todavía lidiando con su reciente divorcio, un administrador de fondos comienza a robar en las casas de sus vecinos en su rico barrio, solo para descubrir que los secretos ocultos dentro de esas mansiones de lujo pueden ser más peligrosos de lo que nunca imaginó. Un Jon Hamm desatado, irónico y tan brillante como siempre protagoniza esta rareza policiaca que se disfruta como los buenos vinos, lenta y gozosamente.

Harry Bosch ama por encima de todo a su hija Maddie, escucha musica de jazz, bebe whisky para olvidar a los que se han quedado en el camino, resuelve sus casos tirando más de inteligencia que de pistola, posee una integridad a prueba de sociópatas y vive en una casa de cristal suspendida sobre una colina desde la que divisa el valle de la ciudad de Los Ángeles. Fue uno de esos problemáticos policías que traen a sus jefes por la calle de la amargura pero que siempre acaban resolviendo sus casos. Ahora, retirado del cuerpo, es un investigador privado de métodos poco ortodoxos pero eficientes. Además, tras esa fachada de tipo duro que suelta frases como, “vuelves a mencionar a mi hija y te rasparán del pavimento con una puta espátula”, hay un corazón de oro, una especie de Quijote contemporáneo que lucha por causas perdidas y protege a los más débiles. 

El creador de este personaje que actualiza todos los paradigmas de las novelas y el cine negro clásicos es el escritor Michael Connelly, un tipo que iba para constructor hasta que un buen día se acercó al cine para ver Un largo adiós (1973), película dirigida por Robert Altman y basada en una novela de Raymond Chandler. El film le impresionó tanto que comenzó a leer con avidez toda la obra de Chandler y decidió que quería ser escritor de novelas de detectives. No es extraño que fuera precisamente el creador de Philip Marlowe, ese detective interpretado en el cine por Humphrey Bogart que es considerado el arquetipo del investigador privado, la mayor influencia en la obra de Connelly. Bosch tiene mucho de aquellos personajes que sueltan frases lapidarias como quien habla del tiempo, que son tipos duros en el ejercicio de su profesión pero con el corazón tan blando como para haber sido heridos en el pasado por alguna mujer fatal. Como escribió el propio Chandler: “Por esas calles mezquinas debe ir un hombre que no sea él mismo mezquino, que no esté manchado ni tenga miedo. El detective debe ser un hombre completo, un hombre corriente y, sin embargo, un hombre fuera de lo común. Debe ser, por usar una frase bastante gastada, un hombre de honor, por instinto, por inevitabilidad, sin pensarlo y, desde luego, sin decirlo. Debe ser el mejor hombre de su mundo y un hombre lo bastante bueno para cualquier mundo”. 

Bosch: Legado es una continuación de la serie original que no se sale del inteligente guión previsto, tiene las mismas hechuras que todas esas películas y series clásicas del género, es sosegada como una melodía de jazz de los años cuarenta, un elogio a la sencillez narrativa y estilística, una genuina rareza que se distancia discreta y elegantemente de tanto ruido catódico.

A estas alturas está casi todo dicho sobre este imperdible drama televisivo presentado en cuatro episodios que abordan desde distintos puntos de vista una tragedia inconcebible para cualquier ser humano con un mínimo de empatía social, pero tristemente cada vez más frecuente en nuestro satisfecho primer mundo: el asesinato de una adolescente a manos de un compañero de clase. Este es el primer gran acierto de la serie, tratar un tema desolador y de inquietante actualidad, ese miedo íntimo que invade a casi todos los padres y madres de no poder controlar lo que digieren sus hijos adolescentes a través de sus pequeñas pantallas, la enorme brecha tecnológica que les separa de ellos, el absoluto desconocimiento de los códigos que blindan su pequeño y hermético universo. Además, al enfocar la historia desde cuatro diferentes pero igual de elocuentes escenarios, la visión del espectador sobre el drama se vuelve panorámica y le ayuda a comprender los infinitos matices que afectan a víctimas y verdugos. El visionado completo de Adolescencia se revela finalmente como un clarividente ensayo social sobre la complejidad del mundo cambiante que les toca abordar a nuestros jóvenes, sobre el estado actual de esta sociedad que viaja tan rápido como un tren a punto de descarrilar.

Otro de los grandes hallazgos de esta miniserie es la elección de una audaz propuesta técnica para contarnos los hechos: un único plano secuencia que acompaña en tiempo real a los personajes en cada escenario y que trasciende su innegable virtuosismo artístico para convertirse en una poderosa herramienta narrativa. La coreografía que ejecuta la cámara sobre la puesta en escena es precisa, estilísticamente ambiciosa y tan sutil como para que nos olvidemos de ella a los pocos minutos de metraje. Todo fluye con naturalidad y es imposible encontrar un pero a la invisible arquitectura que arma este artefacto visual. Es más, lejos de alejar o despistar al espectador, esta cuidada caligrafía formal consigue que nos sumerjamos en la historia de manera casi orgánica, canalizando nuestra atención sin posibilidad de renunciar a seguir mirando, cautivándonos sin remisión.

Para terminar de desgranar los motivos por los que este drama televisivo es una de esas obras que consiguen agarrarse a un momento social con una lucidez apabullante, tendríamos que hablar de las interpretaciones. Todas son brutales, exquisitas, brillantes y sutilmente realistas. Hay veces que se acaban los adjetivos, esta es una de esas ocasiones.

Adolescencia explica las razones por las que esta forma de contar historias llamada cine (o televisión en el caso que nos ocupa) es también un arte. Porque detener nuestras rutinas para ver esta serie sí justifica el tiempo empleado, porque nos hace pensar, porque se agarra a esos intangibles resortes que manejan nuestras emociones para revolverlo todo y sembrar de dudas nuestras frágiles certezas morales, porque nos enseña la complejidad de la condición humana. Y porque, en definitiva, nos hace más sabios al volver a mostrarnos que, como dijo aquel filósofo antiguo, solo sabemos que no sabemos nada.

El jueves 20 de marzo la plataforma de streaming Netflix estrena la serie 'Wolf King', en la que ha participado la leonesa María Vidal Moreno como directora de arte y diseñadora de producción.

Esta serie, que se basa en la saga Wereworld de Curtis Jobling, es una producción de Lime Pictures y Jellyfish Pictures y su animación ha estado dirigida por la leonesa María Vidal.

La leonesa es exalumna de la Escuela de Arte y Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de León, finalizó su Bachillerato de Artes en 2015 y se graduó en Animación por la U-tad (Madrid) con beca de excelencia.

Desde entonces, ha trabajado en Jellyfish Pictures para clientes como Netflix, Disney y Mattel, desarrollando una notable carrera en el mundo de la animación.

Este crítico confiesa que son muchas las ocasiones en las que se plantea el buen uso de su tiempo, casi siempre como una incomoda y constante percepción vital, pero sobre todo mientras digiere alguna de esas producciones audiovisuales que posiblemente no vería como espectador y a las que tiene enfrentarse con estoica actitud por mor de su profesión. Es ese eterno y familiar dilema que los que amamos el cine tenemos que explicar constantemente a aquellos que solo ven en él un  superfluo entretenimiento. En esto del cine y la televisión hay de todo, como en botica y como en casi cualquier disciplina de la vida. Existen maravillas estéticas y narrativas que nos hacen pensar y elevan esa condición tan intrínsecamente humana que apela directamente a la sensibilidad, obras de arte que justifican todos y cada uno de los segundos invertidos en su disfrute. Y luego están productos como la miniserie que hoy nos ocupa y que hacen que, como comentaba en la primera línea de este párrafo, uno se replantee la fertilidad de sus formas de evasión y enriquecimiento cultural.

Día cero nos cuenta los días posteriores a un ciberataque sufrido por todos los sistemas informáticos de Estados Unidos y la gestión de la catástrofe encomendada a George Mullen, aclamado expresidente del país que encabeza un comité para intentar descubrir a los autores. Hasta aquí todo perfecto, un argumento ya visitado en estos tiempos en los que el pánico a la vulnerabilidad del aparato informático que sostiene nuestra forma de vida es una de las más sofisticadas formas de terror, pero también un jugoso libreto que, aunque recurrente, sigue siendo objetivamente cautivador. Además, a esta interesante premisa se une un impresionante elenco de actores que terminaba por empaquetar la propuesta con un innegable atractivo: Robert De Niro, Jesse Plemons, Lizzy Caplan, Connie Britton, Matthew Modine, Angela Bassett…

Pero luego todo queda en agua de borrajas y las ínfulas dramáticas y estilísticas de este thriller político que se cree mucho más inteligente de lo que realmente es terminan por irritar al espectador más sensato y crédulo. ¿Cómo es posible que contando con tan buenas herramientas se caiga en semejante mediocridad? Los hechos son contados de forma brusca y errática, la autocomplacencia de su narrativa solo se explica desde un mal guión y una evidente ausencia de personalidad creativa. Es una pena que el buen trabajo de unos buenísimos actores caiga en saco roto entre lugares comunes y confusión. Porque sí, ver esta miniserie condenada al olvido ha sido una perdida de tiempo.

En septiembre de 1963 aparecían publicadas las primeras aventuras de este grupo de superhéroes que, debido a una serie de mutaciones en su estructura genética, habían adquirido diversos y extraordinarios poderes. Sus creadores fueron Stan Lee, auténtico ideólogo y padre del universo Marvel, y Jack Kirby. A la hora de establecer los cimientos de la serie y perfilar los personajes el propio Stan Lee propuso la idea de que, tanto los héroes como los villanos de la historia, fueran mutantes. Antes de decidirse por el nombre de X-Men para la saga recién nacida, el editor Martin Goodman había rechazado el más evidente de Los Mutantes, considerando que tendría poco calado entre los lectores más jóvenes. En cualquier caso, lo que sí prendió fue el hilo argumental postulado por Lee y que presentaba la lucha entre dos grupos de mutantes: los reclutados por el Profesor X y que buscaban la integración con los humanos, y aquellos otros que eran vilmente adiestrados por Magneto para acabar con una raza humana que consideraban inferior y el mayor enemigo para su especie. 

La trama de aquellos primeros números se presentó como una analogía de la tensión racial que se vivía en Estados Unidos por entonces, con sutiles pero innegables referencias que vinculaban a Magneto con Malcolm X y al Profesor X con Martin Luther King. La eterna lucha entre el bien y el mal que articulaba los relatos originales estaba claramente representada en los dos paradigmáticos personajes protagonistas. Y poco a poco fueron apareciendo nuevos mutantes que pasaban a engrosar las filas de uno u otro bando: Cíclope, Jean Grey, Ángel, Bestia, el Hombre de Hielo, Mercurio, Bruja Escarlata, Mímico, Kaos, Polaris, los Centinelas o el Monolito Viviente. Pero las aventuras de este primer grupo de superhéroes no consiguieron despertar el interés del público y, debido a sus escasas ventas, la revista tuvo que ser cancelada en el número 66. 

Fue en 1975 cuando X- Men resurgió de sus cenizas para convertirse en uno de los cómics de mayor éxito que se han publicado desde entonces y en una inspiración para decenas de nuevos títulos. El culpable de los drásticos cambios que impulsaron de nuevo la serie y cimentaron una popularidad que llega a nuestros días fue el guionista Chris Claremont, un autor que encontró la fórmula mágica en una estrategia que ahora nos puede parecer una perogrullada pero que, hasta ese momento, no se había visto en el cómic americano: insuflar de humanidad a unos personajes demasiado planos y distantes. Al fin y al cabo, los superhéroes que habitan en las viñetas de un tebeo no son distintos de aquellos otros que encontramos en los poemas épicos o en las epopeyas griegas. Las historias de los cómics son una forma de mitología contemporánea y popular. Esos seres de apariencia humana que pueden volar, son indestructibles o poseen una fuerza sobrenatural, también son proyecciones alegóricas que brotan de la imaginación y nos permiten soñar con desafiar nuestra condición de seres mortales.

La última de las numerosas producciones audiovisuales (más allá del cine) que se ha detenido sobre las peripecias de estos seres mutantes es la de animación X-Men '97, un estupendo ejercicio nostálgico que actualiza la memorable serie original volviendo a los años 90 y presentando a unos personajes que, lejos de resultar tan planos como muchas veces han sido evocados, ahora respiran cierta complejidad. Los diez episodios de su primera temporada están inteligentemente armados a partir de unas tramas que rebosan acción, drama y humor. Ha sido una de las sorpresas de animación del año, una serie que nos muestra como se debe revitalizar un clásico desde un enfoque contemporáneo.

Sorpresa leonesa en la serie de Disney+ El mejor infarto de mi Vida, protagonizada entre otros por la actriz española Olivia Molina. En un momento de la trama se puede ver el Centro de la Región Leonesa en Buenos Aires.

Este viernes 24 de enero se estrenó en la plataforma de streaming esta miniserie argentina, una producción de comedia dramática y humor negro basada en el libro homónimo de Hernán Casciari. La serie cuenta con un reparto encabezado por Alan Sabbagh, Olivia Molina, Rogelio Gracia Bernada, Romina Peluffo y Brian Maya, entre otros, que se basa en “una historia cargada de ironía y reflexión sobre la vida”.

El Centro Región Leonesa de Ayuda Mutua fue fundado el 2 de julio de 1916 por un grupo de leoneses entusiastas y comprometidos que buscaban un espacio donde reunirse para rememorar su tierra natal y, al mismo tiempo, brindarse apoyo mutuo en momentos de necesidad, según su página web. La iniciativa estuvo liderada por don Lisandro Carreño, un hombre excepcional que no solo impulsó la idea, sino que también trabajó incansablemente para hacerla realidad.

El nombre de la institución refleja su propósito fundamental: unir a los nacidos en las provincias del antiguo Reino de León, así como a sus descendientes y allegados residentes en Argentina. Además, el Centro abrió sus puertas a todos aquellos españoles, argentinos e hispanoamericanos que desearan sumarse a esta comunidad de apoyo y hermandad.

De qué va la serie

La trama sigue la historia de Ariel, interpretado por Sabbagh, un escritor fantasma que atraviesa una profunda crisis personal. Tras ser abandonado por su esposa y ver su salud deteriorarse, su vida da un giro inesperado cuando sufre un infarto durante un encuentro íntimo en una casa alquilada. Asistido por el personal del lugar, Ariel se ve obligado a replantearse su existencia y las relaciones con quienes lo rodean.

La producción ha sido destacada por su estilo fresco y su particular manera de abordar temas sensibles con un toque de humor ácido, característico de la pluma de Casciari. La serie no solo se centra en las adversidades del protagonista, sino también en cómo los pequeños eventos pueden llevar a cambios profundos en la vida de las personas.

El elenco cuenta con destacadas interpretaciones, con Alan Sabbagh en el papel principal, mientras que Olivia Molina da vida a Concha, un personaje clave en la historia. La química entre los protagonistas y los diálogos afilados prometen conquistar tanto a los seguidores de la obra literaria como a nuevos espectadores.

El mejor infarto de mi vida ya está disponible en Disney+ y se espera que tenga una gran recepción, consolidando el humor negro argentino dentro de las producciones originales de la plataforma. Esta presencia de lo leonés puede darle un inesperado éxito de audiencia en la Región Leonesa.